Varias conclusiones y algunas sopresas se pueden extraer de la lista. Este año vuelven a triunfar las películas estadounidenses y las de origen español casi no tienen presencia a pesar de que el Ministerio de Cultura ha aprobado diferentes leyes y ha creado becas y subvenciones para apoyar el cine patrio.

Las sopresas llegan de la mano de películas como ‘No es país para viejos’ ,‘ Vicky Cristina Barcelona‘, ‘Che, el argentino’ o ‘Sexo en Nueva York’ (puestos 16, 18, 22 y 25 respectivamente), ya que se había hablado mucho de ellas, algunas han tenido excelentes críticas y sin embargo no están en los primeros puestos.

• ‘Indiana Jones y el reino de la Calavera de Cristal‘ (Recaudación: 20.777.811,93 €): A pesar de sus 66 años, Harrison Ford vuelve a coger su famoso látigo para dar vida a Indy en la esperada cuarta entrega de la saga.
• ‘Hancock‘ (16.065.051,33 €): Un superhéroe alcohólico y brusco interpretado por Will Smith ha logrado el favor del público español.
• ‘Kun fu Panda‘ (13.452.820,59 €): Las aventuras del oso panda Po quien quiere convertirse en un maestro del kun fu consigue un memorable tercer puesto.
• ‘Mamma mía!‘ (13.135.087,48 €): ABBA se ha convertido en uno de los mayores filones económicos de la historia. Discos, películas, musicales y este año la versión cinematográfica con Meryl Streep y Pierce Brosnan.
• ‘La Momia. La tumba del emperador Dragón‘ (12.070.384,98 €): El explorador Rick O’Connel, interpretado por Brendan Fraser, vuelve a luchar contra una momia que pretende dominar el mundo.
• ‘El Caballero oscuro‘ (10.793.585,76 €): Seguramente el morbo por la muerte de Heath Ledger - el malvado Joker- poco antes de entrenarse la nueva secuela de Batman ayudó en la recaudación del film.
• ‘Wall-e. Batallón de limpieza‘ (10.793.585,76 €): Las aventuras de un robot quien viaja con sus amigos por la galaxia ha hecho las delicias de los más pequeños.
• ‘El niño con el pijama de rayas‘ (9.808.589,87 €): Viendo que el libro se ha convertido en un auténtico bestseller, no es de extrañar que la película haya seguido el mismo camino.
• ‘Las crónicas de Narnia. El príncipe Caspian‘ (9.305.917,25 €): De nuevo los cuatro hermanos Pevensie deben ir al mágico reino de Narnia, está vez para ayudar al príncipe Caspian a quien le auguran una muerte segura a manos de su tío.
• ‘10.000‘ (8.289.788,79 €): Esta película de aventuras que retorna a la prehistoria no causó buena impresión a la critica especializada aunque si ha recaudado una buena suma.
• ‘Los crímenes de Oxford‘ (8.198.670,48 €): No es hasta el puesto onceavo, donde se encuentra la primera película de origen español dirigida por Álex de la Iglesia aunque rodada en inglés.
• ‘High School Musical 3. Fin de curso‘ (7.983.964,66 €): No podía faltar aquí uno de los fenómenos adolescentes del momento. Troy y Gabriela vivirán junto a sus amigos el último año de la escuela secundaria entre canciones, coreografías y partidos de baloncesto.
• ‘Mortadelo y Filemón. Salvar la Tierra‘ (7.706.465,77 €): Los anti-héroes españoles por excelencia vuelven a aparecer en la gran pantalla con sus típicos descuidos y torpezas.
• ‘Algo pasa en Las Vegas‘ (7.632.426,12 €): El juego, el alcohol y las licencias matrimoniales express de Las Vegas cambian la vida de dos jóvenes aunque al final vencerá el amor.
• ‘Iron Man‘ (7.596.048,77 €): La película sigue fielmente a los cómics que se leyeron ávidamente durante varias generaciones. El multimillonario empresario Tony Starks tiene una identidad oculta: es un héroe con una armadura de hierro que se dedica a luchar contra los males del mundo.

‘El borrón’, de Tom Neely, es una obra tan ‘retro’ como futurista. Por un lado, presenta un estilo de dibujo que es un claro homenaje a los cómics de la infancia del autor: los tebeos de Mickey Mouse. Por otro, la historia se basa en una mancha de tinta que se sitúa en la cara del personaje. Ésta representa el mal, que en un primer momento es incómodo, pero que poco a poco va otorgando al protagonista de una fuerza y atracción sorprendente.

Es la primera novela gráfica de un autor más cercano a las artes plásticas pero con un inevitable amor por los cómics. A pesar de ser novel, este dibujante ha impresionado tan solo con una muestra adelantada de su obra, por lo que ya avisa de que estamos ante uno de los tebeos más impactantes del 2009.

FICHA

• Nombre: ‘El borrón’
  
• Autor:Tom Neely
• Editorial: La Cúpula (23 de enero de 2009)
• Volúmenes: 1
• Páginas: 192

El lenguaje de esta novela es, como en todas las novelas de Hemingway, directo y limpio. El mismo que no se escuda en detalles artificiosos para decir y contar las cosas como se debe, adentrándonos en un mundo que en ciertos momentos resulta desesperante.

Argumento

David Bourne es un escritor de mediano reconocimiento que se acaba de casar con la millonaria Catherine y están de luna de miel por Europa, en sentido estricto: Francia, Italia y España en una ida y vuelta donde nos vamos enterando la personalidad de cada uno de los personajes y como estos son los catalizadores que determinan cada momento. Algo ya muchas veces tocado en las anteriores obras de autor, por ejemplo, ‘El viejo y el mar’.

Catherine es una mujer que en estos tiempos podríamos llamar liberal, sin embargo, termina por enajenarse, es un proceso que va tomando forma hasta descubrirse por completo. En un principio, nos enteramos que decide cortarse el pelo al rapé y teñírselo, hasta transmutar su figura con la de él. Lo que en un primer momento es un juego de pareja donde ella decide tomar la forma de su esposo y ser viril en la cama, termina por descalabrarse cuando conocen a Marita.

David como vía de escape decide escribir la historia de un elefante que agoniza, recordando detalles de su vida y la relación con su padre, tratando de apaciguar viejos rencores. Catherine, por su lado, motivada en su nueva empresa, decide coquetear a Marita hasta convencerla para que se mude con ellos. Marita, que desde el inicio parece reticente, se ve sumergida en la posibilidad de vivir un romance. El romance en sí parece tener características lésbicas, siguiendo quizás el papel que Catherine ha decidido explorar, el de ser hombre por algunos instantes. Sin embargo, ante la invitación de ella, compartir los favores de su marido, Marita termina no sólo motivada por la experiencia, sino involucrada sentimentalmente con ambos, quizás enamorándose de los dos, hasta cuando Catherine parece perder el control de sus conquistas.

David Bourne sigue pasivamente los acontecimientos dejándose llevar por éstos. Catherine, que ya daba visos de desequilibrio, por ejemplo, cuando se enteró por algunos recortes de periódico, que el editor de su esposo le envió, de lo que estos decían de su marido y su obra. Cabe mencionar en ese sentido, que ella era su benefactora y todo indicio de independencia o autosuficiencia por parte de su pareja era una amenaza para ella, afirmando en algún momento que lo único digno de contar sería la novela que él escribiría sobre ella y sobre la luna de miel que estaban teniendo. Cuando Catherine descubre el relato del elefante, que estaba escribiendo David, lo destruye, es el momento en que desequilibrio había tomado forma, cuando David asume su independencia incluso declarando su amor a Marita, sólo a ella sin compartirlo con nadie más.

Finalmente nos encontramos ante una novela que parecen ser los manotazos de un escritor que sabía que estaba a punto de terminar, quizás con su vida o su oficio mismo (recordar que Hemingway se suicidó). Temas como la impotencia sexual (haciendo referencia quizás a algo que le venía sucediendo de un tiempo a esta parte) que fue tratado también en su novela ‘Fiesta’, forman parte del bagaje de interpretaciones al que puede estar sujeta esta obra, sobre todo las que anteceden a suicidio. ¿Por qué la publicaron después de muerto?, ¿qué le impidió al escritor publicarla antes? Son preguntas que no hacen más que alimentar la leyenda de un hombre que se consideraba duro y que por tal motivo trataba de terminar lo que comenzó: su obra, tal como lo hiciera el héroe de ‘El viejo y el mar’.

En el prólogo de la novela que hace el escritor argentino Rodrigo Fresán a la edición en español, nos da a conocer entre otros detalles, como esta novela que comienza a gestarse quince años antes de su muerte, no termina de ver la luz, seguro por la necesidad del escritor de luchar con su propio deterioro.

Ficha técnica

• Título: ‘El jardín del Edén’
• Autor: Ernest Hemingway
• Año de publicación: 2004
• Editorial: Debolsillo
• Paginas: 250

Escuchando este álbum veo a otro Guille Milkiway (alma mater de La casa azul) rebuscando en el baúl de los recuerdos de la música que hacían Fernando Márquez El Zurdo, Carlos Berlanga, Bernardo Bonezzi, Ignacio Gasca (Poch) o incluso Servando Carballar. ‘Los lagartos‘, por ejemplo, podría ser perfectamente una canción de Alaska y los Pegamoides.

Joël Iriarte (el verdadero nombre de Joe Crepúsculo), voz y teclista también del grupo Tarántula, ha elaborado los dos discos que ha sacado en 2008 (’Escuela de zebras‘ y este doble ‘Supercrepus‘ con 20 canciones) en su casa de El Raval en Barcelona. Da la sensación de ser una olla a presión repleta de melodías y letras, a punto de explotar. Es de ese tipo de artistas que da la impresión de poder publicar doce discos al año y quedarse tan tranquilo. Si además, a eso le añadimos su manía de colgar en su web todos sus trabajos, nos encontramos ante uno de los personajes más interesantes del pop actual en España.

Si ya sorprendiera con su primer álbum ‘Escuela de zebras‘ (al cual pertenece el vídeo de la pegadiza canción ‘Suena brillante‘ que acompaña a este post), ahora nos deleita con un doble LP conceptual compuesto por una veintena de canciones de amor. Letras delirantes que enganchan a la primera. ‘El día de las medusas‘, ‘Amar en tiempos de democracia‘, ‘Sandra‘, ‘Vente conmigo‘, ‘La canción de nuestra vida‘ y ‘El día de la sardina‘ no tienen desperdicio. El mismo JC nos lo cuenta en su web: “Si las Zebras hablaban de lo desubjetivizado, de los dioses que bajan al mundo de los hombres para mostrar su superioridad: la música del acantilado. El SUPERCREPUS vuelve la cara hacia lo humano, lo cotidiano, aquello que nos ha hecho llorar a todos en algún momento: a nuestras relaciones amorosas. Y escuchando las canciones uno descubre que el amor puede presentarse bajo tres aspectos: 1) el viento 2) el agua o bien 3) la navaja. Con estos elementos se va deshilando el SUPERCREPUS y crea este disco tan difícil de digerir, pero tan necesario. Otro disco de hits universales.”

Para algunos es un fraude, para otros de lo más brillante que podemos encontrar ahora. Te gustará si disfrutaste con el ambiente desenfrenadamente loco de la movida de los ‘80 y sus maravillosos grupos o, más recientemente, con La casa azul, Astrud o incluso Fangoria.

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‘Escuela de zebras‘ , ‘Supercrepus‘ y otras grabaciones se pueden descargar gratuitamente desde crepus.com.

Joe Crepúsculo, Supercrepus
Producciones doradas, 2008

¿Las claves de su éxito? Ya las hemos dicho: jóvenes guapos que bailan, cantan y practican deporte. Dentro de los cánones marcados por la propietaria del canal estadounidense ABC, no se habla de sexo en estos films. La juventud de todo el mundo se siente identificada con ellos, y eso hace subir los audímetros de las cadenas. Los directivos de nuestras cadenas, siempre atentos a lo que el público demanda y más en estos tiempos donde la oferta televisiva se ha ampliado, se han sumado al fenómeno teen que empapa a los adolescentes españoles y han desarrollado sus propias propuestas.

El fenómeno en España

El pasado 8 de diciembre, Cuatro estrenaba ‘HKM‘, una serie sobre el día a día de un elitista colegio de música. Protagonizada por la joven artista canaria Sara da Pin Up, la serie no cosechó buenos datos de audiencia en su primer día, a pesar de ser programada tras otro espacio que hace furor entre los jóvenes españoles: ‘Fama‘. El lunes de la semana pasada, Antena 3 estrenaba ‘18‘, su nueva apuesta para el público juvenil tras el imparable éxito de ‘Física o química‘.

El retrato de la juventud española ha sido una constante en la televisión patria, sabedora ésta de que ese ratio de edad es un target potencial, consumidor masivo del medio catódico. El primer ejemplo lo tenemos en los años ‘80, con ‘Segunda Enseñanza‘ (TVE), serie que describía el día a día en un instituto de bachillerato, las relaciones entre sus alumnos y con sus profesores. Dirigida por Pedro Masó, fue una cantera importante de jóvenes actores, para los que la serie supuso el pistoletazo de salida o un paso más en sus carreras dentro del cine y la televisión: Ana Torrent, Amparo Larrañaga, Javier Bardem, Jorge Sanz, Juncal Rivero…

Pero, además, era la respuesta a la demanda de una población que pedía productos con cuyos personajes pudieran sentirse identificados, más acordes a la realidad social de la España del momento. Así, por una cuestión de mercado, los jóvenes se verían reflejados en aquella segunda enseñanza, de la misma manera que ‘Anillos de oro‘ reflejó la nueva Ley del Divorcio o ‘Verano azul‘ el boom de las familias españolas que veraneaban en la playa.

La problemática juvenil volvió a ser tomada en consideración a mediados de los años ‘90 con ‘Al salir de clase‘ (Telecinco), una producción diaria que hizo furor entre los jóvenes de la época al tratar temas cercanos a sus preocupaciones e inquietudes (las drogas, el sexo,  los conflictos paterno-filiales…). Los jóvenes apostaron fuertemente por la ficción de los Estudios Picasso y las cadenas supieron que en ellos había un filón por explotar en la prácticamente nueva batalla de las audiencias. Así, se mantuvo en antena durante varios años, mientras competía con un producto de similares características, en Antena 3: ‘Nada es para siempre‘. Sin embargo, el favor del público y las críticas se los llevó aquélla, debido a su planteamiento de tramas y personajes.

Por aquellos años, Antena 3 produciría con éxito una serie semanal que también supuso otro fenómeno juvenil: ‘Compañeros’, que también se hacía eco de las inquietudes y anhelos de los jóvenes. La fórmula funcionó con bastante éxito hasta que sus protagonistas fueron sustituidos para renovar las tramas.

Desde entonces hasta hoy

Los proyectos con jóvenes como protagonistas cayeron en el olvido hasta principios de 2008 (con la excepción de ‘SMS‘, de La Sexta), cuando de nuevo la cadena del Grupo Planeta programa lo que en un principio iba a ser tan solo una miniserie que plasmara la crisis de la juventud española actual, y que acabó convirtiéndose en un nuevo fenómeno mediático.

‘Física o química‘ empezó pronto a ser objeto de críticas por parte de asociaciones de padres, que pedían su retirada de antena. ¿El porqué? El tratamiento explícito de una realidad latente: los suicidios adolescentes, el consumo de drogas, las relaciones sexuales prematuras, el bullying, el miedo a salir del armario, la conflictividad en las aulas… Hechos que condicionan a la juventud española del siglo XXI y que no sentaron del todo bien en su momento. Lo que en un principio iban a ser tansolo ocho capítulos que mostraran esa realidad latente se ha convertido en una serie asentada que acaba de terminar su segunda temporada, cuenta con una revista propia y prepara la tercera tanda de capítulos.

Y es en este contexto, mientras la serie de los chicos del instituto Zurbarán triunfaba en un mar de estancamiento televisivo, cuando los programadores de las cadenas generalistas se dan cuenta de las nuevas necesidades de un rango de audiencia que fue selecto durante un tiempo pero que ahora, con la nueva oferta televisiva e internet como predominante forma de consumo de ocio, hay que ingeniárselas para atraerlo ante la pantalla.

Es indudable que el éxito más allá de la mera historia de ‘Física o Química’ y ‘HFM’‘ (entre el público femenino sobre todo) hay que buscarlo en la búsqueda de subir las exiguas audiencias que experimenta la televisión española del momento. Si a ello se le suma la pasión por la música que esta juventud globalizada se puede permitir ahora (casi todos tienen iPods, mp3 y mp4, se realizan millones de descargas de todo tipo de géneros, autores o estilos…), leitmotiv de ‘18‘ y ‘HKM‘, todo está preparado para hacerse con un nuevo tanto en el partido de las audiencias y para conocer un nuevo resurgimiento del fenómeno teen.

¿Hasta cuándo durará? Solo el público (juvenil) lo sabe.

‘Maka-Maka. Sex, life and communication’ nos presenta mediante capítulos muy cortos la historia de dos amigas de la universidad. Hasta aquí todo normal. Pero desde el primer capítulo podemos ver que estas dos chicas tienen una relación que va más allá de la amistad, aunque parece ser que ambas son heterosexuales. Los primeros capítulos nos hacen pensar que estamos ante un manga hentai (pornográfico) con clase. Pero es un prejuicio que nos ponemos por ser un manga y por la manera tan directa en la que se presenta el sexo.

Algo más que porno

Cuando avanzamos en la historia nos damos cuenta que posiblemente estamos ante la obra sexual más sincera que hayamos leído nunca, empezando por sus protagonistas. Jun es una chica algo amargada y que se aleja de un cariño que en realidad anhela acostandose con un montón de chicos. Nene es una chica que necesita un hombre a su lado para conseguir la seguridad que nunca tuvo en sí misma. Ambas son unas mujeres insatisfechas con el sexo heterosexual que deciden, medio en broma medio en serio, experimentar con ellas mismas para conseguir sexo de calidad. Los cuerpos son reales (incluso Nene está entradita en carnes) y el estilo de dibujo con líneas muy modernas y a todo color (totalmente diferente al resto de manga) sabe acentuar magistralmente la piel de las protagonistas.

Así es como vemos una evolución en el cómic que en un primer momento nos intenta indicar que el sexo se basa 100% en la comunicación y que no tiene por qué ceñirse a ninguna norma. La naturalidad con la que las protagonistan hablan y experimentan se nos hace tremendamente extraño (en el mundo de la ficción) pero sorprendentemente familiar (en el mundo real). Así, acaban inmersas en una extraña situación cuando el sexo, mezclado con la amistad, desemboca irremediablemente en el amor. Es cuando se plantean hasta qué punto necesitan a los hombres y ven que prescindir de ellos es un acto de total feminismo (en Japón existe muchísimo machismo).

Un cómic pornográfico o romántico, lésbico o femenino, según el ojo de quien lo mire. Eso sí, desgraciadamente no está editado en España, aunque se puede ver por Internet.

FICHA

• Nombre: ‘Maka-maka. Sex, life and communication’
  
• Autor: Kishi Torajiro
• Editorial: Jive
• Volúmenes: 2 (24 capítulos)
• Páginas: alrededor de 100 cada volúmen
• Para descargar: en español
• Para descargar: en inglés

Récord de carne consumida

En Paraguay, la Pastoral Social Arquidiocesana de Asunción y amigos quería demostrar al mundo que es capaz de batir un Guinness World Record, así que lo intentaron con el de la mayor cantidad de carne consumida en un evento, que en 1996 fue alcanzado en Pennsylvania por Lancaster Sertoma al usar 21.740 kilos de carne.

El evento, al que estaba invitado el adjudicador de Guinness World Records, Ralph Hannah, fue un espectáculo con más de 50.000 asistentes, todas con el objetivo de comer lo que más pudieran. En total se prepararon 26.145 kilos de carne desde las nueve de la mañana.

Ralph Hannah confirmó que el record mundial estaba autorizado una hora después de haberse consumido la carne y presentó un diploma a Humberto Rubín, representante de la pastoral.

La estructura más alta con un juego de Lego

El domingo 5 de octubre de 2008 a las 12.10 del mediodía se completó la torre tras cuatro intensos días de construcción. Cuando la última pieza Lego se colocó en la cima de la gigantesca estructura, el adjudicador de Guinness World Records, Carlos Martínez, confirmó la altura total y anunció que, con 29.48 metros, la torre erigida en el centro de Viena había establecido un nuevo Récord.

El hito fue posible con la ayuda de más de 1.500 estudiantes, cientos de niños de todas las edades y sus familiares. Para conseguirlo se utilizaron alrededor de 500.000 piezas de plástico para alcanzar la mayor altura jamás lograda con un juego de construcción.

El pancho / perrito caliente más largo

Una sola salchicha  de 114 metros dentro de un pan parece un plato imposible de preparar. Pero dicha operación fue concluida y condimentada con mostaza. Con esto, la Empacadora Ponderosa estableció un nuevo Récord Mundial Guinness.

Más largo que una cancha de fútbol americano, el pancho fue presentado en la popular Gran Plaza en el centro de Monterrey, bajo la cuidadosa observación de inspectores de salud, quienes certificaron que el alimento preparado podía ser consumido.

Después de la certificación del nuevo Record Mundial Guinness el 27 de septiembre, el increíble comestible fue cortado en 1.000 porciones individuales, las cuales fueron distribuidas a los cientos de personas que llegaron a presenciar el acontecimiento.

El mayor número de árboles plantados en 24 horas

Durante varios meses, los mexicanos de CONAFOR buscaron el mejor sitio para plantar la mayor cantidad de árboles en un día. Cuando llegaron los 300 plantadores, todos de comunidades locales con la excepción de seis mujeres indígenas de Tepehuán, estaban familiarizados con el predio San Manuel, donde finalmente se realizó el intento.

El predio estaba dividido en 33 parcelas, cada una tuvo un jefe que dirigió su equipo de plantadores e informó a un centro de control cada hora con el progreso de su parcela. Toda la organización y esfuerzo valió la pena cuando un nuevo Record Mundial Guinness fue anunciado a las 13 horas el sábado 30 de agosto.

La cifra final fue 348.492 árboles plantados por los 300 plantadores en 24 horas, rompiendo la marca anterior de 254.464 árboles registrada en Tamil Nadu, en India en 2005.

El tablero mas grande de Twister

El 6 de junio el Colegio Campoverde, en Colima, México, alcanzó el Récord Mundial de Guinness por el tablero de Twister más grande.

El tablero cubrió casi todas las tres canchas de básquetbol. En total, midió 39.9 metros de largo por 25.6 metros de ancho. Cientos de los estudiantes de Colegio han saltado, jugado, y reído mientras ayudaban a su escuela lograr el nuevo récord.

Danny Girton, adjudicador de Guinness World Records, estuvo presente en el día para entregar al director general de la escuela, José Manuel Costa Lavín, un certificado conmemorando el logro.

La mayor ceremonia de renovación de votos matrimoniales

El 20 de abril, un lluvioso día de primavera, que no auguraba las mejores condiciones para convocar a una cifra récord de matrimonios, 338 parejas acudieron vestidas de nuevo como en el día de su boda para volver a vivir lo que iba a ser una fiesta inolvidable. Los 338 matrimonios se reunieron en el Restaurant Can Jonc, en Alella, Barcelona, España, para romper el Guinness World Record de la mayor ceremonia de renovación de votos matrimoniales jamás realizada.

Tras un exhaustivo registro bajo la lluvia, todos los matrimonios se congregaron para dar inicio a la ceremonia de renovación de sus votos, presidida por una jueza de paz, seguida por la actuación de un grupo de gospel y el anuncio oficial por parte del Adjudicador de Guinness World Records de que el récord había sido superado.

A partir de ese momento empezó la fiesta de celebración: regalos, música, invitados sorpresa y una comida exquisita con los mejores vinos y cavas elaborados en la misma localidad del Maresme, por la bodega Marfil Alella.

A pesar de la lluvia y el frío, al final triunfó el amor y el recuerdo de haber participado en un Guinness World Record quedará en la memoria de todos los participantes en esta fiesta.

El asado/barbacoa más largo

El 13 Abril 2008, en Montevideo, Uruguay, se alcanzó un nuevo Record Mundial de Guinness al preparar el asado / barbacoa más larga del mundo, con 1493.2 metros. El asado fue hecho en forma de estrella, y situado en el “Rural del Prado”, un rodeo ubicado en el centro de un parque público de la ciudad.

El productor del evento, Álvaro Kemper, colaboró con los organizadores de INAC, el Instituto Nacional de Carnes, para enfocar la importancia del mismo.

Su música, clasificada bajo la etiqueta de indie-pop, tiene influencias no sólo del indie que se hacía en Glasgow (Reino Unido) en 1996 sino del pop de los años ‘60: Velvet Underground, Donovan, Simon & Garfunkel. Y, sobre todo, Love, cuyo disco ‘Forever Changes‘ (1967), una obra maestra, es el antecedente más claro de B&S y todos los grupos de indie-pop de finales del siglo XX.

Si nunca escuchaste temas como ‘Like Dylan In The Movies‘ (en directo, en el vídeo que acompaña a este post) o ‘Judy And The Dream Of Horses‘, ahora tienes la oportunidad de engancharte, con su último disco, a las melodías dulcemente pop de este grupo creado por Stuart Murdoch a principios de 1996. ‘The BBC sessions‘ contiene grabaciones en directo, realizadas por la cadena británica de radio BBC, entre los años 1996 y 2001, el periodo más fresco y fructífero del grupo. Justo en 2001 se desligaron de Jeepster, el sello discográfico que les lanzó y uno de sus miembros más emblemáticos, Isobel Campbell (voz y violonchelo en B&S), abandonó la formación. Esta compositora escocesa es coautora de ‘Legal man‘, uno de los temas más conocidos y que se incluye en las sesiones de la BBC.

‘The BBC sessions‘ se divide en tres partes, correspondientes a las grabaciones en los programas de radio de Mark Radcliffe (1996), Steve Lamacq (1998) y John Peel (2001). Además, se incluye un segundo CD con doce canciones pertenecientes a un concierto de 2001 en Belfast. En ese CD extra se pueden encontrar joyas como las versiones del tema de The Beatles ‘Here comes the sun‘, la de ‘I’m waiting for my man‘ de The Velvet Underground o la de ‘The boys are back in town‘, de Thin Lizzy.

En el CD de las sesiones de la BBC, propiamente dichas, destacan las cinco primeras canciones (las registradas para Mark Radcliffe) porque corresponden a la primera época del grupo, la más genuina y fresca. Ahí están tanto las ya citadas ‘Like Dylan In The Movies‘ y ‘Judy And The Dream Of Horses‘ como otras maravillas de la primera etapa de B&S, ‘I Could Be Dreaming’ incluida.

La segunda tanda, compuesta por otras cinco canciones (grabadas para Steve Lamacq) es la más floja del disco. Y así llegamos a la última parte, con cuatro temas inéditos que justifican todo este trabajo recopilatorio en vivo: B&S en el cénit de su carrera, año 2001, Isobel Campbell cantando ‘Nothing In The Silence‘ y una ‘(My Girl’s Got) Miraculous Technique‘ que podría ser una de esas baladas que te llevas a una isla desierta.

Si quieres empezar el año con buenas vibraciones, ponte en nochevieja ‘The BBC sessions‘. No te arrepentirás.

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Belle and Sebastian
The BBC sessions, 2008, Matador Records

Por su parte, Malkovich se mete en el papel del reverendo presbiteriano Gustav Briegleb, que lucha contra la incompetencia de los poderes públicos en el púlpito y en su propio programa de radio y acaba por convertirse en el agente catalizador de la fuerza y la resistencia de la madre.

Antes de la mitad de la película se entremezcla el periplo de Christine Collins con el esclarecimiento de la desaparición del niño. En una de las escenas con más carga dramática del film, se juega con las luces y las sombras, los planos cortos y con el dolor de un joven que ha tenido mucho que ver con el secuestro; frente a él un policía honesto que se contrapone al abuso de poder que reinaba en esa época. La imagen de la ceniza del cigarillo que fuma el agente, consumiéndose y cayendo al suelo a cámara lenta es la representación de la incredulidad y sufrimiento reflejados en la cara de los personajes.

Esta película intensa bien podría caer en el melodrama facilón aunque la maestría del director y las creíbles interpretaciones consiguen mantener la atención hasta el final. Basada en hechos reales, la historia conocida como los Crímenes de Wineville consiguió destapar la trama de corrupción que existía en el Departamento Policial de los Ángeles, capaz de cualquier cosa para esconder sus errores y lavar su imagen.

Una excelente dirección

Clint Eastwood vuelve a apostar por el valor humano antes que el simple entretenimiento, de mano de una mujer corriente que pone en jaque a los poderes públicos y las versiones oficiales y acaba por cambiar el sistema. A parte de los protagonistas, hay una serie de personajes corales que enriquecen más la historia como el jefe de policía o la prostituta que Christine Collins conoce en el psiquiátrico.

Además de todo esto, parte del buen resultado se debe a una excelente banda sonora muy de los años ‘20 y una iluminación muy oscura y tenebrosa que invita al misterio de la época y del momento. Las escenas son lentas, aunque en ningún momento llegan a aburrir: al director no le interesa la precipitación del cine actual. La ambientación está también muy conseguida; tal y como cuenta Eastwood, fue difícil encontrar un barrio que se asemejase al de la época, y los que habían estaban en malas condiciones, así que pintaron y repararon las casas y las calles. Los vecinos no se quejaron ni una vez a pesar de tener todo el equipo de rodaje allí.

Elogios a Angelina

Angelina Jolie resuelve uno de los papeles más difíciles de su carrera porque ni explota su cuerpo ni ha elegido una película basada en la acción y el movimiento continuo de escenas. Según palabras de la actriz, “fue difícil emocionalmente” porque el personaje “no tenía la libertad de expresión que tengo como mujer moderna”. Sobre todo en los primeros minutos de metraje, las expresiones de Jolie son muy comedidas, faltaría un poco más desesperación en el momento en que no encuentra a su hijo aunque el espectador llega a creerse su dolor.

Uno de los problemas de este personaje es que en esa época la mujer no tenía la misma libertad, el mismo reconocimiento ni el mismo poder para defenderse que hoy en día, por lo que a veces cuesta creer sus decisiones o su contención.

Aunque pensaron en otras actrices para interpretar el papel protagonista, el mismo Eastwood eligió a Jolie, que según sus palabras, posee un rostro que queda bien en cualquier época. Ha llegado a compararla con actrices de la época dorada de Hollywood como Katherine Hepburn, Ingrid Bergman o Bette Davis.

Argumento

Una pareja abandona la ciudad para rehacer su vida en una casa construida a espaldas de un viejo bosque. Apenas instalados en ella, la mujer es asaltada en un sueño por la imagen de una invasión de ardillas que intenta tomar la casa. En el sueño, el perro de la pareja se enfrenta a ellas y se pierde en el bosque. Al día siguiente, Bambú ha desaparecido. Desde ese momento, en los sueños de la mujer los roedores seguirán acechando la casa cada vez con más violencia…

El autor

‘Como una historia de terror’ es la segunda novela de Jon Bilbao, anteriormente publicó, también en Salto de Página, ‘El hermano de las moscas’. Este ingeniero de minas ha sido reconocido con varios galardones en el mundo literario. En 2005 recibió el premio Asturias Joven por su libro ‘3 relatos’, 2 años más tarde ganó el XXXVI Concurso de Cuentos Ignacio Aldecoa y este año ha obtenido, el ya mencionado, Ojo Crítico de Narrativa.

En su blog nos reproduce unas palabras de su entrevista en Revista de Letras que nos muestran como concibió ‘Como una historia de terror’ :

‘Como una historia de terror’ “no fue el resultado de una planificación previa, no fue concebido como una serie de relatos con una temática común o conexiones argumentales. Entre los relatos que tenía escritos seleccioné siete de los que, en primer lugar, me sentía satisfecho. El siguiente criterio que seguí fue el de la variedad: relatos cortos, largos (casi nouvelles), de final más bien abierto, de final más bien cerrado, con localizaciones diversas, con un claro protagonista, relatos de parejas… Como lector disfruto más con las colecciones variadas, donde el autor ofrece un muestrario de formas de narrar. Cuando todos los relatos se parecen, aunque sean muy buenos, me pasa que al terminar el libro y pensar en lo que he leído me resulta difícil diferenciar unos relatos de otros, todos se entremezclan. Y es una pena. Es como si presentar los relatos en conjunto fuera en detrimento del efecto individual de cada uno de ellos. Creo que esto no sucede, o sucede menos, cuanto más variada es la colección”.

Ficha técnica

• Título: ‘Como una historia de terror’
• Autor: Jon Bilbao
• Editorial: Salto de Página
• Páginas: 256
• Precio: 18,50 €

El argumento

Un periodista que comienza a escribir una novela sobre el futuro comienza a referirse a detalles que le habían sucedido, se trata del pasado como referente de su propio presente. En su novela, un misterioso tren salía de vez en cuando hacia el año 2046. Los que abordaban el tren tenían una única intención: recuperar su memoria perdida.

Cada personaje que conoce el protagonista de la novela, es el reflejo de las personas que va conociendo él mismo autor. Chow Mo Wan es el hombre que busca: ¿el amor?, ¿el tiempo?, ¿su vida misma extraviada en alguna parte? Es una búsqueda que no acaba, que a través de lo que escribe trata de entender y racionalizar.

El amor y la nostalgia están repartidas en cada momento en que Chow vive, la racionalidad de la jugadora Su li, la sexualidad desbordante de Bai Ling o el estado de encantamiento en que se ve sumergido por un momento con la hija del dueño de la hostería donde estaba hospedado, Wan Ying Weng. Cada una tiene un pedazo de alguien que él no supo amar y cuyo nombre, por casualidades de la vida, era igual al de la jugadora de casino (Su li) que quiso con demasía y que había perdido para siempre.

Puesta en escena

Dispuesta de una fotografía impecable, luces cadenciosas y ambarinas, dan esa sensación de nostalgia que el director trata de manifestar en cada momento del filme. También las tomas fuera de campo y la superposición de unas historias con otras, marcadas siempre con una bien escogida banda sonora en la que las acciones son identificadas precisamente por lo que vemos, nos hacen sentir. Por ejemplo, cámaras lentas, rostros huidizos de los protagonistas o tomas en donde sólo se distinguen siluetas, partes del cuerpo o partes de una ciudad como Hong Kong en plena década de los sesentas. Son las herramientas que justifican la visión imprescindible de esta película que sin duda entusiasma no sólo por la historia.

Personajes:

• Chow Mo Wan. Estelarizado por el versátil actor Tony Leung. Si en ‘In the mood for love’ era un hombre de sentimientos platónicos, esta vez se le nota más avisado, tratando de no enamorarse, convirtiéndose incluso en una especie de playboy que siempre tiene con quien pasar la noche.
• Su Li Zhen, interpretada por Gong Li, es la catalizadora de lo que viene a formar el recuerdo de la mujer perdida.
• Bai Ling, interpretada por la espectacular y desinhibida Zhang Ziyi, es la que representa el lado más carnal, físico de ese amor desprendido que no pudo permitirse.
• Wang Jing Wen, representada por Faye Wong, que si bien se acerca al ideal de mujer que Mo Wang busca, ésta le es esquiva porque ella ama a otro hombre. Es justo en la imagen de Wang Jing Wen que el protagonista se imagina a la androide que viaja con el personaje principal de su novela, personaje que se enamora de ésta y que si bien sufre de efectos retardados, se da cuenta que más allá de la inexactitud de los sentimientos esta androide casi humana es así simplemente porque está enamorada de alguien más.

En suma ésta es una película romántica que se escapa victoriosamente de lo tradicionalmente cursi y empalagoso, para dejarnos la fascinación de que en las cosas menos llamativas de cualquier ciudad, pueden suceder historias dignas de contar, de ver, como en aquel cuarto contiguo al del periodista decepcionado, el 2046 de una hostería como cualquier otra.

Banda sonora

Mención aparte lleva la banda sonora, que forma parte importante de la película, mimetizándola de tal manera que determina cada momento del filme. En ese sentido nos encontramos inmersos en el mundo nostálgico que el director pretende demostrar. Así tenemos, por ejemplo: ‘Perfidia’ de Xavier Cugat, ‘Sway’ de Dean Martin, el ‘Adagio’ de Secret Garden, la ‘Canción de Navidad’ de Nat King Cole o el maravilloso aria ‘Casta Diva’ de la opera ‘Norma’ de Bellini. Composiciones hechas por Peter Raben y Shigeru Umebayashi para la propia película.

Ficha técnica

• Título original: ‘2046′
• Dirección y guión: Wong Kar-Wai.
• País: China.
• Año: 2004.
• Duración: 120 min.
• Género: Drama romántico.
• Interpretación: Tony Leung (Chow Mo Wan), Gong Li (Su Li Zhen), Takuya (Tak Kimura), Faye Wong (Wang Jing Wen), Zhang Ziyi (Bai Ling), Carina Lau (Lulu/Mimi), Chang Chen (CC 1966), Wang Sum (Sr. Wang/Jefe del tren).
• Producción: Wong Kar-Wai.
• Música: Peer Raben y Shigeru Umebayashi.
• Fotografía: Christopher Doyle, Lai Yiu Fai y Kwan Pun Leung.

Lo mejor

• Catherine Hardwicke: uno de los errores en los que podía caer esta adaptación es que se conviertiera en la típica película america de adolescentes llena de colorido, chicas explosivas y con un escenario típicamente americano. No es que descalifique este tipo de películas, el tema es que quien haya leído el libro sabe que no es ese el escenario en el que se desarrolla la historia. El hecho de que esto no haya ocurrido es la buena elección de la directora, procedente del cine independiente (‘Thirteen’ y ‘Los amos de Dogtown’), que ha acertado en la escenografía y la imagen de la película.
• Sinopsis: es imposible resumir 512 páginas en 2 horas de películas y dejar satisfecho a todos, sin embargo la adaptación es más que satisfacctoria. Por supuesto se echan de menos algunos pasajes y se pueden observar libres interpretaciones de determinados episodios, pero en la mayoría de casos el resultado es aceptable. Incluso la inclusión de escenas para dar más protagonismo a James, Victoria y Laurent están bien trazadas, pues no entorpecen el desarrollo de la historia  y dan ritmo al film, no hay que olvidar que no es lo mismo un libro que una película y que en lo que en un libro hace que tu imaginación vuele en una película puede llegar a aburrir.
• La banda sonora: un acierto el incluir las sintonías que han ninspirado a la autora Stephenie Meyer.
• Alice: aunque no tiene mucho protagonismo en este episodio, es Ashley Green es la Alice que todos esperaban.

Lo peor

• Los personajes: algunos de los personajes que son claves en el libro pierden relevancia en la película, como es el caso de los amigos mortales de Bella relegados a un segundo plano prácticamente inexistente. Tampoco el casting ha sido demasiado acertado, la descripción en el libro es detallada y permite que el lector se imagine perfectamente a los protagonistas por lo que es probable que algunos decepcionen: Jasper está demasiado tenso y hierático; Rose debería se más guapa y exuberante; Jessi tampoco acaba de encajar…
• Caracterización vampírica: conforme avanza la película la cosa mejora, pero la primera vez que ves a la familia Cullen te impacta de lo exagerados que apararecen. Se aprecia claramente que tienen pintada la cara de blanco.

Observaciones

• Bella y Edward: Kristen Stewart y Robert Pattinson encarnan bien a estos modernos Julieta y Romeo, acercándose muchísimo a la Bella y Edward que han atraído a millones de lectores. Sin embargo, hay algún pero… Es cierto que se ve la torpeza de Bella, aunque un poco menos de como se nos presenta en el libro, pero lo que más llama la atención es la seguridad de la protagonsista, mientras que en el libro se ve a una Bella que duda constantemente de que Edward se pueda enomorar de ella, no vemos estas dudas en la protagonista de la película. En cuanto a Edward, se echa de menos la picardía del vampiro, mostrándolo demasiado triste y pesimista.
• Desaparecen algunos pasajes claves: por qué Bella accede a ir al baile de fin de curso se deja en el aire, el mismo baile se ha interpretado de una forma distina, así como el primer beso de la pareja…

Lo cierto es que la película no decepciona, los fans pueden ir a verla tranquilos, pero siempre hay que tener presente que es la adaptación del libro y que no es lo mismo cine que literatura.

A principios de junio de 2007, se rumoreó que la causa del despido de Isaiah Washington (quien interpretaba al cirujano cardiotorácico Preston Burke) fue por llamar “marica” en medio de un rodaje a T.R. Knight (el interno George O’Malley), lo que le obligó hacer pública su homosexualidad.

Para sustituir a Washington, se contrató a una nueva cirujana torácica Erica Hahn, cuyo papel lo interpretaba la actriz Brooke Smith, que poco a poco se va sintiendo atraída por la residente Callie Torres con quien acaba manteniendo un romance a lo largo de unos pocos capítulos. Sorprendentemente, la ABC ha decidido despedirla, ya que la relación que mantenía con Torres no acababa de convencer a los directivos de la cadena.

La semana pasada se emitió en España el capitulo en el que la doctora Hahn se despedía sin dar ningún tipo de explicación coherente, después de afirmar “no se puede ser lesbiana a medias”. Shonda Rimes, creadora de ‘Anatomía de Grey‘, negó que el despido tuviera que ver con esa relación lésbica si no que se debía a que dicha relación no aportaba nada al personaje de Callie Torres. Sin embargo, hasta la misma actriz ha confesado que su despido le resultó muy extraño.

Una aparente normalización

La doble moral con respecto al sexo y a la homosexualidad en Estados Unidos es muy común, en un país en su mayoría considerado puritano. Sin embargo, se pueden encontrar series donde triunfan personajes y situaciones donde no se esconde ni se maquilla su tendencia sexual:

• La cadena privada Showtime emitió la versión americana de ‘Queer as folk‘ rodada en Canadá. Era la primera vez que la mayoría del elenco daba vida a personajes homosexuales con formas de ser muy distintas: el seductor sin escrúpulos, el adolescente que descubre su condición sexual, la pareja del mismo sexo que tienen una vida en común estable y adoptan un hijo… Aunque en un primer momento estaba destinada a los homosexuales, parte del público estaba constituido por mujeres heterosexuales. Esta serie tuvo unos altísimos índices de audiencia a pesar de sus numerosas escenas con alto contenido sexual.
• Stewie Griffin es el hijo pequeño de ‘Padre de familia’. Sorprende por su inteligencia altamente desarrollada pese a su corta edad, su madurez que combina con toques de infantilismo y su tendencia sexual poco clara. Aunque es una serie con un humor irreverente, sorprende que el personaje de Stewie sea tan bien aceptado a pesar de ambigüedad y, sobre todo, que estas características estén reflejadas en un niño de corta edad.
• ‘Los Simpson’ tratan el tema de la homosexualidad sin hipocresías y mostrando una amplia diversidad sexual. Se han parodiado figuras gays como Elton John, en uno de los capítulos Homer acaba viviendo con una familia homosexual y teniendo ciertas dudas (aunque finalmente vuelve con Marge)…

  No obstante, en ‘Los Simpson’ hay varios personajes secundarios que, aunque todavía no se han declarado homosexuales, el público los considera como tal. Es el caso del subordinado Smithers o Carl y Lenny. Únicamente Patty, una de las hermanas de Marge, se ha reconocido públicamente lesbiana.

  Otro caso conocido en el que se trata la homosexualidad es en el capitulo “Homerfobia”, en el que a Homer le entra el pánico cuando sospecha que Bart es gay, por lo que intenta enseñarle actitudes y actos típicamente considerados de hombres, tales como beber cerveza, ir de cacería o trabajar en una fábrica de aceros. Finalmente Homer comprende que lo único que importa es que quiere a su hijo y le acepta tal como es.

Homosexualidad: evolución televisiva

La palabra “homosexual” fue dicha por primera vez en la televisión estadounidense en 1954, en un debate de una cadena local de Los Ángeles donde se planteaban de forma crítica los problemas de este colectivo. En las décadas posteriores, salieron algunos personajes gays aunque siempre desde una perspectiva negativa. En 1989, la ABC perdió 1.5 millones de dólares en publicidad porque incluyó en una serie a dos hombres hablando en la cama aparentemente después de haber mantenido relaciones sexuales.

Según Brendan Lemon, editor de Out, la revista dirigida a homosexuales más importante de EEUU, los productores gays y lesbianas incluyen más personajes homosexuales en sus series aunque “saben que es más fácil incorporar personajes homosexuales una vez que la serie ya está asentada, cuando ya es un éxito. Si intentan poner personajes homosexuales en una serie nueva, las cadenas lo impiden porque es demasiado arriesgado”. Asimismo, afirma que la razón de este aumento es la existencia de numerosas cadenas, con lo que pueden destinarse a un público cada vez más especifico.

En los últimos diez años parece haber disminuido el conservadurismo de la sociedad estadounidense y que se acepte mejor la homosexualidad, por lo que algunas de las cadenas televisivas intentan aprovechar este filón y crear espacios destinados para un colectivo que supone entre el 5% y el 10% de la población total. Lo que no está claro es si, además, esta incursión masiva podría ser debido a lo que se considera políticamente correcto.

La vuelta al mundo discográfico y a los escenarios de este conjunto argentino es de celebrar. Y lo hacen con ‘La luz del ritmo‘, un disco repleto de esa irresistible mezcla de ritmos latinos, ska y rock, y una gira mundial que iniciaban en el mes de julio en Buenos Aires, con un concierto gratuito (el 12 de diciembre volverían a tocar en el estadio del River Plate ante 60.000 personas), que recorre varios países de América latina, EEUU y España. El percusionista Gerardo “Toto” Rotblat era uno de los integrantes del grupo (desde 1990) y no ha podido formar parte de esta nueva andadura, pues falleció el 29 de marzo del 2008 a los 38 años.

‘La luz del ritmo‘ es el décimosexto disco (contando recopilaciones) de Los Fabulosos Cadillacs y el título responde, según el grupo, a la idea de que el ritmo es como la luz que rebota por todos los sitios. Es un trabajo que sólo incluye 5 canciones nuevas, de las 13 que lo componen. Y hay dos versiones impagables, una de los míticos e inconmensurables The Clash ( ‘Should I stay or should I go‘) y otra del no menos imponente Ian Dury (’Wake up and make love with me‘), quizás para confirmar que el ska y las reminiscencias de rude boys nunca morirán para Los fabulosos cadillacs.

De los temas nuevos destaca el tema ‘Nosotros egoístas‘, cantado por Flavio Cianciarulo con estilo muy pop y dedicada a Gerardo “Toto” Roblat. Y de los cuatro restantes, se escucha con agrado ‘Hoy‘ donde se puede disfrutar de un Vicentico en todo su esplendor. Completan la serie de canciones inéditas: ‘La Luz del Ritmo‘, ‘Flores‘ y ‘El Fin del amor‘.

Curiosamente, lo mejor son las versiones de sus propios temas, ya conocidos, como ‘Condenaditos‘, fabuloso final del disco y de la que les ofrecemos aquí un videoclip magnífico, y el ska impecable ‘Basta de llamarme así‘ de su primer disco ‘Bares y Fondas‘.

Los Fabulosos Cadillacs de nuevo en la carretera. Un necesario regreso con un disco más que aceptable.

[LFC en Last.fm]

Los Fabulosos Cadillac, ‘La luz del ritmo‘
Sony - BMG, 2008

Un poco de historia

En la antigüedad, en el mes de diciembre se festejaba en ciertas partes del mundo la llegada del solsticio de invierno. Como la luz es más brillante, las culturas realizaban rituales cargados de poder para invocar salud, prosperidad y protección para recibir al nuevo año.

Hoy, ésta es una fiesta de unidad familiar en la que se comparte una mesa con comida especial y charlas acordes a la ocasión. La fecha en que se realiza esta celebración depende del tipo de calendario utilizado.
En los países que usan el calendario gregoriano, la celebración de Año Nuevo se festeja el 1 de enero.
Aunque tradicionalmente, en el calendario romano el año comenzaba el primer día del mes de marzo, era en el mes de enero (el undécimo mes) cuando los cónsules de la Antigua Roma asumían el gobierno. Julio César, en el año 47 AC, modificó el sistema creando el calendario juliano. Tras varias modificaciones, finalmente llegó a manos del papa Gregorio XIII en 1582 quien creó el que se utiliza hasta hoy.

Según la tradición judeocristiana, el 1 de enero coincide con la circuncisión de Cristo (ocho días después de su nacimiento, en Navidad), cuando recibe el nombre de Jesús. Con la expansión de la cultura occidental al resto del mundo durante el siglo XX, el 1 de enero se convirtió en una fecha de carácter universal, incluso en países con sus propias celebraciones de Año Nuevo.

Año Nuevo occidental

Hoy, Año Nuevo es una de las principales celebraciones en el mundo y se realizan grandes eventos en su honor. Los más grandes del mundo se centran en Sídney, Hong Kong, Londres, Nueva York, Río de Janeiro, São Paulo y Valparaíso.

• En Sidney, a medianoche se lanzan más de 80 mil fuegos artificiales ante más de un millón y medio de asistentes. Suele ser la fiesta más vista en televisión a nivel mundial.
• En Valparaíso reciben a más de dos millones de visitantes para presenciar la pirotecnia más imponente en escenario natural y una de las más gigantescas a nivel mundial. En total se cuentan más de 21 kilómetros de fuegos de artificio sobre toda la bahía, desde el Puerto Comercial de Valparaíso hasta la ciudad de Concón.
• En Nueva York la celebración se hace en torno a una gran bola de cristal que desciende sobre una multitud en Times Square. A esta fiesta asisten más de tres millones de personas.

En cuanto a la cultura latina existen muchas tradiciones y supersticiones. Algunas de las costumbres más comunes son:

• Las doce uvas: cada persona debe comer 12 uvas antes de las doce de la noche y pedir un deseo distinto en cada bocado.
• Comer lentejas: simbolizan un llamado a la fortuna y prosperidad. Es una costumbre común en Venezuela.
• Usar ropa interior rosa: en el mes de diciembre, los negocios se llenan de ropa interior rosa para regalar a las mujeres de toda familia.
• Velas: es frecuente el uso de una vela encendida para recibir el año y garantizar armonía y paz en el hogar.
• Piedras: en muchos hogares se escogen tres pequeñas piedras que simbolizan salud, amor y dinero.

El Año Nuevo en otras culturas

• El Año Nuevo Chino está basado en el calendario lunar. La celebración cae a la segunda luna nueva después del solsticio de invierno boreal. Puede ocurrir entre el 21 de enero o el 21 de febrero.
• El Año Nuevo Islámico se celebra el 1 de Muharram, aproximadamente a fines de enero e inicios de febrero.
• Rosh Hashanah es el Año Nuevo Judío, celebrado generalmente en septiembre según el calendario lunar.
• El Año Nuevo Hindú es celebrado dos días antes del festival de Diwali, a mediados de noviembre.

Cualquiera sea la fecha, cabe destacar que todas las culturas del mundo dividen su historia en años y las transiciones son siempre celebradas con alegría y esperanzas.

No obstante, los instintos más primarios de los seres humanos ya se habían reflejado con anterioridad en los cuentos infantiles. Los hermanos Grimm los rescataron de la tradición oral alemana, aunque tuvieron que edulcorar las historias para no escandalizar a la burguesía de la época con su alto contenido violento y sexual. Estas fábulas no estaban destinadas a los más pequeños, si no a púberes y adultos para advertirles de los graves “peligros” que habían en el mundo y cómo debían comportarse.

Tanto en ‘Blancanieves‘ como en ‘La bella durmiente‘ se introduce el mensaje subliminal de que un poco de sangre (por la menstruación y en la rotura del himen) es indispensable para la reproducción. En el caso de ‘Caperucita Roja‘, que recogió el escritor Charles Perrault, el color de su manto no es casual: es una representación simbólica del rito de paso de niña a mujer. La joven es asediada por el lobo, representación del macho que quiere mantener relaciones sexuales con ella, aunque se quiere dar la imagen de mujer recatada, la tentación sexual siempre está presente.

De los cuentos a Disney

Estos mensajes subyacentes desembocaron en las películas de la Factoría Disney. Actualmente, vivimos en la cultura de lo visual, en la que lo que tiene imagen provoca una mayor sensación de credibilidad frente a lo escrito, que se interpreta como más fácil de rebatir. En este escenario, los filmes proyectan una influencia superior en la conciencia de los niños, ante los que se convierten en agentes pasivos.

En este tipo de películas se ha de diferenciar entre la muestra de actitudes sexuales y los mensajes subliminales referentes al sexo. Éstos últimos no influyen tanto en el niño porque no entran en su acervo cultural, y son más bien un guiño para los adultos.

Estos son algunos de los secretos escondidos entre los fotogramas de los filmes:

• En el cartel promocional de ‘La Sirenita‘ se observa claramente el miembro viril en una de las torres del castillo. En la misma película, el cura que casa a Vanesa (la forma humana de la malvada Úrsula) y a Eric tiene una erección al ver a la muchacha.
• En una escena de ‘El Rey León‘ se puede leer en el cielo la palabra “Sex”.
• En ‘Los Rescatadores‘ se puede ver la imagen de una mujer desnuda.

En el audio de los filmes, también hay secretos. Aunque esta teoría se niegue o se justifique afirmando que es un problema de audio, en la película ‘Aladín‘ se pueden escuchar “Good teenagers, take off your clothes” (”Buenos adolescente, quitaos la ropa” -a partir de el minuto 3:25 del vídeo-).

Actitudes sexuales explícitas

Por otro lado se pueden encontrar actitudes sexuales llevadas a cabo por los dibujos animados. Como ocurre con los cuentos infantiles (recopilados y reescritos por los hermanos Grimm o Perrault), lo que se quiere reflejar es la diferencia de roles masculino y femenino. Las mujeres suelen coger el papel de “pobres muchachas” esperando la llegada del héroe “macho” que las salvará. La mujer se puede clasificar en tres roles fundamentales. Lo que simboliza lo puro y lo bello, la inocencia y la sumisión; la mujer como bruja o malvada y la mujer como madre. En muy pocas películas, como ‘Mulán’ o ‘Pocahontas’, la mujer es fuerte e independiente.

Algunos padres alzaron la voz en su momento para denunciar el alto contenido sexual de Disney. Criticaron que Simba, de ‘El Rey León‘ fuera criado por dos animales machos (Timón y Pumba), los cuales en una de las escenas se dedican a vigilar a su “retoño” en la cita que tiene con Nala. En ese romántico momento, los dos jóvenes leones caen juguetones por la ladera mientras se va haciendo de noche. Nala lame a Simba y se acercan, cuando empiezan a retozar por el suelo la imagen vuelve a Timón y Pumba repentinamente.

En el caso de ‘La Bella y la Bestia’, la sexualidad es mucho más latente. En el pueblo, tres rubias se enamoran de Gastón porque es muy atractivo. Coquetean con él y llevan un vestido que acentúan considerablemente sus pechos. Minutos después, un mercader se queda mirando el pronunciado escote de una de las aldeanas aunque su esposa está detrás de él.

Los mensajes subliminales de las películas de Disney son imperceptibles para el ojo humano, pero muchos son legibles para el cerebro, quedándose esa información en el subconsciente. No obstante, más importante que el contenido sexual es la sexista división de roles que se pueden observar en muchas de esas historias. No se puede olvidar que los cuentos y las películas infantiles son uno de los agentes socializadores más importantes en la infancia e influyen notablemente en su crecimiento intelectual y emocional del niño.

La obra nació como un proyecto de hermanamiento entre autores japoneses cercanos a la nueva corriente llamada la nouvelle manga y los dibujantes del BD (bandé dessinée) francés. Todo organizado por los Institutos y Alianzas francesas de Japón y coordinado por el francés, aunque cada vez más japonés, Frèderic Boilet. Después de esta primera experiencia repitieron la fórmula, pero esta vez centrándose en Corea del Sur y con autores autóctonos del país.

17 firmas

Cada historia está presentada con el título de la misma, la localización geográfica de la trama (representada mediante un mapa de Japón) y un breve perfil del autor. Algunas joyas (sobre todo de los japoneses), buenos tebeos en general y algunas excentricidades que desentonan con el resto, componen el álbum:

• ‘Historia de la playa‘, de Kan Takahama: estilo de dibujo intensamente cálido y sensibilidad desparramada por las viñetas. Una de las mejores.
• ‘La puerta de entrada‘, de David Prudhomme.
• ‘Cielo de verano‘, de Taniguchi: con un estilo de dibujo muy personal nos presenta una historia de nostalgia llena de sentimiento.
• ‘¡Ya me puedo morir!‘, Aurelia Aurita: al estilo de su ‘Fresa y chocolate’, la historia más divertida y menos pretenciosa.
• ‘Osaka 2034‘, de François Schuiten & Benoît Peeters: más cercana al cuento que al cómic, presenta una historia futurista en Osaka.
• ‘Shin.Ichi‘, de Emmanuel Guibert: más textos acompañados por ilustraciones.
• ‘Los nuevos dioses‘, de Nicolas de Crécy: seguramente la historia más genial de todo el álbum.
• ‘Kankichi‘, de Taiyo Matsumoto: nos relata una historia tradicional japonesa que habla de un chico mitológico con poderes extraordinarios.
• ‘El Tokio de Oualtérou‘, de Sfar: muy irónico y el más sincero.
• ‘El girasol‘, de Little Fish: el más moderno, rompedor, joven. Todo un descubrimiento.
• ‘Elegir un insecto‘, de Moyoko Anno: una de las historias más insulsas.
• ‘La calle del amor‘, de Frèderic Boilet: el maestro da una clase de dibujo y de narrativa a todos los demás haciéndole un guiño a su amante, Aurita.
• ‘La ciudad de los árboles‘, de Fabrice Neaud: la historia más turística, aunque demasiado egocéntrica.
• ‘El caballo Chagu Chagu‘, de Daisuke Igarashi: con un estilo de manga muy tradicional y a la vez moderno que destaca sobre el resto.
• ‘Selva virgen‘, de Kazuichi Hanawa.
• ‘Saporo fiction‘, de Étienne Davodeau.

Después de sumergirse en este libro, es difícil contener las ganas locas de entrar en internet para buscar un vuelo económico para Japón. Una gran idea editorial…

FICHA

• Nombre: ‘Japón, visto por 17 autores’
  
• Autores: Varios
• Editorial: Ponent Mon
• Volúmenes: 1 (16 cómics)
• Páginas: 256
• Precio: 16 €

Allí, en ese local (con uno de los pocos patios de butacas con bar que debe de haber en la ciudad, sino el único) ubicado en el barrio castizo de Malasaña, rodeado de tiendas regentadas por asiáticos, tuvimos la suerte de asistir a la presentación de ‘Boris Vian‘ (en cartel del 12 al 23 de noviembre pasados), el último disco de Andy Chango. Con un montaje inspirado en el cabaret (divertidos monólogos y chapuceros efectos especiales chino-argentinos incluidos) y arropado por una pequeña, pero más que solvente banda, en la que destacan imprescindiblemente Norman Hogue (trombón y una excelente intervención como voz solista en ‘The Deserter‘) y Fernando Lupano (contrabajo), el cantante argentino fue desgranando, con su habitual mezcla de ironía, humor e indolencia, el repertorio de este álbum dedicado a la figura de Boris Vian. Además, sólo él puede ser capaz de acompañar al piano a Mateo, el hijo de Ariel Rot, en ‘Cuatro euros con 50‘ (quien también la canta en el disco) y conseguir que ambos salgan airosos del arriesgado lance. O reservar un rincón del escenario, con sillón y mesita con cenicero incluidos, para todo aquél que no pudiera resistir ver fumar constantemente a Andy Chango y deseara echarse un cigarrito liberador.

La adaptación de los textos y canciones de Boris Vian, escritor, ingeniero y músico francés (1020-1959), patafísico convencido, ha sido realizada junto a Luis Antonio de Villena y Javier Krahe. La música, una apañadísima mezcla de jazz, blues y rock and roll, envuelve un trabajo que reivindica y saca a la luz la figura de aquél mítico bohemio del siglo pasado, cuya controvertida vida y no menos polémica obra continúa siendo hoy altamente interesante.

En el disco ‘Boris Vian‘ intevienen, enriqueciéndolo, muchos amigos de Andy Chango: Andrés Calamaro, Ariel Rot, Fito Páez, Antonio Serrano o Jerry González.

Y Andy Chango nos deleita, todas las semanas, con su programa en Radio 3: ‘Andy y amigos’. ¿Qué más se puede pedir?

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Andy Chango, ‘Boris Vian’, 2008

Charles Lindbergh, conocido por ser el primer piloto en cruzar el océano Atlántico en un vuelo sin escalas, en solitario y convertido en héroe nacional inmediatamente, fue entre muchas cosas un convencido partidario del aislacionismo (doctrina practicada en Estados Unidos en la que se proponía que el país no debería participar en asuntos externos y que no tuvieran nada que ver con el mismo) y seguidor entusiasta de Hitler y sus políticas selectivas.

La novela de Roth, en ese sentido, utiliza la popularidad que Lindbergh tuvo durante esos años y las constantes fobias, miedos, luchas raciales y antisemitas que a lo largo de los años han sido una constante real y persistente en Estados Unidos (recordar que la novela está ambientada en plena II Guerra Mundial) para sugerir que hubiese pasado si Lindbergh hubiera participado como candidato republicano y hubiera ganado las elecciones de 1940.

La manera en como está estructurada la novela, una especie de collage de historias veraces e imaginarias y personajes de nombre y apellido real en un mundo narrativo colosal e intuitivo, es en definitiva magistral. Tenemos, por ejemplo, al narrador que participa como el recuerdo de un personaje llamado Philip Roth cuando era niño y lo que significó para su vida este acontecimiento dentro de una familia judía en un barrio casi exclusivamente judío llamado Newark.

La familia es la base toda sociedad, por tal motivo es en el seno de la familia del niño Philip Roth desde donde parten todas la inquietudes, desde donde se reflejan los miedos y donde nacen las esperanzas. La perspectiva del niño es un referente que sirve para plantearnos sucesivas situaciones que podrían finalmente guiar  el destino de los judíos-estadounidenses y de la familia en sí. Situaciones que son analizadas por el narrador adulto y que nos dan la pauta de lo que acontece.

Lazos familiares

Sandy es el hermano púber y mayor de Philiph. En muchos sentidos es el héroe a seguir que, sin embargo, fractura su imagen al llegar de un viaje de verano convencido de la política aislacionista de Lindbergh, creando conflictos en medio de la familia. El primo Alvin, que fuera también héroe de Sandy y del pequeño Philiph, regresa de la guerra sin una pierna. Se alistó como voluntario, con ideales y deseos de reivindicación y regresa finalmente decepcionado con todos los que le rodean e incluso con los ideales por los que se fue a luchar. No sólo le mutilaron la pierna, sino el sentido de su vida. El padre a pesar de ese aire de psicótico que parece tener a lo largo de la novela, termina siendo el más razonable, el que tiene una lectura muy clara de lo que sucede a su alrededor, lo que le provoca una lucha interna entre lo que debería hacer y sus principios, que en definitiva inmiscuyen a su esposa y a todos aquellos que le rodean.

Radiografía social

La descripción de las costumbres de la época y la forma como estas influyen, tanto en el progreso como en las perversiones de los estadounidenses removiendo todo aquello que ellos consideraban consolidado, es una de las imágenes más contundentes que tiene la novela. Roth nos demuestra que ni siquiera sociedades como la norteamericana, que se consideran cohesionadas y cuyo espíritu es incluso considerado en muchos casos como patrimonio nacional, pueden escapar a la vorágine de dudas que se forman al poner al descubierto sus temores. En ese sentido, el antisemitismo, fantasma que persigue a los judíos afincados en esta parte del mundo, termina por tornarse real y evidente, el lado oculto, lo perverso de la sociedad estadounidense queda a flor de piel, al no tener cadenas que los detengan. Es como la mayoría de las sociedades, según el planteamiento de Philp Roth: violenta y sectaria.

Una novela recomendable, no sólo por la calidad de lo escrito y por el andamiaje estructural del libro que te hace leer casi sin respirar, sobre todo en los capítulos finales, sino porque la historia dentro de la novela llega a un punto donde uno se pone a pensar si el antisemitismo no es al final la enajenación de los mismos judíos-norteamericanos que gobernados por un presidente aliado de Hitler, dentro de un país supuestamente liberal, ponen de manifiesto tornándolo irremediable.

Ficha técnica:

• Título: ‘La conjura contra América’
• Autor: Philp Roth
• Editorial: Debolsillo
• Páginas: 432

No obstante, Sticky & Sweet tour es una gran fiesta. En dos horas de pop, rock, color, brillo y coreografías perfectas, Madonna cumple lo que promete y los espectadores no pueden creer lo que ven sus ojos.

A pesar de que faltan muchos hits en el show, la gente queda conforme porque lo visual supera todas las expectativas. El escenario es impactante, el juego de luces acorde con cada tema así como los rayos lasers, el colorido que brinda su vestuario y los videos en las cinco pantallas (la principal es desmontable) que permiten que el espectáculo sea visto por todo el estadio.

Los 24 temas reversionados pasan como un gran video clip en el que Madonna demuestra que es capaz de ganarle la batalla al tiempo. La diva toca una guitarra eléctrica, juega con su micrófono, canta a capella, salta en el clásico juego de la soga y sigue en pie.

El show se divide en tres partes:

• Recorre varios clásicos de la diva en nuevas versiones dance.
• Remakes con estilo étnico.
• El estadio se convierte en un gran boliche al ritmo de los mejores temas pop de la diva.

Las canciones recorren toda la discografía de la Reina: ‘Candy shop’ , de su último disco ‘Hard Candy’, abre el show con la rubia sentada en un imponente trono con una “M” gigante. Luego siguen ‘The beat goes on’; ‘Heartbeat’; ‘Miles away’; ‘Hung up’; ‘Vogue’; ‘Music’; ‘Ray of light’; ‘Like a prayer’ y un gran cierre con ‘Give it 2 me’ que precede el “Game Over” anunciado en las pantallas.

Los mejores momentos

‘She’s not me’ es, conceptualmente, “el tema” del concierto. Un gran despliegue muestra a varias bailarinas vestidas como Madonna en diferentes épocas, haciendo las veces de maniquíes. Hay una “chica material”, una “chica vogue” y hasta una “chica virgen”. La artista desfila frente a ellas y pelea con su pasado, desenmascara a cada una y comprueba que ninguna es realmente ella, aunque a una “Madonna” le da un efusivo beso en la boca. Además de éste, otro de los momentos excitantes del show es en la canción ‘Into the groove’. El estadio se convierte en un gran boliche en el que Madonna da un show bailando en un caño móvil.

Uno de los temas más ansiados por el público argentino es ‘La isla bonita’. Y Madonna complace a sus fans con una versión inesperada. Con estilo y ritmo gitano, el escenario se convierte en una cantina y todos cantan y bailan creando un clima íntimo de complicidad y diversión. En el intermedio de danza étnica remixa además ‘Rain’ y ‘Spanish lesson’. La combinación de espiritualidad, danzas nativas y la música latina, flamenca, balcánica le dan fuerza, color y “sangre caliente” a una puesta impecable.

En Argentina, el show fue adaptado para que la Reina cantara los temas ‘You must love me’ y ‘Don’t cry for me, Argentina’, de la película musical ‘Evita’, acompañada por una gigante bandera del país en todas las pantallas. Muchos se emocionaron, porque además Madonna cantó casi a capella en un show donde muchos cuestionaron si la diva realmente cantaba sus canciones o efectivamente hacía playback.

Madonna se acercó al público y preguntó si querían cantar. Ante la efusividad, se dirigió a un muchacho. “¿Cómo te llamas?”, “Tomás”, respondió él. La diva le pidió que elija un tema y él dijo lo que todos gritaban: ‘Like a virgin’. “¿Eres virgen?”, le preguntó Madonna. “Mitad y mitad”, contestó el joven haciéndose el misterioso. “¿Mitad y mitad?, luego vamos a discutir eso”, dijo la Reina con picardía.

Claro que la diva no habló una palabra en español, pero de inmediato comenzó a cantar a capella con el público. Los argentinos no somos reconocidos por saber de memoria las canciones en inglés, sino que acudimos al muy conocido “spanglish”. Aunque la diva insistía con el canto, el estadio le devolvió aplausos, gritos y tarareos.

Luego se confirmó en una radio nacional que Tomás llamativamente había sido el elegido por Madonna en 3 de sus 4 shows. El joven confirmó que en las primeras dos ocasiones él había comprado su ticket y tuvo la suerte de que la diva lo eligiera. Claro que en la segunda ocasión, al ver que ella lo recordó, la producción del tour no perdió el tiempo e invitó al muchacho a hacer su acto en la función que sería grabada para el DVD mundial.

Hey, Mr. VJ!

En un show en el que lo visual juega más que lo coral, destacan varios videos:

• El tema ‘Human nature’ es acompañado en las pantallas con imágenes de Britney Spears, Pharrell Williams, Timbaland y Kane West . Madonna canta mientras detrás de ella su sucesora, Britney, bailotea y hace coros. Estos artistas tienen un doble valor: son los artistas más populares y taquilleros y en el sur del mundo son figuras de los últimos tiempos que nunca tocaron en vivo.
• El tema ‘4 minutes’ es uno de los más esperados de la noche. El show entero se centra en el tema del tiempo y en reiteradas oportunidades se oye el “tic-tac-tic-tac” en boca de la diva. Cerca del final llega el momento. Con los primeros acordes la gente grita de excitación y queda boquiabierta al ver la gigante pantalla central dividirse en varias partes rectangulares. En cada una de ellas canta y baila Justin Timberlake junto a Madonna, que interactúa con cada una de sus imágenes.
• En el tema ‘Get stupid’ un video marca el momento político de la noche. En éste pasan distintas imágenes y personajes de la historia, entre los que se destacan el repudio a Hitler y la alabanza a Barack Obama.

• El clásico ‘Like a prayer’ es el más bailado y coreado de la noche entre avalanchas, saltos y aplausos. ¿Recuerdan el video lleno de cruces?, bueno, ahora la diva que se convirtió al judaísmo, mostró videos con imágenes judías, escritos hebreos e incluso árabes.

Oscuridad detrás de las luces

Su llegada a la Argentina se vio opacada por varios errores en la organización. Primero, cuando las entradas (que iban de 45 a 135 euros) se pusieron a la venta en septiembre se prometía una única función para el 6 de diciembre. Las localidades se agotaron en pocas horas, pero días después se anunciaron nuevos shows para los días 3, 4 y 7 del mismo mes. Miles de fans estaban furiosos por haber hecho largas colas de días enteros para conseguir tickets para la primera función, que ahora era la tercera. Peor aún: a las pocas semanas, misteriosamente las entradas dejaron de estar agotadas y se pusieron nuevas localidades a la venta.

Cuando parecía que nada más podía pasar, el miércoles 3 se anunció que la función de esa misma noche se suspendía ya que un avión que contenía toneladas de escenografía se encontraba demorado. La función se pasó para el viernes 5, aunque miles de fans ya estaban acampando en las inmediaciones del estadio River Plate.

También fue postergada la función del sábado 6 para el lunes 8. Es decir, que la primera noche que se puso a la venta fue la última en que se presentó la diva en Buenos Aires. Además, con un mal pronóstico climático, el show de gran categoría se retrasó 45 minutos. La espera parecía sin fin para los primeros fanáticos que habían comprado sus tickets tres meses atrás. Para conformar a los concurrentes, ese día se fijó para grabar íntegramente las imágenes que se verán en el dvd de la gira mundial que se lanzará en 2009.