Y algunas voces se levantan de entre la multitud y dicen lo de todos los años, aprovechando esos paradójicos silencios ocasionales que se producen cuando hablan tantas personas a la vez: ya no se hacen juegos como los de antes.

Por la gloria del píxel

Para un sector tan denostado como el de los videojuegos que, como los cómics, necesita dignificarse de alguna manera, es curioso que este proceso se apoye en el pasado. Si cualquier tiempo pasado fue mejor es que nos vienen a decir que el píxel es el máximo exponente del ocio electrónico. Ya no sólo por la evocación que supone de una época dorada, sino porque en muchos juegos indies se sigue utilizando, y ya sabemos que lo indie mola y es lo mejor por el simple hecho de serlo.

No se puede negar que en los tiempos de los 16 y 8 bits, la austeridad gráfica obligaba a potenciar la imaginación para captar al cliente. Tampoco, que para un mando con cruceta y dos botones (o cuatro) se llegó a crear un complejo y entretenido sistema de juego, de máxima profundidad. Pero es insensato creer que esto es a lo máximo que puede aspirar un videojuego. Por desgracia, la nostalgia tiende a nublarnos la vista y a hacernos creer que, en fin, ya no se hacen videojuegos como los de antes y es una pena.

Lo que vengo a decir es que ya no se hacen juegos como los de antes, y menos mal.

La evolución de un medio

Recapitulemos un poco: los actuales sistemas son capaces de crear complejos mundos tridimensionales, donde se representa hasta la gestualidad de los compañeros de equipo y donde podemos escuchar prácticamente todo un mundo ficticio.

Pero es que hasta los juegos peor desarrollados (aunque haya desastrosas excepciones) tienen que lidiar con un concepto de puesta en escena más relacionado con el teatro que con el cine, y por lo tanto algo más complejo, porque no posee una gramática como la de la escala de planos: en un videojuego (olvidemos las cinemáticas), hay que mantener la atención del jugador en lo que tiene en frente, y saber cómo desviar su vista hacia lo que nos interesa. En dos dimensiones la cosa es algo más sencilla: o vas adelante o hacia atrás, hacia arriba o hacia abajo.

El avance continuo de las dos dimensiones, trufado de momentos de ensayo y error, viene así a sustituirse, aún más gracias a los logros y recompensas, por la exploración sistemática.

Respecto al manejo, parece que estamos tan acostumbrados a los mandos que no nos damos cuenta de lo increíblemente complejo que es nuestro actual modo de juego. Por norma, manejamos ocho botones, dos sticks y una cruceta. Sin contar otras incorporaciones a la jugabilidad como el sensor de tres ejes o los comandos por voz. Que nos pase inadvertido este maremágnum de botones es la mejor muestra de su valía y depuración.

Por último, tenemos la personalidad y la duración. El primero está íntimamente ligado a la época, y el segundo al desarrollo de los videojuegos. Si entre los ‘80 y los ‘90 hubo una explosión de colorido e idiotez, los noughties se caracterizan por un intento de imitar una realidad que cada vez nos parece más inabarcable.

Y aunque Sonic y Mario son ejemplos antológicos de diseño carismático, les salieron cientos de imitadores que coparon juegos mediocres del mismo modo que a Marcus Phoenix le siguen cientos de marines calvos. Sin olvidar el carisma del mundo de ‘Half-life‘ y sus allegados, los enemigos de ‘Silent Hill‘, el fotógrafo Frank West o Solid Snake (vale, viene de los 8 bits, pero la gloria la ha ganado por sus últimos juegos).

En cuanto a la duración, pensemos que muchos juegos de antes se pasaban en una tarde, y que eso de jugar una hora como nuestra estresada vida nos obliga se salda con rejugar una y otra vez las mismas pantallas, exceptuando los productos con contraseña de nivel. Los juegos actuales tienen una duración estándar de ocho horas, permiten grabar la partida para continuar donde te quedaste, varios niveles de dificultad (frente a la tiranía del juego clásico) y un modo multijugador que le despoja de su espíritu de experiencia multimedia y le convierte en un juguete de bits. Son, en definitiva, más accesibles, pero eso no les quita que puedan ser un reto para el jugador más avezado.

¿Son, en definitiva, peores los juegos de ahora respecto a los de antes? Ni mucho menos. Son diferentes. Son la evolución lógica, y se trata de una evolución mejor llevada que la del cine, por establecer un paralelismo. Así que, ¿ha sido 2009 un mal año? No, no lo ha sido.

Grupos de presión mediática y videojuegos

Obviemos, porque no viene a colación, las habituales críticas a los títulos de Infinity Ward por su desmedido patriotismo. Quizás porque, pese a que ‘Call of duty‘ tenga un componente ideológico a nivel panfletario, se trata de un videojuego tan emocionante que, durante el juego, somos americanos. Y nos da igual: dadnos una cubeta de pollo y un sombrero vaquero, que vienen los rusos.

La polémica ha venido por otros derroteros que, como desgraciadamente viene siendo habitual, nada tienen que ver con la industria del ocio digital. Las asociaciones de derechos humanos y los psicólogos (de la prensa no hablamos, porque su posicionamiento viene condicionado en exclusiva por los ingresos publicitarios) padecen la dificultad de separar la realidad y la ficción de forma más acusada que los jugadores: sólo así se explica la polémica causada por la difusión de un video en el que se mostraba la fase más controvertida de ‘Modern warfare 2’.

Esta fase, aclaremos cuanto antes, que ni siquiera estás obligado a hacer (se te pregunta al inicio del juego si quieres completarla o no), se trata de lo siguiente: en un aeropuerto ruso estás infiltrado en una organización terrorista que va a dar un gran golpe, y acompañas a los malos mientras se dispara indiscriminadamente a los civiles, que huyen y gritan. En el fondo, es una tontería, porque ni siquiera estás obligado a disparar, pero la filtración de este vídeo (hecha con toda probabilidad por alguien de Activision para generar ruido mediático), sitúa la fase fuera de su contexto y da munición a los polemistas profesionales.

Si esto pareciera poco, antes del lanzamiento se publicó un vídeo que fue acusado de homófobo por el uso, en un acrónimo, de un término despectivo para los homosexuales. Y todo esto no hace más que confirmarnos la misma idea.

La empresa que jugaba con cerrillas sobre un barril de dinamita

A veces parece que la juventud de las desarrolladoras juega en su contra: o no se dan cuenta del mundo en el que vivimos o son abiertamente descaradas. El hecho es que se está convirtiendo en algo habitual que una compañía tenga que retirar una campaña de marketing porque alguien, en alguna parte, se ofende.

Que se lo digan a Infinity Ward. EA sabe muy bien lo que es ofender a mucha gente a raíz de ‘Dante’s inferno‘: se burlaron de los grupos de protesta mediante una falsa manifestación, del modelo de juego en familia promulgado por Wii y los valores católicos y han escandalizado con su decisión de premiar a los jugadores que maten a un determinado número de bebés sin bautizar.

Inocencia o rebeldía, el caso es que se agradece que, mientras los medios tradicionales se pliegan cada vez más a la doble moral (donde una guerra es infinitamente menos escandalosa que un pezón por el hecho de que se ve menos), haya gente con ganas de hacerle saltar el monóculo a quien se lo merece.

En el pico de esta ola en la que la información no aparece en papel, y al día siguiente, sino en un tweet o en un enlace en Facebook, uno de los medios más importantes del mundo, The Washington Post, se ha visto obligado a elaborar una guía de conducta que entre muchas perlas dice:

“Los periodistas del Post deben abstenerse de escribir, tuitear o postear cualquier cosa -incluyendo fotografías o vídeo- que pueda ser percibido como un reflejo de políticas, prejuicios raciales, sexistas, religiosos o de otro tipo o favoritismos que podrían utilizarse para dañar nuestra credibilidad periodística”.

Además, el diario establece que sus periodistas no deben participar en redes sociales vinculadas a apoyar o tener un especial interés por los temas que cubren, a menos que se permita la supervisión de un editor.

The Washington Post no ha sido el único. La Folha de SaoPaulo, el periódico más grande de Brasil, fijó hace unas semanas una serie de normas de conducta para su personal. La National Public Radio –representante de las estaciones públicas de los Estados Unidos-, hizo lo propio, aunque sus precisiones parecen más razonables. Por ejemplo: pide a su plantilla que utilice las plataformas digitales “como una forma de conectar con la audiencia” pero sin hacer “nada que dañe a su credibilidad ni a la de NPR“.

Otros medios vienen siguiendo esa tendencia que para muchos podría ser autocensura, como advierte bien el ecuatoriano Christian Espinoza en un artículo para IJNet, Red de Periodistas Internacionales. En algunos casos, las corporaciones periodísticas han pedido a su personal que guarde reserva sobre las reglas en marcha. Ante este panorama, vale preguntarse qué pasará en los próximos meses, y que tan pertinente es llamar a los comunicadores al orden.

El debate apenas ha comenzado. ¿Estamos preparados para aceptar reglas que podrían parecer una intromisión a nuestra libertad? ¿Están los medios listos para que sus periodistas se muevan como peces en el agua en sitios como Twitter, Facebook, o MySpace? Responden periodistas de cuatro países.

Respeto, educación y ética.

El colombiano José Carlos García, subdirector de Tecnología del diario El Tiempo de Colombia, y activo twittero, informa que en su medio aún no se han fijado reglas.

La compañía que representa quiere “normalizar o encausar el uso de esta red bajo ciertos parámetros, pero todavía no se ha definido ello del todo”. El primer paso ha sido capacitar al personal en el uso correcto de la red de microblogging. Lo que se viene no es sencillo, reconoce García: “Es complicado tratar de normativizar algo tan nuevo, máxime cuando no hay teoría o proceso probado al respecto, más allá de abrir el espacio y comenzar a usarlo (y aprender al paso)”.

García puntualiza que la información es un elemento moral y comercial por el cual nos contratan en un medio de comunicación. En ese orden, “dicha materia prima o ‘producto’ debería estar al servicio de la compañía para la cual se trabaja. Allí veo lo más complicado del impacto de las redes sociales en el oficio del periodista”.

Y agrega:

“En algunos casos, el profesional compite con su propio medio al informar, a través de sus cuentas personales en Twitter o Facebook, situaciones o noticias que debieron ser producidas para su empresa de comunicación”.

Desde el punto de vista personal, García considera que se deben cumplir con parámetros de respeto, educación, ética y moderación en los canales de redes sociales que tenga el periodista. “Por más que sean espacios personales, siempre la persona oficiará como representante de un medio de comunicación y cualquier posición, palabra o información que entregue será relacionada a la marca para la cual trabaja”.

El sentido común

El argentino Iván Adaime, jefe de Medios digitales del Grupo de Revistas La Nación, cuenta que en su medio se está en una fase preliminar, incentivando el uso de las herramientas. “De momento, no hay controles directos ni reglas de participación”.

Adaime –a quien también encontramos en Twitter- reconoce que es un tema muy complejo, que tomará varios años en resolverse.

“Las herramientas de publicación personal abrieron varias cuestiones inéditas hasta hace unos años: antes lo personal quedaba en un círculo íntimo, hoy es potencialmente público. Se trata de una conversación ampliada y mediada tecnológicamente. Creo que dado este carácter, hay una autoimposición de reglas de los propios periodistas, pero también la red social tiene sus reglas y el medio las suyas, estén escritas o no. No sé si se deben fijar reglas o no, pero sería deseable que esté explicitado de antemano”.

“A partir del uso se irán estableciendo reglas, mientras tanto hay que usar el menos común de los sentidos: el sentido común”, indica. Y no le falta razón.

Cualquier regla es una equivocación

Cristina Fernández Pereda, periodista del desaparecido Soitu.es, tiene claro que poner límites es un error:

“La única condición debería ser la de comportarte en estas redes como lo harías en una entrevista o en cualquier momento en el que estés representando a tu medio de comunicación. Para eso la radio pública estadounidense es un buen ejemplo. El resto serán obstáculos impuestos por el medio para participar en las conversaciones con los lectores e incluso conseguir información válida (fuentes, expertos, noticias, recomendaciones…), tanto para los periodistas como para los lectores una vez que la noticia sea elaborada”.

¿Y si difuenden información inconveniente para el medio? Fernández Pereda sostiene que si el medio confía en sus periodistas -en que se comporten en las redes como en cualquier otro sitio público-, “no le preocupará que aparezca información inconveniente. Todo lo contrario”.

Ella -que está en Twitter- refiere que editores y responsables de sección “deben invitar a los periodistas a que experimenten con las redes y exploren ellos mismos todas las posibilidades que hay. Al fin y al cabo, si impones ciertos límites a los periodistas, estarán condenados a ir por detrás de los usuarios y no podrán sacar todo el provecho a las redes sociales donde precisamente está la audiencia que quieren alcanzar”.

Reglas claras

Christian Cambronero, periodista y autor del blog Fusil de Chispas, replica que “los medios de comunicación, como cualquier otra empresa, “pueden -y yo diría que deben- fijar ‘reglas’ sobre el uso que sus empleados pueden hacer de las redes sociales”.

Para el blogger y twittero costarricense, la existencia de lineamientos crea un marco de acción claro para ambas partes:

“Pero estas ‘reglas’ deben limitarse estrictamente al ámbito del ejercicio profesional del periodista que compete a su empleador, y nunca extenderse hasta el uso privado que los periodistas, como cualquier ciudadano, puedan hacer de estas herramientas”.

Las opiniones personales -afirma el periodista-que se publiquen en una red social, “si bien pueden afectar (no necesariamente de forma negativa) al medio para el que trabaja, no deben ser reguladas o reglamentadas, mucho menos censuradas o prohibidas”.

En su opinión, depende de los periodistas el abordaje y la orientación que le den a su participación en redes sociales. “Así, muchos profesionales hacen de su papel de ‘editor del diario X’, su razón de ser en la web; mientras que otros logran un uso esencialmente personal de las herramientas, lo que favorece a que se les ‘desvincule’ al menos parcialmente del medio para el que trabajan”.

Cambronero concluye que cuando un periodista “trabaja para un medio de comunicación, puede ser independiente de cualquier otro interés, menos del de su empleador. Esa relación generalmente se extiende incluso al espacio privado, como podrían ser en este caso las redes sociales en línea”.

Debate abierto

El criterio y el sentido común son fundamentales, y un recurso poderoso para seguir haciendo uso de las herramientas sociales en absoluta libertad. El tiempo (y las metidas de pata) dirán si los periodistas necesitamos o no un manual para twittear o usar Facebook, mientras tanto los que ya estamos en el carro 2.0 y trabajamos en medios haríamos bien en recordar que las redes no son espacios para demandas laborales, atajos para sacar provecho de nuestra posición, o sitios para exponer nuestros pliegos de reclamos a la empresa.

En estos comentarios se desvela en muchas ocasiones el truco detrás de una escena que siempre supiste que era especial. El ejemplo que tengo más reciente son los comentarios de Ridley Scott en ‘Los duelistas‘, su opera prima, donde el espectador escucha cómo el tremebundo final de la película está improvisado, o la inventiva surgida de la precariedad económica.

Es lo que un mago no estaría dispuesto a hacer: quitarle secretismo a eso del cine. Desvela que la película no surgió de la nada, y que detrás de las imágenes hay oficio por parte de quienes estuvieron implicados en ella. Por eso me resulta maravillosa la idea que tuvo Valve para sus productos: comentarios del director implementados dentro del videojuego como bocadillos flotantes que, una vez accionados, nos desvelan el trabajo que hay detrás de cada acción.

Un ejemplo a seguir

Para los que estamos interesados en el mundo de los videojuegos, no sólo como jugadores sino en todo el apasionante proceso creativo que hay detrás, esta medida viene como maná caído del cielo. Puede que las numerosas entrevistas nos cuenten generalidades sobre un videojuego (de un modo parecido a los “Así se hizo” del cine), pero estos comentarios van mucho más allá de la anécdota fácil.

En estos comentarios, cualquier aficionado descubrirá que detrás de un salto, un simple salto, puede haber un intenso trabajo intelectual para discernir la distancia, la recompensa y los riesgos antes, durante y después de dicho salto. Lógicamente, esta medida serviría de muy poco para un juego como ‘Hour of victory‘, una chapuza a tantos niveles que su disco es más útil como posavasos que como juego, pero estamos hablando de los creadores de ‘Half-life‘, y por derecho propio, una de las mejores desarrolladoras con las que cuenta el medio.

Desvelar cómo trabajan estos genios a golpe de interacción con los bocadillos es un proceso capaz de dejarnos con la boca abierta. Y es que la situación de estos comentarios está colocada de la forma idónea para que el jugador bregue entre ellos con total naturalidad, sin posiciones excesivamente complicadas o escondidas.

Los comentarios del Yermo

‘Fallout 3′ es un juego apasionante que merece muchos artículos por todo el trabajo que tiene detrás, pero hablaremos de una medida interesante tomada a la sombra de estos audiocomentarios que el equipo de Valve ha introducido en sus juegos: los “Comentarios del yermo“, una modificación para el juego de PC surgida del también interesante blog Binary Swan.

Con estos comentarios, la experiencia de juego dentro de ‘Fallout 3‘ pretende pasar de ser fascinante a deliciosamente personal. En estas mesas encontradas en el vasto desierto postnuclear del juego de Bethesda escucharemos anécdotas, comentarios, análisis e incluso humor.

Es una lástima que la medida de Valve sea un hecho puntual surgido de unos genios que pocas desarrolladoras pueden duplicar sin caer en el ridículo (de verdad, ¿a alguien le interesa saber por qué Insomniac colocó a un centenar de enemigos, otra vez, en otro pasillo cualquiera del muy regulero ‘Resistance 2‘?), mientras que la iniciativa del Binary Swan no es viable en la mayoría de los juegos del mercado.

Puede que el yermo no esté únicamente dentro del ‘Fallout 3‘, después de todo.

Volviendo la vista atrás, con bits

Si damos por válido eso de que en cuanto un género experimenta un auge y una posterior decadencia la cosa evoluciona hacia la parodia, entonces debería entenderse ‘Eat lead‘ como el estado último del shooter en tercera persona, un género que ha pasado de las dos dimensiones a las tres con envidiable fluidez.

Algo que ya se nos explica en la historia de este peculiar juego: Matt Hazard es un viejo héroe de acción (trasunto espiritual de Duke Nukem y modelado con cierto parecido al mostrenco de Jason Statham) cuya franquicia, por culpa de decisiones empresariales funestas, está a punto de irse a pique. Su última oportunidad resultará ser una trampa mortal donde se dará paso a otro nuevo héroe, un palurdo llamado Sting Sniperscope. Nuestro objetivo será sobrevivir a la encerrona con la ayuda de QA, una inteligencia artificial.

Es una pena que, a pesar de la constante parodia contra los clichés del género, ‘Eat lead‘ no sea un juego excelente. El bajo presupuesto de la producción y la limitada inventiva de la desarrolladora lastran el que podría haber sido un auténtico punto (y seguido, obviamente) dentro del género.

Los principales inconvenientes están en que la parodia se detiene en ‘Wolfestein 3D‘, obviando el pasado de 8-bits del protagonista, quizás por temor a introducir una fase bidimensional y alterar de alguna manera el ritmo y la estética homogénea del título, y el apartado gráfico, regular y simplemente cumplidor: para que hubiera sido una pequeña revolución, no bastaba con las ideas, sino con innovaciones gráficas a la altura de la propuesta.

Además, falta mala baba contra la actual generación, lo suficientemente risible como para merecer más de un capítulo a costa de brillos innecesarios, texturas sucias y épica de cartón piedra. Algunas pullas hay contra el jugador medio de ‘Counter strike‘, pero poco más.

Quemaduras de cigarro

Así es como se denominan esos topos negros que vemos en una película de celuloide proyectada en el cine y que indican el cambio de bobina. Ese efecto, junto a los rayones e imperfecciones de la imagen, son los que intenta imitar ‘Wet‘. Y el resultado es apasionante, al menos en lo estético y sólo si nos referimos a esos efectos.

Echando un vistazo rápido al juego vemos que se trata de un producto de acción en tercera persona, heredero del ‘Stranglehold‘ en cuanto a la corporeidad, tanto de la protagonista como de sus enemigos. Con esto me refiero a la envergadura de los modelos, que son algo más que simples palos que corretean por el escenario al estilo ‘Max Payne‘ o el mismo ‘Eat lead‘: son decididamente robustos y ocupan una parte considerable de la abigarrada pantalla.

También tiene un referente estético en el cromatismo limitado pero expresionista de ‘Madworld‘ en ciertas fases y un desaforado gusto por los temibles ‘Quick time events’, que dan lugar a secuencias de acción disparatada. El conjunto es bastante aceptable.

Volviendo a la estética, si  ‘Wet‘ es apasionante hasta cierto punto es por el pastiche que ofrece al jugador. Al igual que ‘House of the dead: Overkill‘ (cuya comparación he omitido al pertenecer a un género distinto que ‘Eat lead‘), el juego de A2M posee lo que podríamos llamar estética Grindhouse (por motivos obvios). Pero si en el cine el filtro de desgaste fue una seña visual de Robert Rodríguez que indicaba la adscripción a un tipo concreto de película y la evocación del estado físico de dichos films, en el ámbito de los videojuegos la osadía cobra nuevos significados: el videojuego está tratando de hacer suyo un pasado que no le pertenece, que ni siquiera es natural en él porque el celuloide (y su deterioro) es antagónico al píxel.

Conclusión

Por fin, llegamos a la conclusión: mientras ‘Eat lead‘ toma nota del pasado de los videojuegos para construir un juego en el presente, ‘Wet‘ crea un juego rabiosamente actual fijándose en un tiempo pasado que no es el suyo, pero que adopta. Y ninguno de los dos oculta su condición de pastiche.

Son dos formas de mirar atrás, pero ‘Wet‘ demuestra que el acercamiento entre ambos mundos es un hecho. Que el videojuego no sólo está dispuesto a aceptar su pasado, sino a inventárselo o a copiarlo el de otros medios.

La propuesta concede plenos poderes al presidente del país para responder ante “una amenaza inmediata a los intereses nacionales estratégicos que afecten al Gobierno Federal o a redes o a infraestructuras de información fundamentales para EEUU”, según recoge un extracto de la última versión del texto, que modifica el lenguaje pero no el contenido en esencia del borrador original que llegó al Senado hace medio año.

El documento, que aún está lejos de su posible aprobación, usa una terminología técnica y vaga para definir los límites de esta ley, el auténtico meollo de la cuestión.

Carta blanca

Es comprensible que cualquier país quiera protegerse ante amenazas y no cabe duda de que la Red es una herramienta con mucho potencial para lo bueno y también para lo malo, pero poner en manos de una sola persona la decisión de restringir el acceso o paralizar el funcionamiento de la web es otorgar demasiado poder a alguien.

Está muy fresca en la memoria la Administración Bush como para olvidarse de lo que un Gobierno puede llegar a hacer escudándose en la seguridad nacional, invocando a su dios, y metiendo miedo a los votantes. En manos maquiavélicas, la Cybersecurity Act supone una carta blanca para poner el mundo del revés.

“Debemos proteger nuestras inraestructuras fundamentales a cualquier precio -desde nuestra agua a nuestra electricidad, banca, señalización y los registros de sanidad virtuales- la lista continúa”, dijo Rockefeller. “Si fracasamos en actuar con rapidez, nosostros, lamentablemente, nos arriesgamos a un ciber-Katrina”, aseguró Snowe.

Repercusiones globales

La aplicación de la Cybersecurity Act en EEUU tendría repercusiones globales ya que, aunque el peso de la primera potencia mundial en la web ha caído drásticamente en los últimos años, aún el 25% por ciento del tráfico generado mundialmente pasa por algún servidor de ese territorio.

De hecho, la Cybersecurity Act tendría como consecuencia probable que cada vez más empresas alojasen los datos de sus clientes en otros países para garantizar la privacidad ante la posible mirada indiscreta de las autoridades estadounidenses.

Consultada por la web CNET, la vicedirectora de comunicaciones del comité de Comercio del Senado de EEUU, Jena Longo, manifestó que era mentira que esta ley fuese a servir para dar poder al “Gobierno para apagar o tomar el control de internet”. “Cualquier sugerencia en esa dirección es engañosa y falsa”, afirmó. Y continuó su argumentación:

“Este particular lenguaje legislativo está basado en unas antiguas normas legales para el uso de las redes de comunicaciones en tiempos de guerra. El propósito es clarificar cómo el presidente dirige la respuesta pública y privada ante una crisis, garantiza nuestra economía y salvaguarda nuestras redes financieras, protege a los estadounidenses, su privacidad y libertades civiles, y se coordina una respuesta del Gobierno”.

Por cierto, el departamento de Comercio de EEUU sería uno de los que ganaría en poderes para intervenir internet en caso de salir adelante este inquietante proyecto de ley.

Crea tu propio logro

Pero sus bondades no acaban ahí, y en manos de Microsoft o de Sony (vista su dejadez para con los trofeos, lo espero menos) está que el tema de los logros pase a un nuevo nivel aún más estimulante. Ngai Croal, articulista de la prestigiosa revista de videojuegos británica Edge, comenta en este interesante texto las capacidades que el sistema de logros puede traer gracias a ese tipo de juego fuera del uso habitual, como los speed runs (acabar el juego lo más rápido posible) o el modo de juego iron man (una vida, sin continuaciones). Y cómo mediante el uso de logros personalizables puede no sólo crear interesantes retos entre la comunidad de jugadores, sino permitir a los desarrolladores saber cómo se utilizan sus juegos.

Se trata de una idea fascinante, porque es muy habitual ver en los foros y en YouTube a gente que exprime el juego e invita a los demás a que prueben los mismos trucos. El problema lo encontramos, por desgracia, en esa práctica cada vez más habitual de explotar los defectos de programa. Los juegos de ahora, y gracias al recurso de última hora que supone descargar un parche, vienen cada vez con más bugs que los usuarios no tardan en detectar y manejar en su propio beneficio.

Puede que el sistema de logros personalizables ayude a pensar en retos interesantes, pero estoy seguro de que surgiría más de un logro que consistiera en utilizar un bug. ¿Cómo se podrían tomar los desarrolladores el saber que su juego, chapucero desde el punto de vista del testeo de errores, tiene más logros de explotar estos errores que de retos dentro del juego?

Una matización a un contenido polémico

Ahora consideremos los logros como una forma de quitar peso o revelar su condición de juego a usuarios aprensivos que se acercan al producto con la intención de criticarlo. Desgraciadamente, hay gente que todavía no comprende que al grueso de los jugadores les importan bien poco ciertos dilemas morales si no están planteados como tal dentro del juego: así, puede que en ‘Mass effect‘ nos duela terriblemente la decisión de apoyar un genocidio y, por ende, enfrentarnos a un compañero de equipo porque está planteado como un dilema con frases remarcadas en azul o rojo dependiendo del comportamiento que queramos tener, pero en ‘GTA IV’ matar a un peatón o disparar a la policía son actos que competen exclusivamente al jugador, y que el juego no incentiva fuera de las misiones.

Adonde quiero llegar es que los logros no suponen únicamente un colofón a nuestra pericia como jugadores, sino que expresan lo que el juego opina de nosotros. Normalmente, esta opinión te felicita por haber completado el juego o haber realizado ciertos desafíos pero, ¿no podría usarse también para criticar al jugador?

¿Has matado a doscientos civiles? No ganas ningún punto de logro, te llaman ‘Asesino’, y la descripción de tu logro reza ‘Eres un hijo de perra despiadado’. Puede que dentro del juego semejante calificativo te dé igual, pero el desarrollador puede lavarse las manos porque te está criticando por tu comportamiento sin penalizarte dentro del juego.

Entiendo que alguno puede pensar ¿pero no irían los cazadores de logros a por él? Bueno, no deberíamos preocuparnos por ellos, porque podemos afirmar con rotundidad que ellos sí saben que es sólo un juego.

Sin embargo, hace mucho que los PC reclaman un hueco en el salón, y aunque se promocionen menos que la Wii para ciertos menesteres, tienen mucho que ofrecer.

Conectar el ordenador al televisor es algo tremendamente sencillo: basta con comprar dos cables para la salida S-Video y la RCA o, mucho más sencillo, un cable HDMI (si tu ordenador dispone de este tipo de conexión). De forma casi inmediata, podrás convertir tu televisión en un gigantesco monitor desde el cual podrás visitar cualquier página y ver vídeos, series y películas a través de páginas como Youtube o Megavideo sin ningún problema. Y, lo que nos interesa más para el tema que tratamos, entrar en una nueva dimensión de videojuegos de ordenador.

Se acabó estar sentado

Cuando la industria aeronáutica estaba en pañales, un piloto francés ingenió un dispositivo de control basado en una palanca que se podía mover en torno a dos ejes: el joystick. Las primeras compañías de videojuegos no tardaron en adaptar el invento a sus máquinas recreativas, y con el tiempo el joystick y su evolución, el gamepad (o, más sencillamente mando de control), se convirtieron en periféricos fundamentales para cualquier jugador.

No obstante, estos dos dispositivos sabían a poco. Paulatinamente, fueron introduciéndose en el mercado otros sistemas, como las pistolas de infrarrojos y los volantes, que hacían mucho más sencillo el manejo de los juegos que el básico sistema de ratón y teclado. Y cuando todo parecía inventado, llegó la bomba: la pista de baile.

En 1998, Konami lanzó al mercado la recreativa Dance Dance Revolution (DDR), cuya principal novedad era un sistema de paneles que detectaba dónde colocaba los pies el jugador. El juego consistía en seguir con los pies, al ritmo de la música, las indicaciones del monitor: cuanto mejor se bailase, mejor sería la puntuación.

El éxito del DDR llevó a Konami a adaptar el videojuego a las plataformas domésticas, poniendo a la venta como periférico una alfombra plegable que hacía las veces de pista de baile. Poco después, los sistemas de reconocimiento de sonido permitieron crear juegos como el Singstar, que permitían jugar al clásico karaoke recibiendo una puntuación objetiva. Paralelamente, los programas de detección de movimiento dieron pie a juegos como el Eye toy, que permitían captar las acciones del jugador a través de una cámara y responder a estas a través de una sencilla interfaz. Así, la industria de los videojuegos presentaba una nueva imagen de las videoconsolas, mucho más activa, en contraposición al estereotípo clásico. Pero aunque fueron las videoconsolas las que abrieron el camino, los ordenadores no han tardado en colocarse al mismo nivel.

Bailar al ritmo del teclado

Tras el éxito del DDR, un grupo de programadores creó el Stepmania: un videojuego casi idéntico al original que tenía las virtudes de haber sido realizado como software libre y gratuito. De esta forma, se abría la posibilidad a que cualquier persona con nociones de programación pudiese añadir canciones a su repertorio, creando además la coreografía más adecuada para su ritmo. En la actualidad, circulan por la red más de un millar de canciones, muchas de ellas éxitos de radiofórmulas, y disfrutar del programa es tan sencillo como descargarlo, adquirir una alfombra de baile en la Red, conectarla al ordenador vía USB y comenzar a saltar. Todo ello sin necesidad de pagar más de 15 euros por cada alfombra, pudiendo jugar hasta dos personas con un mismo ordenador.

Pero el Stepmania no es el único ejemplo. El Eye Toy tiene como rival en el PC al Camgoo (este sí de pago), y el célebre Guitar Hero ha servido de inspiración para el Frets of fire: un juego casi idéntico que, al igual que el Stepmania, tiene como principal ventaja ser un software libre y gratuito. ¿La desventaja? Que aún no se comercializan guitarras para el ordenador, por lo que para emular a Jimi Hendrix, Keith Richards o Santana tendremos que recurrir a un viejo conocido: el teclado.

Basta curiosear una hora por la Red para descubrir todas las posibilidades que un ordenador puedo ofrecer a la hora de jugar a videojuegos. Y, calculadora en mano, la inversión puede ser muy rentable.

Si uno se fija en las noticias, parecen más importantes el número de páginas de su guión, el número de personajes, o quién les pondrá voz que su jugabilidad. Y claro, es normal preocuparse porque evidencia que la potenciación de las cinemáticas dentro de un juego no viene de un intento por enriquecer las historias, sino de justificar todo un medio.

Los eventos de respuesta rápida

Los Quick time events (de ahora en adelante, QTE) vinieron para quedarse primero con ‘Shenmue‘ y más tarde con ‘God of war‘, aunque el verdadero culpable de que se haya extendido su uso sea el segundo juego. Porque si ‘Shenmue‘ usaba los QTE como elemento determinado por las circunstancias y como una forma interactiva, pero rígida, de la historia y del devenir del personaje, fue ‘God of war‘ el que decidió aplicarlo por sistema a la hora de liquidar a los enemigos y en aras de potenciar no la historia, sino la espectacularidad.

El desarrollador, en este caso, claudicaba y reconocía que en vez de crear una secuencia específica de botones que el jugador debía pulsar por orden (como los combos de un juego de lucha) sin ninguna referencia visual sobre cómo hacerlo, era mejor y más asequible hacer que el jugador pulsara un par de botones y siempre según lo indicado en pantalla.

Y en esa forma superficial nos habíamos quedado principalmente. ‘Heavy rain‘ recupera en cierto modo ese espíritu de ‘Shenmue‘, pero llevándolo al paroxismo al requerir por parte del jugador la pulsación de todos los botones del mando en un momento determinado. Dejemos en el aire lo curioso de que, con la intención de mejorar la experiencia cinematográfica dentro de un juego, se acabe desarrollando un sistema por el que el producto termina jugando con el usuario.

Orígenes de los QTE

Resulta, en fin, tan curioso como los orígenes de los tan traídos QTE, que para Quantic Dream deben de ser la panacea del ocio interactivo: vienen del LaserDisc y de aquellos tiempos, coronados por el ‘Dragon’s lair‘, en el que la imposibilidad de crear gráficos como los de ahora llevó a algunos desarrolladores a crear películas interactivas, donde la libertad de acción estaba vetada y lo único que tenía que hacer el jugador era pulsar el botón correcto en el momento adecuado.

Los QTE, el nuevo gran truco de los desarrolladores para hacer los juegos espectaculares y asequibles, son una evolución de un sistema surgido a finales de los ‘70 y conocido por su proverbial rigidez. Y aunque Quantic Dream ha sabido implementarle cierto margen de error (recordemos los QTE de ‘Resident Evil 4‘, que acababan indefectiblemente con la muerte de nuestro avatar), no es algo que me termine de encajar porque, al final, sigue pareciendo que estamos jugando en soporte LaserDisc.

¿Complejo de inferioridad?

Volvamos a Quantic Dream. Tienen un videojuego que, anuncian, va a ser un auténtico hito. Pero se miden y les miden constantemente con el cine, como un niño pequeño que ansía ser más alto que su hermano mayor cuando éste tenía su misma edad.

Por lo que se ha visto de la jugabilidad de ‘Heavy Rain’, los QTE responden a la necesidad de hacer una película, no de ofrecer una experiencia jugable. Y desvelamos así que el principal referente para ‘Heavy rain‘ en cuanto a jugabilidad… también es el cine, hasta el punto de subordinar la interactividad a las cinemáticas. Porque, como comentábamos, el QTE es un sistema bastante rígido derivado de las películas interactivas.

Por fin, tenemos la desoladora conclusión final, donde ‘Heavy rain‘ no va a ser el culmen del ocio interactivo, ni una revolución de las aventuras gráficas, sino la expresión del más profundo complejo del mundo de los videojuegos: que nunca podrá ser como el cine, por mucho que se sacrifique y por mucho que se le parezca. Y es que, a veces, parece que las desarrolladoras tienen vergüenza de lo que están haciendo y creen elevar su categoría como creadores al fijarse constantemente en el cine, sin darse cuenta de cómo se perjudica al jugador y al medio. Los videojuegos no son películas, ni falta que hace.

La gratuidad es lo que más puede atraer a nuevos receptores. De este modo, Twitter es un factor de marketing para ganar audiencia, ya que permite que, sin pagar, hombres y mujeres den su opinión en directo e interactúen con su serie o programa favoritos. Esto generaría un sentimiento de pertenencia a la emisión para así mantener la audiencia.

¿Cómo utiliza Twitter la televisión? ¿Veremos un uso generalizado en el futuro?

Kakoe: la pura interactividad entre usuarios

En este contexto aparece Kakoe, una nueva herramienta que permite comentar programas en directo mientras los estamos viendo, como si estuviéramos en Twitter. Para ello, necesitamos tener un perfil en Facebook, aunque también se puede participar de forma anónima.

No sólo es interactividad con otros usuarios, sino también personalización, puesto que podemos elegir con quiénes queremos comentar la situación y obviar a aquellos cuyo contenido no nos interese. Kakoe cuenta con varios canales de mensajería, uno por cada cadena nacional, autonómica o local.

Las ventajas frente a Twitter, la herramienta que hasta ahora algunos utilizaban para comentar la televisión en el mundo 2.0, son que se elimina mucho ruido, ya que sólo hablamos con las personas que queremos de forma que ningún otro mensaje “nos invada”. Además, podemos conocer nueva gente a la que le interesen nuestros temas de conversación. Como dice Chica de la Tele, los ejecutivos de las cadenas podrían así averiguar qué es lo que funciona y lo que no de sus programas y realizar los cambios apropiados para mantener una parte de la audiencia.

Twitter en España: La experiencia de ‘ETB-3′ y ‘Nick dut Nik’

En España, la experiencia pionera con Twitter vino el pasado verano desde la televisión autonómica vasca ETB-3 y su programa sobre internet Nick dut Nik. Así, en este programa se emitieron en tiempo real los mensajes de sus seguidores permitiendo que se establecieran conversaciones entre ellos no sólo durante la emisión, sino después de ésta. Y cómo no, a coste cero.

La experiencia fue un éxito, según El blog de una tele: 160 usuarios llegaron a mandar 300 tuiteos bajo el hashtag #nickdutnik, y un 30% se pudieron visionar en el programa. La integración de Twitter de ‘Nick dut Nik‘ fue pionera no sólo en España, sino también en Europa, y muy pocas veces se ha llevado a cabo en el resto del mundo.

La televisión estadounidense y Twitter

Los americanos han empezado a jugar con el pájaro y la ballena en su pantalla pequeña. Las iniciativas se empezaron a conocer en mayo, cuando las productoras Reveille (que se encarga de la versión estadounidense de The office) y Brillstein Entertainment Partners (encargada de Los Soprano) firmaron un acuerdo para desarrollar un programa en el que los usuarios de Twitter darían noticia de las andanzas de los famosos. Así, se aprovecharía la inmediatez de la herramienta para ofrecer un producto fresco y continuamente renovado.

A ello se suma su utilización en series de ficción. La experiencia pionera en este caso fue entre los equipos técnico y artístico de ‘Fringe‘ y ‘Glee‘, que se comunicaron en el estreno de las respectivas temporadas. Esta iniciativa presenta un problema: En el futuro, si se sigue con la idea, ¿cómo podremos eliminar los comentarios si no nos interesa leerlos? ¿Invadirán mucho la pantalla o sólo una pequeña barra para poder contemplar el programa sin problemas?

Los televisivos en Twitter

Y para finalizar, como curiosidad, Slashfilm publicó una lista con actores, directores y guionistas que poseían una cuenta en Twitter, para dar cuenta de cómo los profesionales del audiovisual también se han rendido a esta herramienta. En lo que respecta a la televisión, podemos seguir las subidas de Diablo Cody (guionista de ‘United States of Tara‘), Christina Applegate (protagonista de ‘Samantha Who?‘), Nathan Fillion (’Mujeres desesperadas‘), Michelle Rodriguez (’Perdidos‘) o Frankie Muniz (’Malcom in the middle‘).

En España también tenemos fans de Twitter, como Andreu Buenafuente, Berto Romero o la productora El Terrat. Además, con la intención de acercarse a los usuarios internautas, muchas cadenas de televisión cuentan con su propio perfil en la red social. En este ámbito, TVE es la que se lleva la palma con una cuenta por cada uno de sus canales; además, programas como ‘Plutón BRBnero‘ y ‘59 segundos‘ tuitean sus novedades. La Sexta y Telecinco también informan de sus novedades en Twitter.

¿Tendrá éxito Twitter?

Visto lo visto, la gran pregunta que deberíamos hacernos es si Twitter tendrá éxito y se asentará en el nuevo paradigma televisivo. Se le ha visto como un excelente sustituto de los SMS opinativos con los que varios programas cuentan. Sin embargo, tiene el problema de que es muy difícil que los canales renuncien a una fuente de ingresos tan fácil.

Además, habrá que saber controlar el flujo de los tuiteos, que será inmenso gracias al coste cero de su envío. Con Twitter, ¿conseguiría la televisión atraer a aquellos espectadores que migraron a internet?  Quizá sea un buen momento para que se empiece a investigar.

Con la actual fiebre de adaptaciones en Hollywood, llegué a imaginarme una película de ‘Half-Life‘, un auténtico reto gracias a la simbiosis entre la historia y la jugabilidad. En mi imaginación, esta película se desarrollaba en primera persona y era una versión larga e hiperbólica de los últimos minutos de la película ‘Doom‘… pero ahora tengo la certeza de que sería un fracaso porque se hizo algo parecido hace sesenta y dos años. Y de paso, encontré una interesante reflexión.

Una nueva (y fallida) perspectiva

Para los espectadores de la época, ‘La dama del lago‘ (Robert Montgomery, 1947) supuso un fracaso a nivel artístico. Montgomery no es que fuera un excelente actor, pero su intención de trasladar una novela de serie negra al cine dio a luz a una película rara y bastante agotadora en su planteamiento. Y eso fue así porque Montgomery pensó que, si quería trasladar de la forma más fidedigna posible una novela negra del género hard-boiled (caracterizado por la narración en primera persona), debía hacerlo constantemente desde los ojos del detective, con ocasionales planos del protagonista hablando a cámara. Añado a modo de anécdota que semejante veleidad, es obvio, la tendría que protagonizar él.

Una excentricidad de ese tipo, y más en los años ‘40 (la Edad de Oro del cine clásico norteamericano), terminó con la película convertida en una rareza, más que en objeto de veneración. El motivo es que si la intención del cine clásico era contar una historia de la forma más cristalina posible, el método empleado por Montgomery distraía la atención del público y provocaba un abotargamiento general a medida que pasan los minutos.

Para el espectador de la época, la cosa debió oscilar entre la sorpresa (hay un puñetazo bien dado que remite directamente al cine 3D tan de moda hoy día, fijaos cuánto hemos avanzado) y el bostezo, pero para un espectador posmoderno la película es un videojuego sin interfaz. Y a este punto había que llegar.

Sin interfaz, no hay trato

Esta semana toca otra perogrullada por mi parte, del tipo que deberíamos reclamar a los desarrolladores pero que nos callamos en cuanto nos sale el arma en el lado derecho de la pantalla: un videojuego no es una película. Es un videojuego y, como tal, depende de la jugabilidad, no de la historia (aunque algo ayuda a tragar el juego, no hay duda).

Volvamos a ‘La dama del lago‘. Un crítico contra los videojuegos, de esos que en realidad no tienen ni idea, podría venir y decirnos que nos tragamos prácticamente lo mismo durante ocho horas. Pero no. Si en ‘La dama del lago‘ hubiera un bonito interfaz y la posibilidad de ser nosotros mismos los que manejáramos al detective, aplaudiríamos con las orejas – o no, depende de si nos gusta Raymond Chandler-.

Hace sesenta y dos años, Robert Montgomery se adelantó a su tiempo de forma involuntaria para advertirnos de que la traslación literal de un videojuego a la pantalla es un ejercicio fútil y molesto. ¿Por qué, entonces, las desarrolladoras se empeñan en hacer el camino inverso y convertir los videojuegos en películas, si la sensación conseguida es la misma? Y sí, Kojima, esto va por ti.

Y por supuesto, los fans han saltado a la palestra. ¿Cómo va a tener multijugador? ¡Y la experiencia de juego, qué!

Definición de multijugador

Puede que parezca pretencioso querer definir, desde la jugabilidad, al modo multijugador, pero es necesario para entender, en parte, el auge del multijugador hoy día.

El modo multijugador es jugabilidad pura y dura, el videojuego ya no como medio narrativo (salvo, por supuesto, el modo cooperativo), sino como juguete tecnológico. Hay objetivos que cumplir, y se puede jugar solo o en grupos, pero no hay nada que excuse al juego más allá de la manejabilidad y el diseño del entorno. A veces, perdonamos ciertos errores de manejo por la historia que nos cuentan o la forma en que nuestro personaje se desenvuelve en ella, como ‘Resident evil 4‘, pero si el juego de Capcom hubiera tenido un modo multijugador, difícilmente hubiéramos pasado por alto la rigidez de nuestro avatar.

Aplicando el modo multijugador

No es sencillo crear un modo multijugador. Puede parecerlo, por aquello de que hasta los títulos mediocres tienen un juego en línea por defecto, pero es donde una desarrolladora de juegos se las tiene que ver con su propia criatura. E implantarlo supone un necesario refinamiento de la velocidad del personaje, el tiempo de reacción de las armas, o los escenarios y los puntos de reaparición para evitar masacres palilleras demasiado fáciles.

Con esto quiero dejar claras dos cosas. Uno, que la programación de un modo multijugador, salvo que haya prisas de por medio, sólo puede beneficiar al jugador en tanto que la jugabilidad estará más depurada. Y dos, que la creación de este modo requiere un tiempo extra en el desarrollo si se quieren hacer las cosas bien.

Y entonces, ¿qué es lo que falla?

Ser uno de los más jugados en línea tiene algo de esfuerzo y algo de suerte. Requiere que tu título, técnicamente impecable, tenga buenas ventas y una base de fans bien asentada, pero no es lo único necesario. Porque en ocasiones, el modo historia satisface ampliamente al jugador o le quita las ganas de seguir en otros modos de juego.

Le puede llenar hasta el punto de que no quiera volver a probar el juego salvo para pasarse el modo historia otra vez. Uno de los ejemplos más notorios lo tenemos en ‘The darkness‘, uno de los mejores FPS de esta generación: una vez terminado, no quise probar el modo multijugador. El modo historia había conseguido ocuparme bastante tiempo y, en general, me había gustado tanto que, en vez de prolongar la experiencia jugando en línea, decidí guardarlo en una estantería como el que acaba de ver una película. En el lado contrario, y aunque resulte curioso, ‘Frontlines‘ (diseñado para el multijugador, aunque no es excusa) hizo que cuando terminara su modo historia no quisiera volver a verlo ni en pintura.

¿Se llevará 2K el gato al agua?

Volviendo al tema de ‘Bioshock 2‘, ¿era necesario un modo multijugador? Sí y no. Sí, porque su incorporación requerirá que los chicos de 2K pulan la jugabilidad. No, porque supone un tiempo extra de desarrollo que, la mitad de las veces, roba recursos o altera (con un diseño de niveles más lineal, y así aprovechar los mapas) el modo para un solo jugador.

Hay gente que prefiere quejarse de que fastidia la experiencia de juego, pero eso no es más que una tontería que los chicos de 2K se sacaron de la manga para no incluir un multijugador en su primera parte. La sensación de soledad en ‘Bioshock‘ hubiera permanecido igual, se hubiera jugado después en línea o no, porque el modo historia seguiría inalterado, y el hecho de que hubiera una pestaña de Multijugador en el menú principal no cambiaría nada.

El principal escollo que tienen en 2K es que ‘Bioshock‘ era una experiencia cerrada y única y, como ya he dicho antes, esto provoca que el jugador se sienta lo suficientemente satisfecho como para no seguir jugando. El movimiento de introducir un multijugador es lógico comercialmente hablando, pero su rentabilidad está por ver. Su plan podría terminar haciendo aguas.

Todo esto trae consigo una lucha a la que los medios dan en llamar ‘guerras’: tenemos la sempiterna ‘guerra del fútbol’, que parece seguir dando coletazos pese a la nueva ley en las formas de pago de la TDT, hace unas semanas entraban en un enconado cara a cara Iberia y la red de alta velocidad española de ferrocarriles (AVE)… y ahora el campo de batalla está dispuesto para la oferta de los sevicios de ADSL y banda ancha en España.

Telefónica y Vodafone, como principales empresas, se han enzardado en una lucha para ofrecer mejores y más baratos servicios a sus clientes, pero fuera de esta lucha tampoco quieren quedarse empresas que son consideradas como menores.

Oferta y contraoferta

Telefónica es un ex monopolio, algo que parece que le está costando asumir. De hecho, continuamente lanza ofertas de todo tipo cuando sus competidores lanzan nuevos productos a la calle.

Así, a principios de este mes Vodafone lanzaba el que pretende sea su producto estrella, Vodafone ADSL, que se comercializa sin cuota de alquiler de línea ni alta e incluye 1.000 minutos al mes de llamadas a números fijos desde casa y tiene un precio de entre 29,9 y 39,9 euros. La clave de la oferta está en que prescinden del alquiler de línea, algo por lo que Telefónica cobra más de 10 euros mensuales, algo que a los usuarios de Telefónica no les convence. Ante esto Telefónica no ha tardado en responder y apenas unas semanas después ha rebajado el precio del ADSL de 10 megas para restar atractivo a la oferta de Vodafone.

Pero la cuestión no ha quedado ahí y tan solo un par de días después ha presentado ante la CMT (Comisión del Mercado de Telecomunicaciones) una propuesta para dar ADSL sin línea fija ni cuota de abono. Al parecer la lucha se libra ahora en el pago de la línea por parte del cliente: tras años de cobrarla, las dos compañías han suprimido ese pago y ofrecen internet sin alta.

La guerra continua

Entre tanto, las pequeñas compañías que operan en España no quieren quedarse atrás. Por ello Yoigo, el cuarto operador español de telecomunicaciones móviles, controlado por el grupo sueco TeliaSonera, ha iniciado contactos con los operadores de cable del norte de España (R, de Galicia, Telecable, de Asturias. y Euskaltel, del País Vasco) para cerrar una alianza que les permita atacar conjuntamente el mercado de telecomunicaciones móviles. Y es el servicio de internet movil es una lucha que se está deciciendo ya.

Por si fuera poco en esta aparentemente descontrolada guerra -aparente porque de momento la CMT sigue controlando la situación- hay que añadir la entrada en juego del Gobierno y una regulación en torno al servicio de banda ancha. El Gobierno ha decidido incluir la banda ancha dentro del concepto del Servicio Universal, es decir, el servicio al que todos los ciudadanos tienen derecho y que debe ser suministrado a precios asequibles. Esto ha provocado que los “rivales” de Telefónica pongan el grito en el cielo puesto que este servicio ya está asignado a la compañía dirigida por César Alierta, teniendo ellos que contribuir en los gastos de obra.

Son muchos los frentes abiertos que tiene esta guerra, pero desde algunos lugares llegan críticas a la solvencia del ADSL en España, y es que pese a la competencia abierta entre diversas compañías parece que después de 10 años de ADSL en España su nivel de desarrollo deja mucho que desear.

Uno lee el titular y, puestos a forzar el intelecto, imagina al argentino Juan Ignacio Chela recostado frente a la pantalla de su cuenta en Twitter mientras desvela unas falsas molestias físicas  que, supuestamente, ha percibido en el entrenamiento del uruguayo Pablo Cuevas, el que iba a ser el próximo rival en pista del australiano Chris Guccione.

La jugada sigue así. El rumor desvelado en internet sobre una posible lesión de Cuevas decanta las apuestas hacia Guccione, que finalmente pierde el partido beneficiando a todos aquellos que habían “arriesgado” al apostar por el uruguayo, supuestamente lesionado.Un fraude que deja un buen puñado de dólares en los bolsillos de algunos. Esta hipotética versión, y otras similares, son las que teme la organización del US Open.

Oscuridad en el torneo

La solución para ellos consiste en apagar las luces sobre todo aquello que pueda salir publicado por parte de los propios deportistas que viven desde dentro en torneo. El movimiento tiene un efecto considerable debido a la gran cantidad de tenistas que cuentan con un blog personal o un perfil en alguna de las redes sociales.  De hecho,  algunos como el estadounidense Andy Rodick se han apresurado a criticar esta imposición desde su espacio en Twitter, una de las plataformas vetadas en el US Open.

Resulta curioso las corrientes tan enfrentadas que llegan a converger cuando debatimos sobre la actualidad de las redes sociales. Levantamos la cabeza y, por una parte, vemos un inmenso horizonte de avances frente a nosotros.

Pensemos por ejemplo en las bondades de una democracia donde todos los ciudadanos pudieran interpelar directamente a los diputados a través del correo electrónico o de su cuenta en Facebook. Frente a las indudables ventajas se exhiben también las amenazas sobre la privacidad de los mortales, y las advertencias sobre el perpetuo ojo vigilante que ahora vive en internet.

Enganchados a las redes

En el deporte ocurre lo mismo. Las redes sociales acercan los deportistas a sus fans. Alimentan su ego. Hace unos meses, el ciclista Lance Armstrong anunció a través de Twitter el nacimiento de su cuarto hijo. El tejano también se saltó la jerarquía de los medios de comunicación cuando contestó a través de su espacio en internet a las palabras Alberto Contador tras la victoria del español en el Tour de Francia.

Otros, en cambio, pagaron cara su desnudez sentimental en un espacio para nada privado. El RCD Espanyol sancionó a su jugadora Noemí Rubio por colgar en su muro de Facebook una fotografía donde posaba con los colores del FC Barcelona, el eterno rival. Meses después, el Palmeiras despidió a su técnico, Wanderlei Luxemburgo, por criticar en Twitter el comportamiento del jugador Keirrison.

Ninguno de los dos extremos refleja, seguramente, la realidad de lo que sucede en las redes sociales, aunque sí nos recuerda la cautela con la que deberían guiarse todos los que poseen un nombre que se eleva sobre el anonimato.

Mírame y no soples

En conjunto, ‘Killzone 2‘ presenta una serie de fallos evidentes más o menos salvables y un espíritu desganado que, una vez se profundiza en él, hermana al producto de Guerrilla con un castillo de naipes digital, donde la más mínima brisa de inteligencia da al traste con toda la estructura.

Así, según se introduce el disco en la PlayStation 3, asistimos a un festival pirotécnico de primer nivel, sustentado en un video de presentación que va de lo sublime (con el discurso de Visari) a lo rutinario y que pronto nos coloca en la piel del soldado estándar de shooter.

La primera novedad de ‘Killzone 2‘ consiste en darnos el papel de un hobbit pegado a una pistola… y es que no pasan ni dos minutos para revelarnos el apabullante desastre que tenemos entre manos: los programadores ni siquiera han sabido calibrar la mira y, aunque en las cinemáticas somos tan altos como nuestros compañeros, en primera persona sólo les llegamos a la altura del pecho.

Diez minutos después de empezar, nos montamos en una bañera voladora y damos con uno de los grandes puntos flacos del juego, que es su flojo diseño artístico. Los entornos son pobres y prácticamente intercambiables entre sí, y los pocos diseños que se apartan del shooter bélico por defecto son ridículos, como la citada bañera que ni es aerodinámica ni segura para sus ocupantes. Los únicos destellos de lucidez se hallan en el trasunto de los nazis que son los Hellghast, pero que por desgracia no se pueden apreciar hasta la última cinemática del juego: mientras tanto, sólo hay algún cartel, alguna insignia, diseminados por un mapa gris y desolado.

La excusa es que es un planeta decadente donde los Hellghast tratan de mantener la civilización en un entorno hostil, pero eso no es suficiente para un juego que cuenta con el presupuesto de una superproducción de Hollywood. La podredumbre de los escenarios vacíos no es consecuencia del clima y la guerra, sino de la falta de trabajo.

La victoria de la forma sobre el contenido

Cabe plantearse a estas alturas para qué tratar de contar una historia si esto no se sabe hacer bien. Soy el primero que agradece en numerosas ocasiones que, puestos a tener gráficos hiperrealistas, se aproveche el esfuerzo para crear algo parecido a una película, pero lo que deberían poner sobre la mesa muchas desarrolladoras es la contratación de guionistas con un mínimo de profesionalidad, de tal modo que la historia tenga un desarrollo claro. En ‘Killzone 2‘ nos encontramos con torpes excusas basadas en la tecnología de los malos, para luego saltar a un ataque frontal sobre el palacio de Visari (el Führer del planeta Hellghan, vamos) y de ahí a un final torpón y supuestamente melodramático, con la música subiendo de volumen y el protagonista con cara tristona.

Con este apunte pasamos a la música, tan alabada en muchos medios. Estoy de acuerdo en su calidad y su cercanía al estilo de una superproducción, pero carece de entidad. Esto, que podría sonar a tontería, es más importante de lo que parece. Si algo nos han enseñado las excelentes partituras de juegos como ‘Halo‘, ‘Gears of war‘ o ‘Alone in the dark‘, es que más allá de una correcta orquestación hace falta algo que contar. Estos tres ejemplos cuentan con melodías reconocibles, que se convierten en marcas de la casa y que cualquier jugador con experiencia puede tararear, pero la partitura de ‘Killzone 2‘ es es meramente funcional, y del mismo modo que adorna la acción desaparece de la cabeza al poco tiempo.

Termino el particular repaso con la manejabilidad, basada en las apariencias. En ese sentido, ‘Killzone 2‘ depende demasiado de los scripts, algo que ya os comentamos en otro artículo y que puede sacar de quicio a cualquiera. Y es que a nadie le gusta estar veinte minutos atascado en un tiroteo porque el número de enemigos es infinito hasta que tienes el arrojo de avanzar un poco. La inteligencia artificial no deslumbra porque apenas hay eventos que no estén sujetos al azar.

Conclusiones

Todo en ‘Killzone 2‘ nos quiere demostrar que es un título de triple A, pero tiene demasiados errores de concepto y diseño para ejercer como tal. Está demostrado que desde Guerrilla no se ha querido entregar un buen juego en todos los apartados, sino algo que quede bonito en videos, gifs e imágenes para que circulen por los foros.

Lo más doloroso de todo el asunto es que cualquier atisbo de inventiva hallado en el primer ‘Killzone‘ ha desaparecido en esta segunda entrega. Me refiero a la selección de personaje, que permitía presenciar la historia desde varios puntos y plantear los escenarios desde diversas perspectivas. Para algo original que tuvieron de base…

Queda una pregunta por hacerse: ¿hasta cuándo va a seguir Sony abrigando bajo su manto a un estudio chapucero que ni con un gran presupuesto y todo el tiempo que ha querido puede entregar un shooter superior a la media?

El antes…

En generaciones pasadas Epic también consiguió licenciar a muchas compañías sus motores gráficos, los cuales competían con los de Id Software (creadores de la saga ‘Doom‘) en cuanto a calidad, pero los resultados eran heterogéneos.

Así, el primer ‘Unreal‘ no podía entreverse en los niveles de ‘Clive Barker’s undying‘, del mismo modo que la segunda generación del Unreal Engine estuvo presente tanto en ‘Unreal championship‘ como en ‘Spider-Man 2‘ sin que se vean semejanzas entre ambos.

El Unreal Engine 3 o la Fuente de los Problemas

Sin embargo, con la tercera generación ocurre un efecto paradójico: las desarrolladoras han tenido mucho más complicado manejarse con el Unreal Engine 3 que con versiones anteriores, pero el motor se ha licenciado a un número récord de compañías. En el siguiente enlace podéis comprobar una lista de la inmensa cantidad de juegos que usan el nuevo motor gráfico de Epic.

Las causas de su éxito se encuentran en el videojuego de la propia Epic ‘Gears of war‘. Por algún motivo, hasta las compañías más humildes piensan que van a sacar el mismo rendimiento al motor gráfico, y productos tan penosos como ‘Hour of victory‘ ven la luz del día. O como le pasó a los creadores del ‘Too human‘, que tuvieron tantos problemas que acabaron demandando a Epic por poco más que negación de auxilio. Todavía hoy, si un juego tarda en cargar las texturas demasiado tiempo, lo que provoca ese feo efecto de que nada tiene relieve, hace exclamar al jugador acostumbrado “¡Maldito Unreal Engine!”.

Luego tenemos el problema de los clones, que podríamos achacar a las locas y exigentes fechas que las distribuidoras ponen a sus estudios (”Necesitamos un shooter en diez meses, y usaréis el Unreal Engine 3, que está de moda” – dicen los jefes. “Si queremos llegar a tiempo, tendremos que poner muchos búnkers” – contestan los programadores), o una crisis creativa realmente gorda del sector, como explica John Tones en su artículo para la revista Marca Player de agosto (titulado con gran acierto como ‘¿Por qué hay tantos juegos sobre marines calvos?‘). Puede que sean ambas cosas: sea como fuere, el parecido entre ‘Turok‘, ‘Blacksite‘, los niveles menos inspirados de ‘Gears of ear‘… es palpable y hasta vergonzante. Y si no lo creéis, haced la prueba: ¿sabríais decir a qué juego pertenece la imagen que ilustra este artículo?

Dejaba en el tintero un caso peculiar: el reciente ‘Batman: Arkham asylum’ usa este famoso motor gráfico, pero se parece, no a los clones, sino a ‘Bioshock‘. Si tenemos en cuenta que éste fue de los pocos que consiguió apartarse de la habitual dejadez en cuando a diseño artístico de sus compañeros de motor gráfico, esto no hace más que subrayar la citada crisis creativa. Porque, para colmo, estamos hablando de un personaje cuya identidad gráfica está bastante delimitada y asimilada por la mayoría de la gente, y que sin embargo se ve constreñido por las cualidades de un motor gráfico. “El hábito hace al monje”, que se viene a decir en estos casos se amplía: “aunque a veces sea el de otro monasterio”.

Cuando el soporte eran los cassettes, la carga de un videojuego podía durar hasta cinco minutos, por lo que los programadores solían utilizar estilizados dibujos que dejaban al jugador de entonces con la boca abierta. Puede que poco tuviera que ver con el juego en sí, y que su aparición retrasara aún más la carga, pero bastaba para satisfacer a un usuario acostumbrado. Y eso, si cargaba y no se producía algún error que te obligaba a empezar de cero.

Por supuesto, con mejores gráficos, hubo mayores problemas, pero un dibujo estático dejó de ser satisfactorio en cuanto pudimos distinguir miles de colores en pantalla. Había que ser inventivos, y surgieron numerosos métodos para mostrar la carga (o esconderla) al jugador.

Cinco minutos a solas con un dibujo

Hay excepciones, pero la tónica habitual incluye una barra de carga que los jugadores miramos con ansia o, en su defecto, algún tipo de animación progresiva que nos indique el tiempo de espera, como la construcción de un anillo planetario infográfico en ‘Halo 3‘. Por otra parte, los juegos de PC suelen regalar a los usuarios esperas en las que la máquina parece un anciano repasando la lista de la compra “Cargamos los shaders… hecho. Ahora cargamos el mapa, la inteligencia artificial y…“.

Las esperas más frustrantes se producen con nuevas pantallas estáticas que ya ni se permiten el lujo de ser espectaculares. Las peores, como en el primer ‘Half-Life‘, remiten a los viejos tiempo de las cassettes, mientras que en la actualidad se conforman con regalarte esos comentarios que mencionamos al principio del artículo.

Una evolución de estas pantallas, no demasiado brillante, la tenemos en el flamante ‘Killzone 2′: con el Sixaxis podremos mover un poco la imagen, como si fuera una de esas pegatinas holográficas que todos de pequeños hemos admirado alguna vez. Lo malo no está en los consabidos consejos en la parte inferior, sino en el tiempo de espera: cuando la carga se prolonga demasiado, esta pantalla es sustituida por otra que explica algunos detalles de la historia, como la biografía de un personaje o las anécdotas de una localización. Por desgracia, el juego ni siquiera deja que aparezca el texto completo, por lo que tenemos una pantalla inútil y que encima te deja con la miel en la boca.

Hacer el trabajo a escondidas

Otros programas deciden ‘entretenerte’ para que no te des cuenta del trabajo que hay detrás. Es el caso de los tristemente famosos ascensores, y un ejemplo reciente lo tenemos en ‘Mass effect‘: la humanidad ha evolucionado hasta el punto de explorar las estrellas, pero es incapaz de fabricar un ascensor que tarde menos que el de tu casa.

Un caso curioso es el de ‘Resident evil‘: que yo sepa, fue el primero en utilizar una pantalla de carga que no sólo estuviese integrada con el juego, sino que fue capaz de añadir tensión a la jugabilidad: se trata de las famosas puertas. Se abrían poco a poco, dejándote siempre con la intriga sobre lo que habría dentro de la habitación. Sin embargo, una vez limpiadas la mayoría de las salas, causaban tedio en el jugador que tuviera que atravesar medio mapa para coger un objeto y ver docenas de esas pantallas.

Afortunadamente, se ha conseguido que algunos juegos realicen una única carga. Luego se administra el flujo de datos de tal forma que nunca se tenga que interrumpir la partida: el jugador puede experimentar pequeñas ralentizaciones, pero nunca se quedará esperando. Es propio de videojuegos con un mundo abierto, como la saga ‘GTA‘.

Nuevas propuestas

Todo esto plantea interesantes cuestiones e hipótesis, tomando como punto de partida que las cargas son inevitables. Por ejemplo, ¿por qué poner consejos sencillos y bombardearte con ellos durante todo el juego? ¿No sería mejor dar progresivamente consejos avanzados para motivar que el jugador explote la jugabilidad al máximo?

Ubisoft trató de imprimir mayor dinamismo a títulos como ‘Assassin’s creed‘, y permitió que el jugador manejara a su avatar tanto en las cinemáticas como en la carga de la partida. Y aunque no se trata de una mala idea, hacer acrobacias en mitad de la niebla no es que sea precisamente estimulante.

Es una pena que Namco tenga la patente en Estados Unidos de introducir minijuegos en los tiempos de carga, pero esto nos lleva a otras cuestiones como ¿es importante de verdad que el minijuego tenga que ver con el producto principal o se trata de un simple divertimento para matar la espera? ¿Hasta qué punto arruinaríamos en el primer caso la inmersión?

Sea como fuere, yo lo tengo claro: cuando me toca esperar, siempre tengo algo de lectura a mano. A mí nunca me han dicho veinte veces lo que tengo que hacer.

• No tenga sangre, casquillos de bala y muertes.
• No venga de un ordenador.
• Sea sencillo de manejar desde el primer momento.
• Cualquiera de las opciones anteriores combinadas.

Sin embargo, unos alegres conejillos les pondrán en su sitio. Luego volveremos a eso.

La denominación de ‘casual‘

El origen viene del tipo de jugador que maneja videojuegos sencillos de dominar: el usuario ocasional que nunca había probado una consola o no se muestra excesivamente apegado a ella. Como se trata de su primera vez o no posee mucha experiencia, el juego procura no asaltarle con docenas de comandos de control y le permite sentirse como el amo en apenas cinco minutos.

Esto, para un jugador hardcore (experimentado y especialmente crítico), es una lacra. Empiezan a sentir miedo, pero no saben de qué, mientras siguen absortos en conversaciones sobre polígonos, IA y efectos de post procesado. Luego cogen el mando de la PS3 o de la Xbox 360, o el teclado y el ratón, y durante una hora pulsan todos y cada uno de los botones a su disposición (doce, nada menos, si contamos la pulsación de los sticks analógicos en los mandos), y se preguntan por qué tienen que venir esos novatos a fastidiarles la diversión.

¿Fastidiarles la diversión? ¿En qué les afecta? Ése es su miedo invisible: las compañías, en su intento por atraer a estos jugadores casuales, bajan la dificultad de sus juegos o, peor aún, fabrican productos tan idiotas que dan vergüenza ajena. Y sin embargo, no comprenden que los tiros no van por ahí, y los miles de videojuegos casual llenan las estanterías sin atraer lo más mínimo a nadie.

El batacazo de Gamecube y el auge de la Wii

Con la Gamecube, Nintendo intentó atraer a un tipo de público que había crecido con la PlayStation y que miraba a su compañía por encima del hombro, pero se dio cuenta de que pintaba muy poco en aquel mercado. La causa estaba en que no podían conectar con ese tipo de público que, quizás, nunca volvería a su lado.

Así que se pusieron a pensar, ¿cómo nos mantenemos en el mercado sin darnos otro batacazo? La respuesta no se hizo esperar: “vamos a atraer a gente que no utilice las videoconsolas”, algo lógico si se tiene en cuenta que, en el mundo de los videojuegos, los nichos de consumidores suelen ser muy estrictos. La estrategia funcionó y se corrió la voz.

Pero mientras Nintendo ponía a trabajar a sus mejores empleados para crear ‘Wii Sports‘ o ‘Super Mario Galaxy‘, mientras creaban una experiencia escalada desde la sencillez extrema a cotas más refinadas de jugabilidad, las llamadas third parties intentaron seguirles el juego con equipos de desarrollo mediocres o, en el mejor de los casos, desganados, basándose en experiencias toscas, artificiales y facilonas. Y los usuarios, que no son tontos, se dieron cuenta enseguida de quién trata de darles lo mejor y quién trata simplemente de aprovecharse de ellos.

Por arte y porrazo, las third parties habían conseguido cabrear tanto a su público objetivo, los mal llamados casuals, como a sus habituales seguidores, los hardcore. Y claro, la culpa fue de Nintendo.

El quid está en…

La clave: la pasión en el desarrollo, que invitará a los jugadores a sentir pasión por su producto. Y da igual si este producto es un nuevo ‘Call of Duty’ o un ‘Wii Music’: el truco consiste en hacer que el jugador se sienta cómodo desde el principio. Por eso existen los tutoriales, aunque en ocasiones se excedan y traten de idiota al usuario. Pero bueno, preguntaréis algunos todavía, ¿hay una barrera entre los jugadores casuales y los hardcore? La respuesta es que no. Y retomamos ahora los conejitos mencionados al principio, protagonistas de la franquicia más exitosa de Ubisoft en Wii, los ‘Raving Rabbids‘.

El otro día me dispuse a probar su última entrega, ‘TV Party‘, e hice una puntuación asombrosa en un minijuego que consiste en caer desde lo alto de un edificio en obras. Henchido de orgullo, me propuse registrar mi marcador a través de la Red, cuando descubrí anonadado que había cerca de un centenar de personas que me dejaban en pañales. Y esto no es sólo una vergonzosa prueba de que siempre habrá alguien mejor que tú en alguna parte del mundo, sino también la demostración de que con la pasión suficiente, un jugador puede dedicarle muchas horas a cualquier juego para demostrar su valía.

El jugador hardcore es en realidad un amante del videojuego. Y reconozcamos de una vez que, tanto los usuarios de ‘Wii Sports‘ como los de ‘Call of Duty‘ son amantes de los videojuegos, aunque sólo sea uno. No tiene por qué haber balas, o sangre, o un nivel de dificultad que te haga sangrar por las orejas. No es tan importante el envoltorio como la experiencia en sí, algo que llevo defendiendo desde que me propuse rescatar juegos denostados por la crítica. Y por ello, es tan casual aquel que juega a ‘GTA‘ para sembrar el caos como el que quiere desconectar un poco con el ‘Wii Music’. Pero es que por culpa de las consolas, los juegos de PC se están extinguiendo y cada vez son más fáciles – disculpe, señor PCero, pero usted no ha entendido nada.

Quiero expresar mi deuda tanto a los foros de Mondopixel como al artículo “Birdmen and the Casual Fallacy” (en inglés), de Sean Malstrom, por ser increíblemente lúcido.

Los primeros acercamientos a esta experiencia robótica se han dado con la aparición en el mercado de diferentes tipos de gadgets sexuales, como el Orgasmotrón o el Virtual Hole, aparatos tecnológicos que además de mostrar grandes avances en este campo, son capaces de emular sensaciones “reales” de un encuentro amoroso.

David Levy, escritor y director de la empresa Intelligent Toys, ha declarado que el sexo robótico será posible en no menos de 40 años y que, bajo su punto de vista, los humanos podrán entablar relaciones de pareja con los autómatas del futuro, que complacerán a los humanos en todos sus aspectos.

Levy, conocido también por ser un especialista en inteligencia artificial, compartió sus planteamientos con alumnos de la Universidad de Maastricht, al sureste de Holanda:

“Será posible cuando haya robots que tengan emociones, personalidad, conciencia. Podrán hablarnos, podrán hacernos reír, podrán decirnos que nos aman, así como un humano podría decirte ahora: te quiero”

Cuando la realidad supera la ficción

Esto, que nos puede parecer tan lejano, no es la primera vez que se plantea. Una posible escena de este futuro sexual robótico podría apreciarse en el cortometraje de Michael Sullivan, ‘Sex life of robots‘, donde se expone una realidad alternativa dominada por el impulso erótico de miles de autómatas; la animación se proyecta actualmente en el Museo del Sexo de la ciudad de Nueva York. De hecho, existen ya modelos de máquina con lívido, como el Garcher M9000.

No obstante, para quienes aún vean muy lejano el día que máquina tenga sentimientos cabe recordar que a principios de año unos científicos nipones presentaron a Kobian, un humanoide que, según el DailyMail, tiene la capacidad de expresar siete tipos de emociones puramente humanas diferentes. Además, el tacto que ofrecen sus manos, forradas de una silicona especial, tiene una textura similar a la de la piel humana.

De la parafilia a la terapia

Si las predicciones de David Levy lleguen a ser reales y la ciencia logra diseñar un autómata como Gigolo Joe, del largometraje ‘Inteligencia Artificial‘, hay personas que se verían muy beneficiadas.

Así, según la psicóloga mexicana Tania Bistrain García, este tipo de relaciones, que actualmente se considerarían como una parafilia, podrían implementarse como método de terapia en aquellas personas que suelen tener dificultad en entablar relaciones con el sexo opuesto o simplemente no han tenido la oportunidad de experimentar el coito.

Y en espera de que el futuro nos alcance, cabe preguntarse ¿Qué tanto podrá la ciencia imitar a la realidad? Yo al menos no experimentaría eso, ¿y tú…?

En el mundo de los videojuegos, esta concepción del destino es evidentemente literal, pues es imposible crear un mundo que aparente estar vivo (aunque sea un shooter, donde predomina la muerte) sin los llamados scripts, líneas de programa dedicadas a dictaminar todo lo que ocurre en pantalla.

La predestinación del píxel

¿Recuerdas cuando caminaste por un pasillo y, de repente, estalló una pared y reveló a tres soldados enemigos emboscándote? ¿O cuando una fortaleza aparentemente inexpugnable se vio atacada por tus aliados en el momento justo? Eso, y mucho más, es cosa de los scripts.

Cuando los videojuegos empezaban, los scripts eran mucho más sencillos y su labor era bastante limitada. Más adelante, cuando los títulos intentaron parecerse más a experiencias cinematográficas, tener planificada una buena secuencia de scripts se hizo vital. Al fin y al cabo, es como dirigir una película: se dice cuándo entran los personajes, sus acciones, la música, los efectos de sonido y ambientales… El problema es cuando se abusa de ellos, con lo que se resta realismo: produce auténtico sopor enfrentarse a un juego que dependa demasiado de ellos.

Un número de estúpidos soldados infinito

Hay dos ejemplos claros de lo que es abusar de los scripts, y los tenemos en dos juegos muy conocidos aunque con dispar éxito de ventas. Se trata de las sagas ‘Killzone‘ y ‘Call of Duty‘.

La primera saga, creada por Guerrilla y auspiciada por Sony para sus consolas PlayStation, es la viva imagen del juego que presta atención a todos los aspectos técnicos y descuida la experiencia jugable. Tanto es así que la inteligencia artificial es escasa, y prácticamente todas las acciones que hay en pantalla se encuentran predefinidas.

Puede que al principio sorprenda que un ataque frontal contra un grupo de enemigos acabe con la dispersión e intento de flanqueo por su parte, pero si se repite la misma escena se descubre que los soldados siempre se dividirán de la misma forma. La dependencia de los scripts es tal que a veces se encuentran a enemigos inmóviles porque no se ha activado el script que les hace moverse.

Los efectos en ‘Call of Duty‘, saga creada por Infinity Ward, son más sutiles, pero también más desesperantes. Imagina una casa, de una sola planta, con una ametralladora fija y dos soldados en su interior. Tú, como los ves a todos de lejos, les disparas a distancia para evitar que te hieran, pero al eliminarles son inmediatamente sustituidos por otros tres. No es algo digno de mención salvo que te puedas pasar media hora matando enemigos sin parar porque, ¿sabéis qué ocurre? Hasta que no te atrincheres a cinco metros, siempre habrá alguien a batir, y deducimos así que en una casa de una sola planta caben más de doscientas personas.

Sin una solución sencilla

El caso es que hasta que no descubramos un modo de crear una auténtica inteligencia artificial, nos tendremos que conformar con el método duro, que consiste en pensar varias formas de actuación que se ejecuten de manera aleatoria. Si se hace bien, consigues efectos tan satisfactorios como en ‘Halo 3‘.

Como hemos visto, siempre habrá desarrolladoras que vayan por el camino fácil, y en vez de pensar en diferentes rutinas dejen todo atado a un par de acciones y un rígido plan, pero lo que antes podía estar más justificado por el limitado hardware tiene cada vez menos razón de ser gracias a la potencia actual. Sin ser programadores podemos estar seguros de que es una tarea aburrida el pensar en diferentes respuestas para una misma situación, pero alguien tiene que hacerlo. De lo contrario, cada vez será más sencillo que un jugador vea saboteada su inmersión al apreciar los hilos que tiran de todo lo que ve.

Puede que para un videojuego esté clarísimo que el destino está escrito, pero algunas compañías deberían pensar que los caminos se bifurcan y no siempre tiene que haber un solo final.

El problema de la identificación

Desde que los juegos asumieron que podían contar una historia, han tratado de forzar la identificación del jugador más allá de la propia historia. Puede que en la novela haya funcionado desde hace siglos, y hasta en el cine, desde sus titubeantes inicios a finales del siglo XIX. Pero los videojuegos no se conforman con eso y quieren más. Como si los jugadores no creyeran que son un palito enfrentado a otro desde los tiempos del ‘Pong‘.

Si fuéramos inocentes, pensaríamos que todo forma parte de un gran plan por el que las empresas quieren proporcionarnos la mejor experiencia posible, pero seamos sinceros: cada truco sólo responde a una necesidad a la hora de impulsar las ventas. Que más tarde a alguien se le encienda la bombilla y tenga alguna idea con la que salpicar al jugador, como Hideo Kojima y la saga ‘Metal Gear Solid‘, no significa que estuviese previsto.
Con el Dualshock quisieron hacernos vibrar, con el Wiimote que nos levantemos del sofá (e incluso que hagamos ejercicio, algo que ya probó Sony con su cámara para PS2), y con Natal para Xbox 360… Bueno, parece que con Natal el objetivo es que nos demos cuenta de que nuestro salón es demasiado pequeño para hacer el payaso a gran escala.

Wiimote y Motion Plus

Con el nuevo Wii Motion Plus se espera que el usuario obtenga un equivalente exacto entre sus movimientos y los de su avatar pero, ¿es esto realmente necesario? La respuesta es que no.

Desde la salida del Wiimote, pocos juegos son los que han incorporado con naturalidad las prestaciones del mando al servicio de la jugabilidad, produciéndose en la mayoría de los casos el efecto contrario. Lo que no han contado desde Nintendo es que el mecanismo que nos permite sentirnos como un personaje de videojuego es muy delicado, y la mayoría de las veces el uso del sensor de movimiento despierta al jugador del trance. La paradoja nos ha quedado silueteada: el usuario, plenamente identificado con su avatar, se da cuenta de que está jugando a la consola cuando se le pide hacer algún movimiento absurdo con el mando.

Y ése es su problema. Lejos de aprovechar las cualidades del mando, el Wiimote está lejos de ser el éxito, en cuanto a jugabilidad, claro, que se espera o se dice de él.

Mientras nos fijamos en el mando, dejamos de prestar atención a lo realmente necesario, que es encontrar nuevas mecánicas y nuevas formas de narrar en un videojuego. El Wiimote podría ser de ayuda y proporcionar nuevas y estimulantes respuestas (’Super Mario Galaxy‘ es un ejemplo de ello), pero el resto de desarrolladores se limitan a agitar el mando por los aires, cazando moscas cuando pretenden atrapar ratones.

Sin embargo, rematamos esta serie de artículos con unos consejos básicos para comprar por internet que esperamos que te ayuden a vencer el miedo a sufrir una estafa.

El precio, importante

Una de las cosas básicas que has de saber: el precio del artículo. En ese aspecto habrás de saber en qué moneda viene especificado (si no es la tuya, lo mejor es que introduzcas la cantidad en un conversor de divisas en lugar de hacerlo a ojo de buen cubero).

Además, deberán especificarte si vienen incluidos los impuestos (en inglés, taxes), los gastos de transporte (shipping costs) y si el precio es por unidad o te obligan a una compra mínima (lo cual suele ocurrir cuando se trata de mayoristas).

Hasta dónde llegan

El siguiente paso es saber si la empresa realiza envíos a tu país. En numerosas webs americanas (igual que pasa con las españolas, y de cualquier otra nacionalidad, que ven más fiable y barato hacer envíos locales) tienen acotadas las zonas.

Si realmente quieres comprar en esos sitios, hay algunas empresas dedicadas a satisfacer esta demanda (el precio de lo que compres, obvimente, aumentará, pero el que algo quiere…).

Skybox te alquila un apartado de correos en Miami a cambio de una cuota (luego se le sumarán los gastos de envío y de aduana). Es lo mejor si vas a hacer muchas compras, y además puedes juntarte con varios amigos para que resulte más barato.

Otras opciones son las que te dan I shop in USA o One USA Adress, que actúan como receptores de la mercancía que compres (incluso pueden ir ellos mismos a comprarla) para reenviártela con un ligero cargo.

Características

Además de todo lo anterior hay que tener en cuenta las características técnicas de lo que compremos. Si se trata de ropa, tendremos que tener muy claras las medidas, así como el número exacto del zapato que compremos. Si son aparatos electrónicos, lo importante será saber si podremos enchufarlos en nuestra casa o tendremos que hacernos con un adaptador (que, por otra parte, no son caros). Si, por ejemplo, se trata de DVD, habrá que saber a qué zona petenecen, pues a veces solo es posible verlos en el ordenador, ya que hay incompatibilidades entre países.

El pago, esencial

También pueden surgir problemas con la forma de pago. Normalmente suelen aceptar tarjetas de crédito, pero a veces solo se permite comprar a través de Paypal, el método de compras seguras por internet. Simplemente tendrás que asociar una cuenta Paypal a tu tarjeta y podrás realizar tu compra tranquilamente.

Finalmente, y nunca está de más repetirlo, estos sitios suelen permitir que revises tus datos y las características del envío antes de formalizar el pedido. No olvides comprobar, una vez más, a cuánto ascienden los gastos de envío (shipping costs), que es lo que más suele aumentar el precio y donde algunos aprovechan para estafar al comprador indefenso.

Un vez hayas hecho tu primera compra, ¡seguro que repites!

La serie completa:

• Guía de compras en internet (I): eBay
• Guía de compras en internet (II) ¡Viste como una famosa!
• Guía de compras en internet (III): Sé raro, sé original
• Guía de compras en internet (IV): Sé raro, sé original
• Guía de compras en internet (V): Maquíllate, maquíllate…