¿Cómo surge la idea de hacer ‘La tierra está sorda’? Es muy opuesto a lo que siempre han hecho…

La idea comienza tras la lectura de la novela ‘La voz dormida‘ de Dulce Chacón. Después, otras lecturas van configurando el sistema de trabajo del disco hasta que  tres años más tarde se decide poner punto final. La idea de trabajo conceptual hasta la fecha no había sido llevada a cabo por Barricada, pero yo sí que realicé un trabajo con estas características en ‘La venganza de la abuela‘.

Tener la trayectoria de Barricada permite tomarse estas licencias, ¿verdad?

Es importante que el grupo sienta en cada disco el riesgo que supone no repetirse y enredar en nuevos sonidos o nuevas estructuras a las canciones. Unas veces se consigue y otras no tanto, pero por nuestra parte que no quede.

¿Es un ejercicio de libertad creativa?

Efectivamente. Sin esa sensación resultaría muy complicado embarcarnos en proyectos que las personas más cercanas al grupo definen de locura.

¿Perseguían algún fin en especial?

Mediante el ejercicio de reconocimiento de la propia ignorancia respecto a este tema cosas como la lectura de una cantidad importante de libros, el visionado de documentales, excursiones a lugares relacionados con lo que aparece en los libros o escuchar testimonios de personas relacionadas con el tema te permite la formación de criterio propio sobre los sucesos de esa época de la historia de España que todavía hoy muchos se empeñan en silenciar.

¿Han tenido algún problema con algún grupo o asociación por tocar temas de la Guerra Civil?

No.

¿Se han quedado satisfechos con el libro y el disco o todavía tenían más material?

Quizás, por poner algún pero, han quedado un par de temas relacionados con la represión que me parecían interesantes como para haberlos tratado. Una es la temática de los topos (personas que vivieron escondidas durante años en lugares inverosímiles), ya que hay bastante bibliografía al respecto -sobre todo el libro de Manu Leguineche y Antonio Torbado ‘Los topos‘-; otro tema sobre el que no he encontrado tanta información referido es la homosexualidad tanto durante la Segunda República como en la confrontación civil y el franquismo.

¿Habrá una segunda parte o ha sido un ejercicio concreto?

Ahora mismo es difícil pensar en hacer una segunda parte.

¿Esperaban tan buen acogida entre su público?

Nos ha sorprendido para bien observar la acogida, tanto por parte del público relacionado con el Rock&Roll como por parte de personas de otros ámbitos y medios de comunicación no relacionados con la música.

¿Las nuevas generaciones tienen conciencia de lo que pasó en España en la Guerra Civil?

Ni los más jóvenes ni los medianos tenemos conciencia clara de lo que pasó y la significación que esa época tuvo y sigue teniendo en el presente.

¿Qué dijeron el resto de componentes de Barricada cuando apareció con este nuevo proyecto?

Que era un reto interesante para el grupo.

¿Se han sorprendido al hacer este disco? Es decir, ¿han encontrado historias o datos que le hayan sorprendido de una forma especial?

Muchas de las conversaciones han sido sorprendentes y muchos testimonios que aparecen en la inmensa bibliografía sobre esa época de la historia también lo son. La lectura de las cartas que escribían presos a sus familias, el descubrimiento de que en España existieron los campos de concentración, las violaciones y castraciones, las rapadas, los destierros… son hechos que se llevaron a cabo de una forma bastante más masiva y cruel de lo que se quiere presentar por parte de algunos sectores sociales empeñados en presentar esta represión como una simple gamberrada.

¿Ya se han curado las heridas de la Guerra Civil o todavía hay división entre las ya manidas ‘dos Españas’?

Va a ser jodida esa cura mientras no se abran los archivos eclesiásticos, militares y judiciales y se permita saber lo que realmente supuso para el país el golpe de Estado y la posterior confrontación; mientras se denomine ‘nacionales’ a los golpistas y ‘fusilamientos’ a los asesinatos; mientras no se reconozca la enorme importancia que tuvieron los nazis alemanes y los fascistas italianos en el triunfo del franquismo o el papel activo que jugó la Iglesia en la represión; mientras sean los familiares quienes tengan que pagar las exhumaciones y un largo etcétera de ‘mientras’ más. Respecto a las dos Españas es el mismo mito que repartir la culpa de lo sucedido al cincuenta por ciento.

Qué ha aportado al sonido de la banda la inclusión de Iker, cantante de Dikers, en la gira y en la producción?

Su sabiduría, que no es poca. Tiene un concepto muy actual sobre la composición, los arreglos, el sonido… y además nos conoce bien.

¿Tienen más libertad los miembros de Barricada con él en el escenario?

Por supuesto. Nos da la seguridad de contar con alguien en el que se confía. Por otro lado lleva años pisando escenarios y eso también se nota.

¿Cómo deciden quién canta las canciones?

Se ve, se prueba y se hace.

¿Por qué han estructurado en dos partes muy diferenciadas los conciertos?

No nos parecía que hacer un repertorio revolviendo las canciones, como se suele hacer generalmente, fuese un acierto en este caso. Por lo menos durante la gira de presentación de dicho trabajo. Queríamos tocar todas las canciones y sólo haciéndolas en bloque tenía sentido el repertorio. Tampoco debemos olvidar que somos una banda de rock y los directos sin un buen puñado de las canciones de toda la vida podían quedar faltos de esa parte de diversión que buscamos.

¿Es una forma de darle un valor añadido a este disco nuevo?

Por lo menos es una manera de hacer mover nuestra cabeza y no sentirnos empujados por la inercia que puede resultar demoledora para una banda que lleva unos años en esto. A veces lo más difícil es continuar con inquietudes cuando lo más fácil sería dejarse llevar por los propios éxitos.

Llevan mucho tiempo juntos, ¿no se les ha pasado por la cabeza la idea de descansar o dejarlo?

A finales de 2010 será buen momento para parar, descansar y pensar.

Si echan la vista atrás, ¿cuál creen que fue el momento clave en el que Barricada comenzó a ser lo que es ahora?

Desde el principio nuestra carrera profesional ha consistido en ir poco a poco entrando a la gente. Por ello, el momento clave quizás haya sido la formación del grupo, allá por el ‘82.

¿Y cuál ha sido el momento más duro de su carrera?

Sin duda la muerte de Mikel, nuestro primer batería.

Son colaboradores habituales de grupos emergentes, ¿cómo ven la cantera del rock en España?

Hay cantidad de grupos que tienen una manera personal de componer y eso es lo más interesante. El problema es el escaso circuito para ver a estas bandas en directo.

El rock está muy vivo, ¿no? No se entiende que un país en el que las radios obvian al rock siga habiendo tantos seguidores…

Así es… y no tiene pinta de que vaya a cambiar a corto plazo.

¿Echa de menos la carretera durante estos meses?

Se echa de menos a veces, sí, sobre todo cuando voy a ver algún concierto. Pero la verdad es que unos meses sin carretera y trabajando la música a un nivel más creativo me sientan muy bien.

Extremoduro no volverá a parar tanto tiempo, ¿verdad?

Habría que preguntárselo a Rappel, pero nuestra intención es trabajar de continuo. Y es lo que estamos haciendo. Hay trabajo y hay ganas; aquí no para nadie.

¿Tiene idea de sacar del armario a Los inconscientes para matar el ‘gusanillo’ de tocar en directo?

Es un proyecto que apetece. La gira fue una gozada, lo pasamos todos muy bien y fue muy enriquecedora en muchos sentidos. Ahora mismo, en presente absoluto, estamos trabajando intensamente los Extremoduro con más o menos fortuna en las canciones, al igual que en Memoria de Pez, y no es tiempo de pensar en tocar con Los inconscientes.

Usted es guitarrista, pero también le hemos visto tocar el trombón o el piano, ¿han sido exigencias del guión o son instrumentos con los que también se siente cómodo?

Me gusta tocar cosas, aunque como dice el refrán, aprendiz de todo, maestro de nada. Tocaba el piano de chaval y el trombón también. Me gusta probar con instrumentos, sacar sonidos, ambientes… pero nada más. Ni siquiera creo que sea realmente guitarrista.

¿Por qué ser productor? La historia dice que los músicos son por naturaleza vagos, pero usted no para y anda metido en mil historias, ¿verdad?

Me gusta mi trabajo y también me gusta reposar con la familia y amigos. Llevo la tira de años buscando el equilibrio entre ambas cosas y, cuanto más viejo soy, más cerca estoy de encontrarlo.

Todos los grupos que pasan por sus estudios comentan que su trabajo como productor es ejemplar para una banda de rock, ¿qué les da?

Lo que tengo, no lo sé.

¿Con qué artista ha conectado más en una sesión de grabación?

Cada persona tiene su rollito. Indudablemente habría que hablar de Robe y Fito… creo que de todos. Si no conecto con ellos, no sé cómo podría ayudarles a conseguir el sonido que buscan.

¿Y en un directo?

Cantera, Robe, Fito, Miguel, Juantxu, Milindris, Aiert… Me gusta mucho disfrutar del directo escuchando a los demás. Soy incapaz de tocar si no los oigo. No me vale escuchar mi instrumento a toda hostia, tocaría muy a disgusto. Cada cosita que surge en directo, sin estar preparada, es un momento de auténtico goce.

¿Ha sido autodidacta con la guitarra? ¿Cómo se alcanza ese nivel?

Con la guitarra sí, con la música no. Estudié solfeo, armonía, piano y todo eso de chaval. Luego cogí un bajo y empecé a tocar encima de los discos. Después, con la guitarra, lo mismo. Eso hacía: tocar lo que me daba la gana sobre discos, e inventarme la forma de tocar o copiar cosas que escuchaba, nunca di una sola clase de guitarra. Por eso ese nivel del que hablas es mío, personal. Pero no nos engañemos: no es un gran nivel.

¿Y en la producción? Tantos discos como músico darán muchas tablas, pero se ve distinto desde la silla del productor, ¿verdad?

Claro. Esa silla te da, o te debe dar, perspectiva. No eres parte y sí la eres, tienes que salir de eso y escuchar música, no instrumentos, y menos poner una oreja en el tuyo. Eso te hace ser imparcial y buscar la manera de crear un sonido conjunto.

¿Es complicado demostrarle a un artista que está equivocado y que su canción es mejor enfocarla desde otro prisma?

Eso puede ocurrir en unos pocos casos muy concretos, pero lo mejor de la música es que nos permite romper normas. Creo que sería muy prepotente pensar que el artista está equivocado; en la mayoría de los casos, son diferentes puntos de vista y el creador, por ello, debe tener casi siempre razón. Es el productor el que tiene que amoldarse a lo que el artista quiere. Se pueden proponer cosas pero, salvo excepciones, no debería pasar un productor de ahí.

¿Qué se siente más: miembro de una banda, productor o creador de canciones?

Miembro de una banda, músico.

¿Para qué utiliza la música? Como desahogo, como una forma de enfocar su creatividad, como un estilo de vida…

Las tres cosas me valen. Unas más y otras menos, pero las tres.

El rock es algo innato en usted pero, ¿qué escucha en la tranquilidad de su hogar?

Básicamente rock, blues y música clásica. Pero cae de todo. Últimamente música andaluza también…

¿Qué le gusta hacer cuando no está metido en temas relativos a la música?

Descansar. Vivir mi casa, mi familia. Salir de vez en cuando con amigos… Cada vez dedico más de este tiempo a la calma y el buen rollito.

¿Se ve algún día fuera del mundo de la música?

A todo hay que adaptarse. Lo que la vida me dé y como sepa torearla. Aunque veo poco probable que la música salga de mí.

Hablemos de su discográfica. ¿Tienen previsto volver a dar salida a bandas emergentes?

No por el momento. Lo hemos intentado, pero la cosa está muy jodida. Ya hemos dilapidado mucho tiempo y las perras que teníamos y no tenemos ganas de seguir por ahí.

¿Por qué dieron el paso usted y Robe Iniesta de embarcarse en este ambicioso proyecto?

Estábamos en un momento de parón creativo, pero no nos gusta estar parados tanto tiempo. Nos pareció que podía ser útil y bonito y, aunque sabíamos que era un semisuicidio, nos metimos en el berenjenal.

Memoria de Pez y Calaña han sido dos de sus grandes descubrimientos. ¿Qué siente cuando grupos así echan a andar y comienzan a ser valorados?

Una alegría de la de verdad.

Ha colaborado con dos de los mejores letristas del rock nacional, como Fito Cabrales y Robe Iniesta. ¿Qué les hace especiales para que alcancen con sus canciones al público?

Son diferentes. Fito escribe bonito y se muestra como una persona sencilla y con valores y eso conecta muy bien. Robe tiene sitio para la autocrítica, además de la extraña habilidad de hacer que una canción se convierta en infinita. Es una canción para cada persona que la escucha. El oyente la hace suya… Es increíble resumiendo sentimientos en una frase: el mejor.

¿Qué le parece la trayectoria de Fito Cabrales con sus Fitipaldis? ¿Echa de menos a los Platero y sus inicios junto a Fito, Jesús y Juantxu?

Claro que a veces los echo de menos. Rock divertido, para nosotros cuatro. Es algo muy bonito y, a veces, me gusta ver las fotos de entonces. Éramos (y seguimos siendo) cuatro amigos. Respecto a lo de Los Fitis me alegro un montón. Fito tiene un carisma acojonante y la está liando parda.

¿Acabó mal Platero?

Pues no, acabó…

¿Se han cerrado las pequeñas heridas entre los miembros? ¿Algún día se podrán juntar todos sus integrantes en un mismo escenario?

Eso no se puede saber. Lo de las heridas, pues no sé… Lo dices tú.

¿Cómo resultaron las sesiones de grabación de las canciones para el recopilatorio de Platero?

Fue un pequeño viaje al pasado. Pero poder escuchar ciertas canciones mejor grabadas, como nos hubiera gustado escucharlas en su tiempo, fue muy satisfactorio.

¿Qué le ha dado la música?

Mi vida. La vida que tengo, se la debo en gran parte a la música. Me ha permitido realizar sueños que creía inalcanzables, dedicarme en la vida a lo que me gusta, conocer gente acojonante… Muchas cosas buenas y sólo alguna mala.

¿Cuál es la mejor sensación que siente cuando se cuelga su guitarra?

Lo que se avecina.

Cierre los ojos. Imagínese que tiene la guitarra entre sus manos. ¿Qué canción tocaría sin pensar?

Pasearía los dedos. Lo más seguro es que ninguna.

¿Alguna vez ha sentido la necesidad de dejar la música y probar nuevas cosas?

Una o ninguna.

¿De qué banda de la historia le hubiera gustado formar parte?

Buf… ¿Valen AC/DC? Me encantaría hacer de Malcolm.

Levon Helm fue el batería fundador de la aclamada The Band, el grupo que se hizo famoso por acompañar a Bob Dylan cuando decidió abandonar el formato folk para hacer rock and roll. Con una escuela como The Band, Levon Helm se ha convertido en uno de los músicos más venerados de EEUU.

‘Electric Dirt’

A finales de 2009 Levon Helm sacó ‘Electric Dirt’, un disco con versiones de grandes músicos y bandas americanas y composiciones propias de este maestro que se mantuvo en silencio durante varias décadas. El cáncer estuvo cerca de silenciarle pero la música se abrió camino y le hizo regresar a la carretera.

Una joya. La primera escucha (myspace) del compacto impresiona. Es un disco que sorprende porque le rodea una aureola especial, que lo convierte en un clásico desde el comienzo. La voz de Helm sale de su garganta pero también de sus entrañas. Su música es intimista pero está cargada de fuerza y sentimiento. Su alma impregna cada tema.

La influencia de la música negra impregna todas las canciones. Las raíces americanas están muy presentes y se dejan ver desde el primer corte hasta el último.

Helm es el eje central de este disco aunque sus músicos le dan un toque especial, que convierten a este ‘Electric Dirt’ en uno de los mejores trabajos del año 2009. La sección de vientos, la harmónica, la voz de su hija Amy, las mandolinas, las guitarras eléctricas pero también las acústicas… Una pequeña obra de arte. Aunque los premios no siempre valoran a los mejores, el compacto de Helm ha sido galardonado como mejor álbum americano en los afamados Grammy.

Su granja de Woodstock es uno de los lugares sagrados de la música americana. De hecho, The Black Crowes grabaron allí ‘Before the frost … until the freeze’, su último disco, ante un pequeño grupo de fans. Una experiencia única que trataremos en las próximas entregas de esta sección dedicada a la música. Pero, antes, disfrutemos del maravilloso ‘Electric Dirt’.

¿Le cansó la música que hacía y por eso hizo este disco?

No, en absoluto. El trabajar diferentes estilos de música no es una lucha entre gustos. Los que realmente amamos la música, aunque tengamos estilos con los que nos sintamos más identificados, sentimos un interés general por ella. Me niego a renunciar a ningún estilo: sólo a la mala música.

¿Qué es para usted la música? ¿Es ‘blues’ o ‘pop’?

La música popular, llámese como se llame, comparte los mismos sentimientos independientemente del punto geográfico donde nace y de la época en la que surge. Puedes escuchar letras terriblemente rockeras escritas en el Buenos Aires de los años ‘20 por artistas de tango como Discépoli y podrías encontrar ejemplos parecidos en cualquier estilo. ¿Si es blues o pop? Es quedarse corto.

¿Cómo surge la idea de hacer un grupo de blues?

El blues fue la música con la que comencé a tocar como bajista en el Madrid de finales de los ‘80, muchos años antes de La Cabra Mecánica, y es una música que está presente de manera directa o indirecta en casi todo lo que escuchamos en la actualidad. Así que procuro volver a ella siempre, ya que la considero una de las fuentes básicas.

¿Por qué versiones y no canciones propias?

Escribir canciones propias es algo que no descarto, pero para este proyecto quería acercarme a la gente que conoce el blues y también a quien no lo haya escuchado nunca. Para ello es mejor empezar rindiendo homenaje a los clásicos, no sólo por su enorme inspiración musical sino también por el ejemplo de sus vidas, sus carreras, su lucha por llevar su música adelante en un entorno terriblemente hostil: es una lección constante. Es una cuestión de respeto.

¿Tenía necesidad de mostrar su capacidad con el bajo?

En absoluto, es simplemente algo natural en mí. El bajo es el instrumento al que más años he dedicado de mi vida. Me considero, por encima de todo, bajista.

¿Por qué aparecen al mismo tiempo su disco con La cabra mecánica y su disco con los Troublemakers blues review?

Aparecen con casi un año de diferencia. La percepción en la actualidad de los tiempos de los lanzamientos discográficos o las estrategias comerciales que pudiera haber detrás es especular en vano. Tal y como están las cosas vamos tirando y sacando proyectos cuando podemos. Muchos de los discos en los que trabajo, incluso como productor, y que todavía no han salido llevan grabados entre uno y dos años. La situación es complicada para todos.

¿Es fácil sacar al mercado un disco que no tiene nada que ver con los que se le conoce?

Para mí es difícil sacar un disco, ya sea de Troublemakers, de La cabra o de Miguelito, pero no sólo para mí, sino para cualquier otro artista que no esté ahora mismo en el lado soleado de la calle. Los discos no se hacen porque sean fáciles de hacer: si lo piensas, el 99% de los discos que se están grabando ahora mismo, a pesar del terrible esfuerzo, dedicación y cantidad de gente que esté trabajando en ellos, seguramente no consigan nada, si por nada entendemos dinero, reconocimiento o fama, pero son igualmente necesarios. Yo diría incluso que mucho más que otros que ocupan los primeros puestos en las listas de ventas.

¿Sus planes de futuro giran alrededor del ‘blues’ o tiene nuevos proyectos?

Como habrás podido deducir por mis respuestas, estoy condenado, con gusto, a diversificar mi trabajo y a estar metido en mil pomadas. El proyecto prioritario para mí, en cuanto acabe en 2010 la gira del último disco de La cabra mecánica, es escribir mis canciones y saltar al ruedo bajo el nombre de Miguelito. Si es posible, a principios de 2011 también me gustaría grabar un nuevo disco de Troublemakers, en el que posiblemente ampliemos nuestro repertorio con temas de country, jazz y otras músicas norteamericanas.

¿Cuándo y cómo piensa presentar este nuevo grupo?

Un proyecto de estas características no se presenta de una manera convencional: simplemente echa a andar por sí solo y va mostrando la cara en el momento en el que empiezan a aparecer fechas para actuaciones. Mi intención por tanto es la de tocar, tocar y tocar…

Un músico, por definición, ¿necesita estar siempre creando para sentirse vivo?

Sí, lo necesita a pesar de que el mundo a veces sea el que no necesite al músico.

¿Se llega a aburrir de una creación propia o de un proyecto con el que lleva mucho tiempo?

No necesariamente. Simplemente se buscan nuevos estímulos y se trata de cerrar etapas antes de que la realidad termine por pervertir el corazón del proyecto.

¿Hay esperanza dentro de la música española?

No lo sé, pero no nos queda otro remedio que tenerla.

Usted mismo ha comprobado las mieles de éxito pero el ‘blues’ es un terreno complicado en España. ¿Cree que tendrá buena acogida?

Dado que mis intenciones no son las de llenar ningún estadio tocando blues ni nada parecido, creo que las expectativas ya se ven cumplidas tocando en los pequeños bares y clubes en los que esta música se entiende mejor.

¿Qué se siente músico o creador de canciones?

Crear canciones es una faceta de músico, así que me siento músico.

Como artista contrastado irá en contra de la piratería pero sabe que la mejor forma de llegar a los usuarios en la actualidad es a través de la Red. Con los Troublemakers blues review, ¿le interesaría que se moviera su disco por internet?

Lo que me interesa es que se acabe de una maldita vez con estas ganas en general de sangre con las que se lincha en ocasiones a las discográficas, en otras a los músicos, en otras a la gente que descarga música, en otras a las sociedades de gestión de Derechos de Autor… En medio de este fregado y tras más de 20 años de experiencia en el mundo de la música estoy terriblemente cansado y lo único que quiero es que de una maldita vez se reúnan las partes implicadas en la industria (entre las que también se incluyen las radios y los medios de comunicación) para ver si entre todos creamos un modelo de industria, que sin ser perfecto, llegue a una normalización de esta situación y dejemos todos de oír las barbaridades tan terribles que escuchamos sobre el tema, y los músicos dejamos de ser una hoja seca a merced de un viento provocado por canallas y especuladores.

¿Qué es Rock&Gol?

Una cadena de radio. Un producto novedoso dentro de la radiodifusión española.

¿Qué tiene esta radio que la hace única en el Estado?

La combinación de dos elementos que ninguna radio cubre: música rock y deporte. Sobre todo es por la emisión de un tipo de música muy selecta que tiene mucho público y nadie emite porque es más marginal que el pop.

¿Cómo calificaría la radio que se hace en España?

Aburrida y sin contenido.

¿Cómo surge la idea de crear una radio con un público tan segmentado?

La idea nace hace ya muchos años con un programa que dirige El Pirata llamado Rock&Gol en el que se combina la información deportiva del fin de semana con los mejores clásicos del Rock&Roll. José Antonio Abellán hereda esta idea y, con la ayuda del Grupo COPE y la alianza con el Grupo Zeta, se lanza Rock&Gol como cadena de radio, no como programa.

¿Cree en esta fórmula?

Más que nada en este mundo.

¿Es duro ver como pasan los días y ‘Rock&Gol’ no vuelve tras el verano?

Rock&Gol nunca se ha ido, los periodistas y presentadores se mueven, pero el producto, de alguna manera, se ha mantenido en el aire.

En tiempos de crisis como estos, el último EGM les ha dado un gran empujón a pesar de los problemas

Creo que nos ha dado un respaldo. 101.000 oyentes después de haber perdido más de la mitad de los postes y emitir para muchas menos poblaciones está más que bien.

Cuando le confirman el regreso hace algo más de un par de meses, ¿cuál es el objetivo que se marcan después de haber sufrido importantes pérdidas tanto en personal como en emisoras en el país?

Pretendemos que los pocos o muchos que nos escuchen se diviertan, se lo pasen bien escuchando R&G y se identifiquen con su emisora. Que se sientan partícipes de algo único, sea uno o un millón.

¿Ha sido internet su tabla de salvación?

Internet es un medio importantísimo al que no hay que dar la espalda. Es más, creo que cada vez hay que mirar más a internet. Pero sí nos ha servido como una herramienta muy valiosa para poder establecer una comunicación muy directa con los oyentes.

¿Qué siente cuando comprueba todo el apoyo que han recibido para que sigan en antena?

Orgullo del trabajo bien hecho.

¿Es el ‘Rock&Roll’ el gran olvidado en las emisoras nacionales?

Por supuesto. Tiene que haber de todo, pero el error de este país es que si algo funciona todo el mundo lo imita, en lugar de diversificarse.

¿A qué aspira una radio en la que la mayoría de su música no es considerada actual?

Queremos ser la única ‘radio rock‘ del país y que el sector de público al que nos dirigimos presuma de cadena de radio como lo hace de sus motos, sus entradas de conciertos, sus guitarras, sus hijos o sus coches.

¿Por qué se obvia la música rock en las radiofórmulas si constantemente salen discos nuevos?

Porque las direcciones piensan que el mercado grande está en el pop, no en el rock. Eso sí, cuando viene Bruce Springsteen, Rolling Stones, Metallica o AC/DC todos son los más roqueros y sacan sus chupas de cuero nuevas que huelen a naftalina para presumir de que vieron a AC/DC…

¿El ‘Rock&Roll’ está vivo en España?

¡Más que nunca! Hay una cultura underground tremenda y tenemos grandísimos artistas.

Algunos sectores utilizan el término minoritario para definir y despreciar al rock, ¿cómo lo ve?

Como le he dicho, es minoritario en ciertos aspectos y no molesta que nos digan eso siempre que no sea con desprecio. Párese a pensar quién llena los estadios más grandes y resulta que no somos tanta minoría…

Rolling Stones, Black Crowes, Faces, AC/DC, Springsteen and The E Street Band… son algunos de los muchos artistas que se escuchan en su radio. ¿Cree que el público español valora a estos grupos que en otros países son considerados como dioses?

Por supuesto. Nuestro público sí, por eso hablamos el mismo idioma y por eso nos siguen en la radio, porque respetamos y valoramos a estos artistas como se merecen. En España es cierto que se los valora menos que en Argentina.

¿Qué hace falta en España para que se preste atención a una emisora orientada a la música rock exclusivamente?

Más cultura musical.

Por ‘Rock&Gol’ han pasado algunos de los mejores locutores de la radio española como Carlos Finally, Vicente Ahumada o ‘El Pirata’. ¿Es duro ver que la crisis apaga la voz de la historia de la radio española?

Mucho, muy duro. Las nuevas generaciones apretamos mucho y somos más baratos, pero sin ellos no seríamos ni la mitad de lo que somos como profesionales de la radio.

A su lado todavía está Rafael Escalada, un periodista todoterreno que hizo, entre otros, ‘Conservas Escalada’ en ‘Cadena 100′, un programa del que salieron muchos de los locutores estrella de la actualidad. Contar con alguien como él debe ser un lujo para cualquier coordinador, ¿verdad?

El mayor de los privilegios que he tenido como profesional ha sido compartir muchísimas horas de radio con Rafa. Él se inventó al Youngie, el joven amante de la música que interpreto en la radio junto al Oldie, que es él. Al lado de Rafa nunca dejas de aprender, no tiene límites.

En la emisora también tiene a Steven Van Zandt, el gran amigo de Bruce Springsteen. ¿Cómo surge esta oportunidad?

Steven giraba con Bruce en un tour mundial que recaló en Madrid. Se informó sobre el mundo de la radio en España antes de venir y solicitó a su manager Jean Beavoir que me localizara. Nos reunimos en el Hotel Palace durante varias horas y hablamos de muchas cosas, entre otras de música, de guitarras, de radio… y hubo tan buen rollo que se ofreció para lanzar a través de Rock&Gol su show ‘Little Steven undreground garage‘ en España. Lógicamente accedí gustoso. A partir de ahí tenemos muy buena relación y siempre que viene a España comemos, cenamos o nos invita al Backstage y a la E-Street Lounge.

¿Qué transmite un mito como él?

Mucha humildad e ilusión. Profesionalidad y una forma muy positiva de ver la vida y la música.

¿Por qué cree que todavía siente la necesidad de promocionar el rock?

Porque ama con pasión la música y lo que hace.

Como experto en esta música, ¿qué valoración hace de la trayectoria de los Black Crowes, una de las bandas que mejor han soportado el paso del tiempo?

Los Black Crowes me parece que han sabido manejar muy bien sus tiempos y ser fieles a lo que realmente saben hacer bien: música. No han cedido a ningún tipo de presión con tal de poder hacer exactamente lo que han querido cuando han querido. Por eso sus seguidores somos tan fieles a la banda.

¿Cree que el rock se ha quedado anclado en las viejas glorias o todavía hay esperanza con las nuevas generaciones?

Está costando que remonte pero, poco a poco, se van creando buenas bandas y quiero creer que hay esperanza para las nuevas generaciones. Chili Peppers, Pearl Jam, Metallica, Black Crowes, Green Day o REM son el relevo de Rolling Stones, Beatles, The Who o AC/DC. Y bandas como Muse pueden abanderar el relevo de los anteriores… Poco a poco van apareciendo grupos buenos de rock.

Explique la sensación que le invade cuando escucha una banda novel que tiene algo que contar.

Respiro profundo y pienso que aún hay vida y que la gente tiene algo interesante que contar.

¿Es el ‘Rock&Roll’ una válvula de escape? ¿Una forma de expresarse?

Sin duda. Siempre ha sido un movimiento reivindicativo y de no ser así no sería rock hecho con el corazón.

Díganos su referente.

Keith Richards, y luego el resto.

¿Cómo aterriza en la radio musical?

Yo trabajaba en ‘Carrusel Deportivo’ narrando goles, pero siempre con mis discos a cuestas y mis chapas de los Who y los Stones en la solapa. Tenía largas conversaciones los fines de semana con Joaquín Luqui acerca de la historia del rock. Un buen día me entero que se va a lanzar un producto que se llama Rock&Gol. ¿Radio, rock y deporte? Yo era la persona que Abellán iba a necesitar a su lado. Así se lo hice ver y a partir de ahí comenzó la aventura.

Dígame un concierto histórico que le hubiera encantado presenciar y el motivo.

El Festival de Woodstock. Haber visto a Janis Joplin, Hendrix, entre otros… tuvo que ser espectacular. Queen en Wembley también fue otro mito de la historia de la música.

El mejor concierto en el que ha estado.

Uf, han sido muchos… Quizás alguno de los Rolling Stones -tenga en cuenta que les he visto nueve veces- También los Black Crowes en el Azkena 2009… Por emotividad, sin duda, el primero de los Stones. Tenía 13 años y mi padre me enseñó algo que nunca olvidaré.

¿Qué personaje cree que transmite toda la fuerza del rock? ¿Cuál es el que más le ha sorprendido de los que ha conocido por su pasión hacia la música?

Keith Richards es el Rock&Roll. Freddie Mercury era pasión. ¿De los que he conocido? Little Steven Van Zandt ama la música.

¿Qué disco regalaría para mostrar a alguien qué es el Rock&Roll?

‘Exile on mail Street‘ y ‘Sticky fingers‘ de los Rolling Stones y ‘White album‘ de los Beatles. No puedo quedarme con uno, lo siento.

Un ejemplo de versión es ‘Deltoya‘ de Fito & Fitipaldis (escuchar). Fito Cabrales acostumbra a hacer versiones de amigos y en esta ocasión decidió modificar el tema de Extremoduro. El mismo Robe Iniesta no dio crédito a lo que Fito había construido alrededor de su letra.

The Bon Scott band es una banda tributo de los míticos AC/DC, que ha pasado la frontera de ser un grupo de directos para meterse en un estudio de grabación. Pero esta banda en ‘Coverage: Nuestro rock‘ no sólo rinde pleitesía a los australiano,s sino que también al rock nacional. Ese rock con el que hemos crecido, hemos aprendido y, también, nos hemos ido de cañas.

‘Coverage: Nuestro rock‘ (MySpace) es un conjunto de canciones originales de Platero y Tú, Barricada, Tequila, Obús, Burning, Marea o Miguel Ríos, entre otros, interpretadas como lo harían los mismísimos AC/DC.

Pero este disco es especial. Los creadores de las canciones participan activamente en las versiones. Miembros de Barricada, Marea o Mago de Oz se ponen a las órdenes del ejército de The Bon Scott band. Un lujazo que da más brillo a un disco curioso, que cautivará a los amantes del rock patrio, pero también a los de AC/DC.

‘Alfileres‘ es una canción espectacular. La canción te traslada hasta los pies de AC/DC pero con una de las mejores letras compuestas por Kutxi Romero, vocalista de Marea. Sin duda, una sorpresa que te dejará sin respuesta, uno de los mejores temas del debut de The Bon Scott band.

En este caso, el track list es muy importante:

• ‘Hay poco rock and roll‘ – Platero y tú
• ‘No hay tregua‘ – Barricada
• ‘Dinero dinero‘ – Obús
• ‘Me vuelvo loco‘ – Tequila
• ‘Sí señor, sí señor‘ – Leño
• ‘Más sexy‘ – Coz
• ‘Alfileres‘ – Marea
• ‘Generación límite‘ – Miguel Ríos
• ‘Mueve tus caderas‘ – Burning
• ‘Peligrosa María‘ – Los suaves
• ‘Mi nombre es rock and roll‘ – Mago de Oz
• ‘Los rockeros van al infierno‘ – Barón Rojo

Los perros del boogie son un grupo valenciano con claras influencias de las grandes bandas americanas. La E Street Band es su referente y se nota desde la primera de las diez canciones que componen su debut ‘Con desprecio y entrega‘.

“Somos los hijos bastardos de una vieja melodía de blues”. Bastardos porque su música surge de la escucha de los Stones, Tom Petty and The Heartbreakers o Bruce Springsteen, pero pasada por el tamiz de bandas como Tequila o M-Clan. Una fusión muy interesante.

Si en nuestra última entrega analizamos a un grupo que nació de un miembro de M-Clan, Campillo, ahora es el turno de una banda que se identifica con la primera época de los murcianos. Un digno sucesor. Rock festivo, en ocasiones, pero también reflexivo, en otras. Letras hechas con gusto. El fondo de las canciones alcanza al público. Y si escuchas a Los perros del boogie notarás su amor por la música. Y, sobre todo, por el rock and roll americano.

Su admirado Carlos Tarque se pasó por los estudios en los que grabaron el disco y puso su voz en ‘De nada sirve hacerse mayor‘. Un lujo de colaboración. Pero también de canción, la mejor del disco. Una invitación a disfrutar de la vida. Los coros del final de la canción entre Tarque y Ovidi, cantante de los Perros, es excepcional.

Este es un buen inicio para un largo aullido que quiere prolongarse durante muchas noches. El primer paso está dado con un discazo, que si tiene la difusión necesaria por los circuitos apropiados, puede ser la gran sorpresa del año. Dadles una oportunidad.

Todos sus miembros cuentan con muchos kilómetros a sus espaldas, pero la presencia de Santiago Campillo inunda el disco desde el primer acorde. Es innegable. Solos de guitarra eternos pero… inmensos. No hay sobreproducción. Este grupo no sabe lo que significa ser comercial. El rock sureño es su seña de identidad. Ni más ni menos.

Rock sin grandes pretensiones. Crudo y sincero. Cierras los ojos. Suena una guitarra conocida acompañada de una excelente sección rítmica. Y una voz rota. Una voz que engancha al oyente y que le hace partícipe del grupo. Santiago Campillo no puede negar que fue fundador de M-Clan, esa banda murciana que encandiló con su sonido a todos los amantes de los Black Crowes o los Allman Brothers en España allá en sus orígenes.

Tras su salida de los M-Clan, uno de los mejores guitarristas del panorama nacional regresa con La Electric Band. Una banda hecha a su medida. El rock sureño regresa con uno de sus maestros en nuestro país. La leyenda cuenta que la salida de Campillo de M-Clan le restó la identidad que enamoró a los sedientos aficionados del rock con tintes americanos.

Regreso triunfal

Ahora vuelve a lo grande. Canciones repletas de historias cotidianas, en su mayoría firmadas por el cantante Francis Sarabia. Algunas con mensaje profundo. Los Stones son llamados sus Satánicas Majestades, los jefes de las tinieblas. Los miembros del cerrado grupo del rock saben que acabarán en el infierno. Ese es su destino. Pero los Campillo no tienen miedo: “Tú, como yo, no tenemos salvación. Iremos al infierno. Como Dios nos trajo al mundo. Al infierno, iremos al infierno. Como Dios nos trajo al mundo. Al infierno. No queremos cambiar”. Una declaración de intenciones. La música ni se compra ni se vende. Es su credo particular.

Campillo – ‘En la calle‘ (2009)

Pägana Records

El tema ‘La revolución sexual‘ es versioneado hasta la saciedad en este disco, solo apto para fans irremediables del autor de Amo a Laura. Pero hay algunas impresionantes, como la cantada en alemán, ‘Die sexuelle revolution‘, y que interpreta Françoise Cactus (Stereo Total). Hay otra en directo, una en coreano (grabada por Yeongene) y una en inglés.

‘La nueva Yma Sumac‘, convertida en una especie de himno, también tiene su correspondiente versión, esta vez en japonés (vídeoclip, dirigido por Jean Duprez), de la mano de The Aprils.

Esa es la parte central del disco, pero lo mejor está en varios temas para enmarcar: ‘Love is in the air‘ y la ‘Señora’ de Serrat. Luego, hay una alocada ‘Surf up & down‘ (Helen Love) a lo Plastic Bertrand y la versión de ‘Chicos malos‘, cantada en inglés por Duglas T Steward, de BMX Bandits. Los cuatro temas en directo se extrajeron del concierto MTV del año pasado en Barcelona.

Guille Milkyway nos traerá también parte de la banda sonora del bombazo cinematográfico de este otoño. Se trata de la película ‘Yo también‘, a estrenar el 12 de octubre, con 13 temas suyos y uno inédito de La casa azul. El vídeo que acompaña a este post corresponde a esta rumba, con imágenes de la relación entre un recién titulado universitario con Síndrome de Down y Laura, su compañera de trabajo. En dicha banda sonora también aparecen, entre otros, Camera Obscura, The Schools o Giorgio Tuma. El actor, Pablo Pineda, con su gran interpretación, se ha convertido en el primero con síndrome de Down en ganar la Concha de Plata en el reciente clausurado Festival de Cine de San Sebastián con esta película.

¿A qué editorial se le ocurre editar un libro con ilustraciones que ya están en internet? ¿No te pusieron cara rara al principio?

Más bien al contrario: les pareció muy buena idea. Al llevar dos años publicando la serie en internet ya tienes parte de la promoción hecha, dado que no es un libro que aparece de la nada sino algo que recopila material que la gente ya puede conocer. Es bien probable que alguien lo vea en una tienda, recuerde haber leído alguna entrega en internet y decida llevárselo a casa para leer el resto. En mi blog ya daba hace un par de días algunos motivos por los que es buena idea hacerse con el libro, aunque ya hayas leído las entregas allí donde se publicaron originalmente.

¿Cuándo vas a un concierto te pones en las primeras filas? ¿O ya has escarmentado de la gente que se te pone alrededor?

Cuando voy a un concierto procuro evitar las primeras filas, aunque más que por miedo a las fans locas, lo hago por el mal rollo y las situaciones tensas que puedo acabar generando entre los que acaben detrás de mí. A los altos no nos queda otra si no queremos tentar la suerte y salir de allí con un ojo morado.

Cuando te cruzas con algunos grupos… ¿no te echan mal de ojo?

Por suerte yo no tengo que dar la cara en ningún escenario para ganarme el pan, de modo que como no me tienen fichado, de momento no me he comido ningún mal de ojo en vivo y en directo. En cualquier caso, lo cierto es que más que de grupos y artistas con nombre y apellidos, en ‘¡Escucha esto!‘ suelo hablar más de generalidades aplicables a diferentes músicos. Lo cual, bien mirado, puede ser casi peor, ya que más de uno puede pensar que la cosa va por él aunque yo estuviera pensando en otro.

¿Qué porcentaje de los grupos que ves de actualidad deberían quedarse mejor en casa?

Principalmente, todos los que parecen estar sufriendo cuando se ponen a dar un concierto. Yo si voy a ver a un grupo es para pasármelo bien, así que cuando llego y me encuentro a cuatro funcionarios tocando así como por compromiso, me dan ganas de pedir que me devuelvan el dinero. Hubo un concierto de Interpol al que fui bastante entusiasmado y a la tercera canción ya estaba en la barra del bar de espaldas al escenario. Menudo desastre. Por suerte tenía entrada para ver a Wilco justo al día siguiente, quienes acabaron enmendando el tema y quitándome el mal sabor de boca del día anterior.

Confiesa: ¿eres un músico frustrado?

¡Qué más me gustaría a mí que ser un músico frustrado! En esto de la música es que ni llego a eso, mi capacidad para tocar un instrumento es completamente nula. Recuerdo un verano en el que un amigo me enseñó a tocar en una guitarra los primeros acordes de ‘Nothing else matters‘ de Metallica. Terminé olvidando cómo se tocaba en menos tiempo del que dura la canción.

¿No has pensado en formar un grupo que se llame Artista invitado o TBA?

Si algún día formo un grupo se llamará Artista invitado, TBA, Los Teloneros, Entradas Agotadas o algo por el estilo, te lo aseguro.

¿La tecnología nos va a volver gilipollas?

Ya está en ello. Aunque bueno, a cambio creo que también nos da cosas buenas. Yo soy más feliz desde que tengo toda mi discografía a un par de clics de ratón de distancia.

¿En qué estado ves a la industria discográfica?

Nerviosa. Es normal: las cosas están cambiando a un ritmo acelerado y cuesta saber de dónde se podrá estar sacando el dinero dentro de tres o cuatro años. Lo que sí que me parece una batalla completamente perdida es la de la piratería. Si el tiempo que dedican a combatirla lo empleasen en desarrollar nuevas formas de negocio creo que al final todos saldríamos ganando.

¿Cuál es el último disco que te has comprado? ¿Y que te has bajado?

El último que me he comprado ha sido ‘Principios básicos de astronomía‘, de Los Planetas. Aunque en realidad, más que por el disco, me lo he comprado por el cómic que trae de Juanjo Sáez, porque al tratarse de un recopilatorio son canciones que ya tengo en el resto de discos del grupo. El último que me he bajado ha sido ‘I told you I was freaky‘ de Flight of the Conchords. ‘Too many dicks (on the dance floor)‘ es un tema que todo DJ que se precie debería tener ya entre su repertorio.

Mójate: ¿Qué grupo podría llevarse el premio al grupo más caradura y por qué?

Bueno, más que grupo… aquello que grabó Scartlett Johansson hace cosa de un año y trató de colarnos como disco… vaya jeta, ¿no? ¿Tú lo has escuchado? Quiero decir, ¿has conseguido escucharlo? Porque yo te aseguro que lo intenté, pero no pude pasar de los primeros treinta segundos de cualquiera de las canciones.

¿Te crees la última bronca de los hermanos Gallagher?

¿Y darles ese gustazo? Ya volverán a los escenarios con el rabo entre las piernas en cuanto se hayan fundido la pasta de la última gira..

Sin embargo, el álbum que acaba de ver la luz, ‘Break up‘, a pachas con Pete Yorn y previo al ‘Anywhere I lay my head‘, ha estado tres años en el cajón por problemas de agenda, según éste. El caso es que, quizás por ser menos pretencioso, tal vez porque la actriz está en un muy cuidado segundo plano, ‘Break up‘ es el típico disco para guardar, no en el sitio privilegiado de nuestra estantería, pero sí a mano para tirar de él en momentos de bajón sentimental. Un disco optimista, a pesar de que la ruptura amorosa sea su leitmotiv.

Pete Yorn ha manifestado que con este trabajo y la colaboración con Scarlett Johansson lo que quería era recuperar el espíritu de los ’60s de Brigitte Bardot y Serge Gainsbourg. Hombre, eso es una respuesta que queda muy bien en las entrevistas pero él seguramente sabe que decir eso es casi un sacrilegio. Exageraciones aparte, ‘Break up‘ contiene buenas baladas como ‘Someday‘, ‘Clean‘ (para destacar entre esos dúos tan característicos de este disco), ‘I am the Cosmos‘ (una de las mejores interpretaciones de la Johansson y que es una versión del tema de Chris Bell) y ‘Shampoo‘ (con una bella melodía en el estribillo y donde Pete Yorn parece haber encontrado la agilidad musical, a la vez que se escapa un poco de las estructuras aparentemente ingenuas y espontáneas del resto del álbum). Y, sobre todo, ‘I don’t know what to do‘, una perfecta composición típicamente americana de las que yo podría estar escuchando una noche entera (en no menos perfecta compañía).

Son sólo nueve canciones (lo justo, según Pete Yorn) donde hay ritmos claramente destinados a las emisoras de radio. ‘Relator‘ abre el álbum para hacernos mover los pies (en el vídeoclip que acompaña a este post): un single en toda regla. Pero también se puede bailar con ‘Search your hear‘, donde brilla otra vez la sugerente voz de Scarlett Johansson en medio de una melodía meramente pop. Y ‘Blackie’s dead‘, donde hay profusión de guitarreo.

Un matrimonio musical, en definitiva, que no debería romperse como indica el título del disco. Podría ser muy fructífero.

Pete Yorn & Scarlett Johansson – ‘Break up‘ (2009)
Warner

Juanma, esto está siendo una locura. ¿Sabrías decirme cuántos conciertos y entrevistas lleváis en el último año?

Pues si te digo la verdad, ahora mismo no tengo ni idea [le pregunta a un compañero]. Cuando acabe el año serán unos 70. En 2008 hicimos también unos 60. De entrevistas sí que he perdido la cuenta, pero oye, que se hacen con mucho gusto.

Con giras tan largas, ¿no os mandáis a la mierda los ‘vetustos’? Tenéis que acabar hasta las narices los unos de los otros…

Pues alguna vez sí, ¿eh? [risas]. No en serio, nosotros nos conocemos desde hace muchos años y algunos incluso éramos amigos de antes. También ten en cuenta que llevamos diez años juntos, así que hemos aprendido a convivir y a llevar juntos los momentos buenos y los malos.

Ahora mismo llenáis todos vuestros conciertos y la gente os trata con mucho cariño. ¿No tenéis ese pequeño miedo que a veces tiene el artista al abandono?

Hombre, un poco de eso sí que hay, porque siempre te agrada gustar a la gente, pero bueno, está claro que no haces música pensando en lo que le va a gustar a los demás, sino simplemente intentando transmitir. Pero bueno, también es cierto que tampoco escribes sólo para ti, sino para compartir con la gente, aunque no estés pensando en ella.

Por cierto, me dice un compi que son más de 30 los conciertos que llevamos en 2009.

Hay gente que dice que le gustabais hace un tiempo, pero que ahora se ha cansado de vosotros porque estáis en todas las radios independientes, en todos los festivales y en todos los premios. ¿Os sentís un poco cansinos, como creen algunos?

Pues espero que no. Sí es cierto que en el último año hemos tenido una repercusión mediática muy fuerte y puede haber gente que esté cansada de nosotros de vernos hasta en la sopa. Pero claro, es que hay mucha gente que antes no nos conocía y nos ha conocido por esto, y nosotros queremos llegar hacia todos ellos. Pero sí, alguna vez nos han hecho comentarios, unos bienintencionados y otros no tanto, pero incluso nuestros fans de siempre están orgullosos de que ahora salgamos en todas partes, ya que se sienten como parte del éxito. Pero no, no somos un grupo cansino.

También es verdad que los ‘fans’ a veces somos muy cabrones, ¿no? Un día adulamos a un grupo y al siguiente lo ponemos a parir.

Bueno, hay de todo [risas]: el que te manda a la mierda, el que te sigue… Pero en fin, son las reglas del juego y hay que saber jugar, porque no siempre es fácil enfrentarse a todo, a veces es duro llevar las críticas. Es difícil ver que hay gente que ya no es que le gustes o no le gustes, sino que te critican y se lo toman como algo personal, y a veces es muy duro llevar eso. Del mismo modo, también hay que estar preparado para los halagos excesivos. Como te decía antes, son las reglas del juego.

¿Qué pasará si a la gente no le gusta vuestro próximo disco? ¿Explotará la burbuja Vetusta Morla?

Todas las burbujas tienen que explotar, aunque no creo que nosotros estemos en una. La verdad es que algunas veces echamos de menos esa sensación de tener que demostrar quiénes somos. Sin que esto suene pretencioso, lo cierto es que hay veces que salimos al escenario con el público ya entregado, así que, si con el paso del tiempo la gente deja de escucharnos, nos volveremos a sentir conquistadores intentando levantar y animar al público. Nosotros seguimos haciendo nuestros temas, los vamos mostrando en los conciertos y parece que a la gente le van gustando. Pero oye, si en el futuro a la gente no le gustan nuestras canciones, pues nada, cerraremos el chiringuito y volveremos a hacer canciones en secreto.

¿Cómo valoráis YouTube? Está bien porque la gente puede hacerse una idea de vuestros conciertos y luego ir a veros, pero lo cierto es que os fastidian todas las sorpresas. En Sharabbey Road, la novedad está en hacer cantar al público unos coros nuevos, pero resulta que la gente lo ha visto en YouTube y ya en el concierto sabe lo que hay y ya va preparada a vuestros conciertos. ¿No se pierde un poco la magia?

Sí, la verdad es que sí. Internet tiene sus aspectos positivos y negativos, y uno de los negativos es éste que tú comentas, que se pierde un poco el misterio, lo que era sagrado. En general es curioso todo esto de internet: antes comprarse un disco era algo casi místico y nos lo sabíamos de pe a pa, y ahora llevamos no sé cuántos mil discos en el iPod y ni siquiera recordamos el título. Pero bueno, es que todo es un signo de los tiempos, es difícil luchar contracorriente; es más sabio aprovechar los aspectos positivos, como la difusión y la horizontalidad que tiene, todo es de igual a igual, de persona a persona, y no hay ninguna discográfica que te dice lo que tienes que escuchar.

“Saber que no os puedo aniquilar no es suficiente para firmar la paz”. Aparte del sentido que tenga esta frase en la canción, ¿qué otros sentidos le ves tú como persona? ¿A qué la podemos aplicar?

Se puede aplicar a muchísimas cosas, y la mejor prueba es la propia historia de esa canción. Yo hice la música y tenía la letra para las estrofas, pero no para los estribillos, así que se la mostré a Pucho [el cantante] y él sacó ese punto de vista político y de belicismo. Y la verdad es que esa no era mi intención…

¿Y cuál era la original?

Pues la original era una metáfora. Yo quería hablar de las personas, de nuestras relaciones personales, de cómo es muy difícil convivir con otras personas aunque estemos obligados a ello… en fin, yo hablaba de esa pequeña guerra que es a veces que las personas convivan entre ellas. Pero me encantó que él lo interpretase de otra forma, porque así la canción tiene muchos más sentidos: el mío, el de Pucho y el que le pueda dar cada persona que escuche el tema.

A veces los periodistas somos muy típicos a la hora de hacer preguntas y os planteamos dudas que le interesan a la gente pero que a lo mejor a vosotros no tanto. Por eso te pregunto: ¿Qué pregunta te gustaría que te hubiese hecho en esta entrevista?

Antes de eso yo voy a romper una lanza a favor de los periodistas, ya que yo he sido periodista durante diez años. Y oye, que tampoco es tan fácil entrevistar a un músico y ser original: una banda de rock es una banda de rock, de modo que el tema de conversación es muy limitado.

Dicho esto, te comento que me gustaría hablar de un proyecto que hemos hecho hace poco para Aldeas Infantiles. Nosotros y otros nueve grupos grabamos unas nanas para dormir a los niños y en SuperNanas.org se pueden descargar por un euro cada canción, y todos los fondos van para Aldeas Infantiles.

A finales de los ’80s, Elvis Costello va reorientando su ímpetu inicial hacia otros estilos más sosegados. En 1989 colabora con Paul McCartney en ‘Spike‘ y más adelante hace incursiones en la música clásica con ‘The Juliet letters‘ y The Brodsky quartet (1993). En ‘North‘ (2003) nos revela su amor por Diana Krall, con la que se casaría un par de meses después.

‘Secret, profane & sugarcane‘, es su último disco, pero no es el único que Costello ha dedicado a la música country. Eso sí, es el primero para la cadena Starbucks. Está producido por T. Bone Burnett, que ya retocó ‘King of America‘ (1986), y grabado en la ciudad del country, Nashville.

Después de treinta y tantos discos, tocando muchos palillos musicales y haciéndolo con fuerza, elegancia, delicadeza y pureza, solo se puede hacer un disco como el que Elvis Costello nos ofrece ahora. Un disco acústico sin batería (excepto por la guitarra eléctrica del sr. Burnett), en el que brillan mandolinas, violines y banjos.

Si me lo permite el lector, pido disculpas por el atrevimiento, vamos a reordenar las canciones bajo un criterio que nos permitirá entender mejor la esencia de ‘Secret, profane & sugarcane‘.

En primer lugar, escuchen las deliciosas baladas que Elvis Costello compuso por encargo de la Ópera Real de Dinamarca, a propósito del bicentenario de Hans Christian Andersen: ‘How deep is the read‘, ‘She was no good‘, ‘She handed me a mirror‘ y ‘Red cotton‘. Y una más, típicamente costelliana: ‘I dreamed of my old lover‘. Luego disfruten con la versión tranquilita de ‘Changing partner‘, de Bing Crosby. ¿Un poquito de animación?: empiecen a mover los pies con ‘The crooked line‘ y los coros de Emylou Harris.

A partir de ahí, el disco es una sucesión de impecables temas, donde Elvis Costello recorre los ritmos más clásicos de la música americana: ‘Sulphur to sugarcane‘ (en el vídeo-clip que acompaña a este post), ‘I felt the chill before the winter came‘ y ‘Complicated shadows‘. Este último tema es uno de los dos que fueron escritos para Johnny Cash. El otro es el galopante ‘Hidden shame‘.

Y solo en ese momento, ya contagiados por el espíritu country, podemos deleitarnos con la increíble ‘Down among the wines and spirits‘ y la apoteósica ‘My all time doll‘. ¡Y vuelta a empezar!.

La Habana, una ciudad cargada de cánticos, música, danza, sonidos… el ritmo en La Habana no cesa. ¡Al son de rumba, hermano!

Pero no sólo hay rumba, salsa y boleros en Cuba. Fue una gran sorpresa encontrar en pleno centro de la ciudad un grupo de cubanos cantando por bulerías y una cubana con aspecto gitano taconeando en una tabla al son de la música. El mulato que observa el espectáculo desde el exterior no fue el único cautivado por el flamenco en Cuba, muchos cubanos han sentido atracción por este arte.

La fusión de la rumba con el flamenco, la conocida como rumba flamenca, es en Cuba un estilo de música y baile que ha tenido gran cantidad de seguidores. Una expresión de los sentimientos gitanos, la pasión del flamenco y el ritmo de Cuba.

En boca del guitarrista cubano Reinier Mariño, uno de los más exitosos cultivadores de la música flamenca en Cuba, estuvieron estas palabras: “Aunque el flamenco es andaluz, los cubanos lo intentamos hacer a nuestro modo, pues gusta mucho en Cuba y lo hacemos con el corazón”. Y añadió: “Los cubanos estamos cargados de ritmo, de cubanía, de sabrosura. La forma de bailar flamenco de la cubana no es como la de la española, que tiene más duende, pero mi forma de tocar la rumba flamenca es más soneada y ellos (los españoles) la tocan más arabesca”. El guitarrista reconoció que el flamenco “está abarcando muchos espacios en Cuba vinculándose o fusionándose con otros ritmos como el rap, el rock, la salsa, la trova, el feeling y el jazz”.

La música y la danza son lenguajes internacionales y para todo español debería ser un gran orgullo que la música y danza flamenca hayan cautivado a esta isla cargada de ritmo y, sobre todo, como dice Reinier, que se baile y cante con el corazón.

En ‘My maudlin career‘ (algo así como su carrera llorica), aparte de iniciar andadura con nueva casa (4AD), hay una extraña ambiguedad. Por una parte, parecen reforzar el concepto de su anterior trabajo ‘Lets get out of this country‘. El arranque y carta de presentación, ‘French navy‘ es todo un himno (vídeo que acompaña a este post) y le siguen unas cuantas melodías con los arreglos típicos. Irresistibles son ‘You told a lie‘ o ‘Swans‘. Sin embargo, Björm Yttling, que realiza un trabajo de producción más que aceptable, subraya los matices clásicos del grupo y crea otros nuevos. Hay cierta exploración de nuevos caminos en este disco. Y en ese aspecto, a diferencia de los tres anteriores, lo convierte en un trabajo muy interesante.

Por ejemplo, ‘Careless love‘ y ‘Other towns and cities‘ se alejan un poco de los vericuetos conocidos y parecen estrenar un nuevo rumbo que se nota mucho también en la canción que da título al disco ‘My maudlin career‘. Incluso se atreven con el country en ‘Forest and sands‘.

El amor y el desamor es la temática estrella del pop. Y Camera obscura son especialistas en ello. El útlimo tema de este disco se llama ‘Honey in the sun‘, toda una declaración de intenciones.

Si te gustan Belle & Sebastian que, aunque les pese, son la influencia más clara de Camera Obscura, y esa musiquilla de estilo indie tan característica, éste es tu disco.

[Camera obscura en MySpace]

Camera obscura, ‘My maudlin career‘, 2009
4AD

Muchos son los errores que se le puede echar en cara a la organización del Extremúsika, pero sólo unos pocos, de tan flagrantes, le han sido reprochados con intensidad por parte de la mayoría de los 72.000 asistentes. El más repetido: la lluvia. Obviamente, no se puede culpar a los promotores de un festival de las condiciones meteorológicas en que se desarrolla, pero sí de no haber puesto los medios necesarios para combatirlas (carpas en la zona de conciertos, gravilla o asfalto en lugar de arena, un aparcamiento cubierto…) pese a que incluso las previsiones más optimistas auguraban el mal tiempo que se vivió en Mérida (provincia de Badajoz, Extremadura) durante los días 16, 17 y 18 de abril, en los que transcurrió el evento.

En primer lugar, el espacio reservado para la acampada es considerablemente menor que el disponible en Viña Rock, donde además se observan unas medidas de seguridad mucho menos estrictas. Por no hablar de la distancia del campamento al centro de Mérida y de las dificultades de los vehículos para atravesar los caminos anegados de barro del aparcamiento, sus accesos y salidas. La sensación de aislamiento sólo se vio compensada por la existencia de un servicio especial de autobuses a cargo de la Empresa Municipal de Transportes (no de la organización), que se convirtió en el único medio por el que los allí reunidos mantuvieron el contacto con la civilización y pudieron desplazarse en busca de víveres, vituallas e incluso de satisfacer sus necesidades más básicas. Y es que ni los estómagos más ‘heavies‘ pudieron aguantar las antihigiénicas letrinas habilitadas a tal efecto, y en escaso número, en el recinto del propio festival.

A pesar de todo, lo que los melómanos de pro esperan de un evento como este es presenciar buenos conciertos (cuando la calidad del sonido consiente), sentirse cerca de sus ídolos (en la medida en que es posible tras un foso de cuatro o cinco metros) y disfrutar en compañía de sus amigos un ambiente de fiesta con alcohol (demasiado caro), sexo (sólo los más afortunados) y el rock’n’roll de calidad. Y esto último lo hubo en abundancia: de todas las formas y colores, para todos los gustos, interpretado por veteranos y también por noveles. A continuación, el ‘top metálico‘ del Extremúsica

Boikot

Después de las correctas actuaciones de los personalísimos Rosendo y Albertucho, esta banda madrileña de punk-rock combativo con toques de ska cerró la primera noche del festival con un concierto cañero, en el que no faltaron los bises demandados a gritos por el respetable, temas de su último disco ‘Amaneció‘ (como la potentísima ‘Skalashnikov‘), ni clásicos como ‘Inés‘, ‘Korsakov‘, ‘Tierra quemada‘ o ‘Hasta siempre‘, que el público coreó hasta la afonía. Lo mejor del primer día para los amantes del rock duro.

Skizoo

El viernes, respetados por la lluvia pero a unas injustas e inmerecidas ocho menos diez de la tarde (demasiado pronto), saltaron al escenario los cincos miembros de esta banda que los periódicos locales (sin citarla, pero consultando la Wikipedia) se empeñaban en describir como herederos de los desaparecidos Söber. De ser así, en honor a la verdad hay que decir que Jorge Escobedo y Antonio Bernardini han sabido conservar lo mejor de su “banda madre” y añadirle el toque de distinción que le faltaba: la voz y la personalidad de Morti y la incansable troupe de fans que les sigue en cada concierto y que, cómo no, pidió y obtuvo su ración de bises.

Entre otros trallazos, deleitaron al personal con tracks de su último trabajo, ‘Tres‘, como ‘Skizoofrénico‘ o ‘La cara oculta de la luna‘ y otros que ya son auténticas piezas de culto para sus seguidores, como como ‘Habrá que olvidar‘, ‘Dame aire‘ o ‘Renuncia al sol‘, por citar sólo tres de los más representativos.

El Noi del Sucre

Con esta nueva tarjeta de presentación, homenaje al mítico anarquista Salvador Seguí, la antigua banda Los muertos de Cristo regresaba a un festival del que la pasada edición, debido a la cancelación de su concierto, se fueron con la espinita clavada. Y no queda duda alguna de que se la quitaron. Y quién sabe si de paso no se metieron en un buen lío.

Y es que ya prometía su líder, Lorenzo Morales, que en Mérida tendría “un debut y un concierto inolvidable”, y vaya si cumplió con su promesa. Para mal o para bien, todos los asistentes habrán grabado en su cabeza el momento en que, como colofón del clásico ‘Dios salve al rey‘ y ataviado con su tradicional disfraz de arlequín (o de jóker de la baraja, como se prefiera), Lorenzo prendió fuego a los retratos del dictador Franco y de don Juan Carlos, el actual monarca español. Una provocación en toda regla, con peligrosas consecuencias jurídicas, que no dejó indiferente a nadie y arrancó una sonorosísima ovación de su público y del que se congregaba en el escenario contiguo esperando el concierto de Mägo de Oz.

Mägo de Oz

Después del desagradable incidente en el Viña de Paiporta, donde les cortaron la luz por pasarse del tiempo acordado, la banda venía dispuesta a brindar a su público un gran concierto, pasara lo que pasara. Y la verdad es que pasar, pasó de todo. El concierto, por problemas de sonido, empezó con bastante retraso y estas dificultades técnicas, que se repitieron durante todo el concierto, unidas a que la organización no permitió los bises, hicieron que el concierto dejara a los asistentes con ganas de más.

Especialmente cuando se trataba de un concierto de los que no se ven habitualmente, parte de una gira especial en la que el grupo vuelve a los orígenes a petición de sus seguidores, interpretando exclusivamente temas de sus tres primeros discos: ‘Mägo de Oz‘, ‘Jesús de Chamberí‘ y ‘La leyenda de La Mancha‘. Incluida una canción tan poco habitual en su set list como ‘La canción de Pedro‘, que hizo las delicias de los fans más incondicionales.

Finalmente, a pesar de que José cantó muy desconcentrado, pues no le llegaba el sonido de sus compañeros a través del monitor y no podía seguir el ritmo de las canciones (hasta el punto de pedir a Moha que se acercara con el violín para escucharle de cerca), lograron sacar adelante una actuación bastante aceptable, de la que se agradecen más las ganas que le echaron que el resultado que, por las pésimas condiciones, les fue posible ofrecer.

Breed 77

Recién aterrizados desde Londres (aunque irónicamente sin retrasos, según ellos gracias a los excelentes técnicos del festival), llegaron los gibraltareños a dar la sorpresa y convertirse en una de las grandes revelaciones del Extremúsica. Al ser una banda joven, que prácticamente no ha tenido repercusión en nuestro país (hace poco que sacaron un recopilatorio en castellano de sus mejores canciones), pocos eran entre el público los que conocían sus canciones. No obstante, y a pesar de la lluvia, lograron congregar a una notable cantidad de almas con trallazos como ‘Quiero vivir‘, ‘El mundo en llamas‘, ‘La última hora‘, ‘Petróleo‘, su versión del ‘Zombie‘ de The Cranberries (la más coreada) y gracias al magnetismo de Paul Isola, su agraciado vocalista. Absolutamente recomendables.

Koma

Para cualquier festival, contar con los navarros es garantía de éxito, independientemente de la hora (¿quién tomó la decisión de ponerlos a las 5 y 20 de la tarde?) o de las condiciones meteorológicas en las que toquen. Y es que Brigi y sus chicos son expertos en caldear el ambiente, en tomar el protagonismo aun cuando el cielo quiere monopolizar la velada.

Así que, sin concesiones a la lluvia o el frío, los incansables luchadores de Koma emprenden el ‘Sakeo‘ que da título a su último disco y acto seguido comienzan a desgranar las joyas clásicas de su repertorio. Auténticos himnos que hacen enloquecer al respetable, como ‘Mi jefe‘, ‘El marqués de Txorrapelada‘, ‘Bienvenidos a Degüelto‘ o ‘Aquí huele como que han fumao‘ ¡Incluso una versión del mítico ‘Con las botas puestas‘ de Barón Rojo! Toda una declaración de intenciones…

Warcry

Llegaron a Mérida con su último trabajo de estudio, ‘Revolución‘, en plena gira de presentación y, como no podía ser de otra manera, pusieron mayor énfasis en las canciones nuevas que en los clásicos. Una verdadera lástima para algunos de los fans de los comienzos, que hubieran preferido escuchar ‘Capitán Lawrence‘ antes que ‘La última esperanza’, a pesar de que es fantástica, o la ‘Nana‘ antes que ‘Nada como tú‘, a pesar de que ambas son conmovedoras.

Ska-P

Sin duda los grandes triunfadores del festival, tanto por asistencia de público (batieron a cualquier otro grupo), como por expectativas satisfechas. Sus conciertos son bailables desde la primera a la última canción, su escenografía compleja y cuidada, su mensaje contundente y sus ganas de fiesta envidiables. Críticas sobre la coherencia ideológica de sus miembros aparte, las letras de la banda combaten duramente las grandes lacras de nuestro tiempo: telebasura, pederastia, guerras de religión, niños soldado… Y, encima, es imposible resistir la tentación de saltar al ritmo de sus melodías y repetir (incluso si es la primera que se escuchan) sus pegadizos estribillos.

Una anécdota curiosa: el más impasible de los vigilantes de seguridad, un hombre que había permanecido inmutable, casi hierático, durante el resto del festival, se arrancó a gritar, puño en alto. Desde el foso que separa el escenario de la primera fila se escuchaban sus voces: ‘¡Intifada, liberación!‘ Es el poder de Ska-P para mover a las masas. Buena música, conciencia social, exceso de alcohol… Cada uno tiene su razón para moverse. Pero nadie se queda quieto.

‘Andrés, obras incompletas‘ es un impecable boxset compuesto de 6 CDs, 2 DVDs y un libro de 184 páginas con las letras y comentarios de diversos artistas relacionados con los temas. Una recopilación de la historia musical de Andrés Calamaro dividida en tres discos con los hits más conocidos de su etapa post-Rodriguez, mas otros tres con rarezas, siendo esto último lo más interesante de la caja porque sale a la luz parte de su inmenso archivo y donde se pueden descubrir auténticas joyas. Hay temas verdaderamente oscuros pero que es necesario conocer para entender y atender la totalidad de la grandiosa obra de AC.

Andrés Calamaro realiza una selección personal de canciones grabadas durante el periodo 1997-2007 que, en sus propias palabras, recogen lo más popular, lo más rockero, lo más poético, lo más interesante, lo más profundo y lo más atrevido. Es una colección para fans pero sus tres primeros CDs son el “grandes éxitos” ideal, con temas que ya son clásicos como ‘Alta suciedad‘, ‘Te quiero igual‘, ‘Estadio Azteca‘, ‘La parte de adelante‘, ‘Corazón en venta‘, ‘La libertad‘, ‘Los aviones‘ o ‘El cantante‘.

Los discos de la segunda parte, como decía, y con 18 canciones cada uno, merecen un análisis individual. El 4º CD contiene temas inéditos en la obra publicada de AC. Por ejemplo, hay una rumbera, ‘Ranchada de los paraguayos‘, rescatada de un disco del inigualable Niño Josele. Este cuatro estrellitas (abrimos paréntesis para destacar el buenísimo diseño gráfico del boxset) contiene un par de homenajes. Y es que la música de AC ha sido adornada desde siempre con el trabajo, bien literario, bien musical, de grandes figuras. Atención a ‘Mal en mí‘, con Norberto Pappo Napolitano y a ‘Qué clase de rico será’, con Miguel Abuelo Peralta. De lo mejor de estas ‘Obras incompletas’, este 4º disco, repasa también ritmos rollingstonianos y beatlemaniacos de la etapa de ‘Alta suciedad’ y ‘Honestidad brutal‘. Si sólo se hubiese publicado este cd ya estaríamos ante una gran recopilación.

En el 5º CD, AC realiza una apuesta más arriesgada. Pero el resultado es igualmente brillante porque entre caricias al hip-hop, al jazz (ayudado en cinco temas por Jerry González) y al house, hay perlas como ‘Duermen los niños‘, otra canción por la que ya merece la pena tener el boxset y que lleva la colaboración de Javier Limón y letra de David Trueba para su film ‘Bienvenido a casa‘. Hay también dos preciosos temas de la película ‘El delantal de Lily‘, de Mariano Galperín: ‘Sí, quiero‘ y ‘Vivir de pie‘ (aunque esta última no se incluyó finalmente en la banda sonora). Y en medio de todo esto, la genialidad letrística de otra de las constantes en la obra de AC: Marcelo Scornik y su introspectiva ‘Mono de Kubrik‘.

Para el sexto CD, AC deja el selecto apartado de versiones. Ahí no podían faltar ni canciones de Sabina (’Contigo‘) ni, por supuesto, los tangos (’Cafetín de Buenos Aires‘ o ‘El día que me quieras‘). Pero es en los covers en inglés donde AC se despacha como a él le gusta, desatando generosamente la instrumentación, acentuando voces como si él fuese realmente de Liverpool o New York. Pone su máxima emoción en interpretar las canciones como si él fuese el mismo Paul McCartney o su añorado Bob Dylan, al que tuvo el honor de estrechar una mano cuando fue su telonero. Y puede, tal vez, que ‘Tomorrow Night‘ esté, de alguna forma, guiada por las manos del viejo Dylan.

Todavía hay algunos bonus track adicionales, fuera de créditos y, claro está, los vídeos. ‘Imágenes paganas‘ y ‘Antihéroes‘ son los títulos de ambos DVDs, impagable documento en el que se pueden ver en acción a compañeros desaparecidos como el guitarrista Guillermo Martín y a sus inseparables amigos: Niño Bruno, Candy Caramelo, la Bersuit o Ariel Rot. Imágenes para comprobar la fuerza que tiene AC en directo o la magia de sus clips.

Habrá ‘Obras incompletas II‘, seguro. De lo cual nos alegramos infinitamente.

Para conocer un poco más a esta chica, que moderniza la chanson francesa como nadie, diremos que es nieta de Peggy Ashcroft, ganadora de un oscar en 1984 por la película ‘Pasaje a la India‘.

En ‘Pays sauvage‘ se dibuja un mundo onírico, repleto tal vez de recuerdos, quizás de una imaginación desbordada, a base de lecturas donde las personas nunca se muestran como son y los paisajes naturales proveen innumerables criaturas de todo tipo. Están el amigo que desaparece, en ‘Fait battre ton tambour‘, o el recuerdo nostálgico por la lejanía de una hermana (’Sister‘).

Musicalmente hablando, este álbum es un compendio de ritmos y estilos, interpretados con instrumentación que va desde el violochelo hasta el ukelele. Con tambores y coros infantiles se pueden hacer verdaderas joyas. Escuchen ‘Dis moi que tu ne pleures pas‘, que lleva la participación del músico Danyel Waro, nacido en La Réunion y gran figura de la música maloya, y díganme si no es la mejor canción que han escuchado en mucho tiempo.

La primavera ha venido y nadie sabe como ha sido. Y yo me voy con Emily Loizeau a esa encrucijada de caminos donde empieza el otro lado del mundo.

Emily Loizeau en YouTube

Emily Loizeau, Pays Sauvage (2009)
Universal Music France/Polydor.

Pero ‘Absolutamente‘ no es un disco que odie especialmente por su contenido, del cual podemos salvar dos o tres canciones, sino porque, de alguna forma, es una especie de burla para sus fans. Supone un paso atrás en la carrera musical de Fangoria, formada por nueve discos de estudio. En ‘Las walpurgis te van a llamar‘, uno de los peores temas de la historia del pop hispano, parecen confesarlo: “A veces el futuro se niega a continuar, es demasiado duro y da marcha atrás”.

No hay ni chispa ni ingenio en esta insulsa colección de canciones, sin letras punzantes, como sí había en sus discos anteriores. El concepto está vacio y carece de gracia. Sabiendo que la grabación se realizó en los Dean Studios de Londres y que ha sido mezclado en los Estudios Hansa de Berlín, donde trabajó el mismísimo David Bowie, lo de ‘Absolutamente‘ se puede calificar de delito. La producción de Neal X y Tony James recuerda, en algunos temas, a las maquetas artesanales de aquellos grupos de la movida. Pero estamos en el siglo XXI y hacer canciones como ‘Lo poquito agrada y lo mucho enfada‘, demasiado trivial, es de juzgado de guardia. Otras intentan sonar a Dinarama, lo que es casi un sacrilegio, o a Nancys Rubias, lo que es inaguantable. O a OBK, como ‘Perdiendo los papeles otra vez‘, lo que es incomprensible.

Aún así, hay tres temas que se salvan. Un pegadizo ‘En el centro del universo‘, ‘La pequeña edad de hielo‘ o el single ‘Más es más‘, en los que se ve un poco de luz. Hasta en ‘Ensayo para una despedida‘. El resto es para quemar, por la bendita memoria del pop-dance y el glam-rock, o por la gloriosa memoria de la movida ochentera.

‘Love, etc.‘ es un impecable single en el que la pareja nos instruye en los trucos para conseguir el amor con el que desde hace algunos meses se adelantaba el elepé. Y su cara B, una canción que no se incluye en ‘Yes‘, es un alegato a favor del joven brasileño que fue asesinado por la policía británica en julio de 2005. En ‘We’re all criminals now‘ se reflexiona acerca de la sociedad de control que impera en el Reino Unido, sobre la vigilancia extrema e intrusiva por parte del Estado, una cuestión terrible, pues sin el derecho a la privacidad no estamos tan lejos del ‘1984‘, según Pet Shop Boys. Así que, en la temática, nada nuevo, lo que es de agradecer. Porque Pet Shop Boys son maestros en reflejar la cara y la cruz de esta sociedad.

En ‘Yes‘ hay una buena colección de temas con la música típica del dúo, esos que están formados por deliciosos y pegadizos estribillos. ‘Beautiful people‘ y ‘Did you see me coming?‘ son una buena muestra de ello. Los arreglos son excesivamente pomposos (y un poco plomizos) en algunos casos, como en ‘Legacy‘, culpa de Owen Pallet, demasiado preocupado por orquestizar la obra. Es posible que el asunto sobre el que versa la canción sea el motiivo: el mundo en crisis que nos dejó la alianza Blair / Bush y que recibirán las generaciones venideras.

Por otra parte, la colaboración a la guitarra de Johnny Marr, ex miembro de The Smiths, aporta alegría y un toque distinto a lo que estamos acostumbrados a escuchar en la música de Lowe y Tennant. Hay esperanza en ‘Vulnerable‘ y ‘More than a dream‘. Y, cómo no, desamor, eso que PSB saben narrar a la perfección. En ‘Pandemonium‘, una canción en un principio escrita para Kylie Minoge, se cuenta la turbia relación entre Kate Moss y Pete Doherty, ex cantante de The Libertines.

Pero para mí la perla es ‘The way it used to be‘, una canción paradójicamente sin estribillo que termina con uno de los finales más emotivos que he visto últimamente: una ruptura en pleno Nueva York y con unos violines desgarradores. El tema por el que merece la pena ‘Yes‘. Otro con muchas melodías (algo que me apasiona) es ‘More than a dream‘.

En fín, un álbum inequívocamente PSB, posiblemente de los tres o cuatro mejores de su carrera y nada aburrido. Parafraseando su ‘You need more, you need more‘ del ‘Love, etc.‘, nosotros necesitamos más discos como éste.

‘Yes‘ se publica también en formato digital con una extensión de unos 48 minutos compuesta por los comentarios de Neil y Chris. Además, está la edición especial con un bonus CD titulado ‘etc.‘. Ahí se incluye ‘This used to be the future‘, una canción en la que participa Philip Oakey (Human League).

Cortes del bonus CD:

• 1. ‘This used to be the future’
• 2. ‘More than a dream (Magical dub)’
• 3. ‘Pandemonium (The stars and the sun dub)’
• 4. ‘The way it used to be (Left of love dub)’
• 5. ‘All over the world (This is a dub)’
• 6. ‘Vulnerable (Public eye dub)’
• 7. ‘Love etc. (Beautiful dub)’

El single ‘Love etc‘ se comercializa en dos formatos. Uno es ‘Digital bundle 1‘, que consta de ‘Love etc.‘, ‘Vulnerable‘, ‘Did you see me coming?‘ y ‘We’re all criminals now‘. El segundo es ‘Digital bundle 2‘, con ‘Love etc.‘, un remix de Pet Shop Boys, Gui Boratto, Kurd Maverick y Frankmusic Star & Garter dub.

Tras la disolución de The Smiths, Morrissey no abandonó la música. Muy al contrario, ha llegado hasta nuestros días con el mismo espíritu rockero. Con altibajos y trabajos como ‘Years of refusal‘, su noveno disco en solitario que parece haber sido hecho con la tranquilidad del que conoce su oficio y el terreno que pisa.

Este disco fue producido por Jerry Finn que falleció el año pasado y que se caracterizó por su gusto por el punk. En este disco, sin embargo, Morrissey desgrana una colección de canciones de amor adornadas con duro rock y algunas baladas. Hay dos partes claramente diferenciadas, separadas por un interludio de rock casi al estilo fronterizo, salvando las distancias, de Calexico. Un implacable ‘When Last I Spoke To Carol‘ y un alegre ‘That’s How People Grow Up‘. Este último, junto con ‘All You Need Is Me‘ son temas inéditos pensados para el ‘Greatest Hits’ (2008) y que fueron descartados. Pero antes de este intermedio, alarde de baterías y guitarreo en ‘Black Cloud‘ o ‘I’m Throwing My Arms Around Paris‘, un tanto pastelera y con cuyo vídeo ilustramos este post.

La segunda parte, es más interesante. Comienza muy fuerte con ‘One Day Goodbye Will Be Farewel‘, una bella canción con las relaciones de amor-odio como protagonistas. La tranquilidad contenida llega con ‘It’s Not Your Birthday Anymore‘ y ‘You Were Good In Your Time‘, la balada que vale por todo el disco. Morrissey elige dos canciones para terminar que son rúbrica. ‘Sorry Doesn’t Help‘ y ‘I’m OK By Myself‘, ritmo, voz y estilo típicamente Morrissey.

De aquel chico que cantó descalzo en el programa ‘Top of the tops’ con The Smiths, en 1984, (emulando a la sesentera Sandie Shaw) puede que sólo quede la esencia. En ‘Years of refusal‘ se esfuerza por demostrar que la nueva ola todavía existe. Y eso es de agradecer.

[Morrissey en MySpace]

Morrissy, ‘Years of refusal‘ (2009)

Raíces edita cuatro discos más: ‘Los habitantes de la rutina‘ (1980), ‘Empalme‘ (1994), ‘Ey bo road‘ (1997) y ‘Raices en vivo‘ (1999). Calamaro, sin embargo, apenas estaría en el grupo un par de años. Y fue precisamente en el EP ‘Ey bo road‘ cuando el artífice de ‘El salmón‘ volvió a la banda para interpretar el extraordinario tema “Candombe de las esquinas‘ (en el videoclip que acompaña a este post).

En 2008, al cumplirse los 30 años del nacimiento de Raíces, Satragni, Calamaro, Jimmy Santos (percusión), Juan Carlos Tordó (batería) y Alberto Bengolea (guitarra) volvieron a la carga para grabar ‘Raíces, 30 años’, un disco en el que canta el inefable Litto Nebbia, poniéndose además a los mandos de la producción en su propio estudio, Melopea. En este regreso especial no solo hay temas del ‘B.O.V. Dombe‘. También está ‘Mi abuelo Jacinto“, del segundo disco y algunas canciones de la ultima etapa como ‘Llegó el tambor‘ y ‘Somos todos candomberos‘. Y temas de Calamaro como ‘Mancada la pampa‘ y ‘De las dos orillas‘. En ‘Flor de acero‘, epílogo del disco y grabada a caballo entre Nueva York y Buenos Aires, interviene Randy Brecker en un solo de trompeta.

Un estupendo trabajo, no solo para recordar viejos tiempos sino para poner al día la música que ha influenciado a tantos músicos: “Nos juntamos para vernos de nuevo, encontrarnos bien y con las luces prendidas… volver a tocar juntos y dejar testimonio de tres décadas del candombe rock en Buenos Aires, también primo del funky y respetuoso del jazz“, explica AC.

[Raíces, 30 años en Rolling Stone] [Raíces, 30 años en MySpace] [Raíces, en AC30]
[Raíces en Camisetas para todos] [Beto Satragni en MySpace]