Con el paso del tiempo, el panorama que bosquejábamos por aquel entonces ha cambiado. ¿Cómo es la situación ahora? Las cábalas de este verano no han servido de nada. Finalmente, Cuatro y Telecinco han comenzado su proceso de fusión,  que ha hecho incluso que el secretario general de la cadena de Fuencarral, Mario Rodríguez, dimita. Mientras, Antena 3 y La Sexta negocian por otro lado en un proceso cuyo final es más dudoso. Por otra parte, incluso el director general de Veo7, Melchor Miralles, insinuó en una entrevista que no descarta una posible fusión con las cadenas del grupo Planeta y Mediapro.

Las fusiones permitirán a los conglomerados salientes ganar una mayor cuota de audiencia y formar unos “pequeños gigantes” audiovisuales. Aunque no se trataría de fusiones puras, sino que se mantendrán las marcas por separado, no todo son ventajas en la operación:

• Una fusión siempre obliga a eliminar aquellos elementos repetidos en ambas empresas. En este caso loss duplicados serán los trabajadores.
• Las fusiones harán mermar la pluralidad informativa. Las dos combinaciones presentadas harán que Cuatro y La Sexta tengan que virar en su rumbo ideológico. Por esa razón hay quien ha querido ver la salida de Iñaki Gabilondo de Informativos Cuatro como un ‘castigo’ por sus críticas hacia el primer ministro italiano, Silvio Berlusconi (propietario de Mediaset, empresa que participa en Telecinco).

La TDT que nos llega

Por otra parte, el pasado 10 de marzo comenzó la fase final para eliminar toda la señal analógica del territorio español e implantar la Televisión Digital Terrestre, que, gratuita o de pago, permitirá una mayor calidad de imagen y sonido o la interactividad con el usuario mediante el sistema MHP y la emisión en 3D o Alta Definición. Mientras se espera el total ‘apagón analógico’, el panorama que nos ofrece la TDT en España es prácticamente el mismo que el que ya esbozaba en verano:

“Con el tiempo hemos visto que se ha convertido en un paquete de canales donde se sirven reposiciones de las ‘cadenas madre’ o programas de teletienda, o cadenas que ya existían (como Teledeporte o CNN+)”.

Con las honrosas excepciones de Intereconomía y Veo 7, la TDT no ha ofrecido todavía contenidos novedosos o canales destinados a revolucionar la televisión en España. La derecha mediática ha encontrado, para queja de la izquierda, un asentamiento como nunca antes había tenido en el audiovisual español.

Sin embargo, y quizá debido a la crisis económica, la TDT en España necesita todavía un largo camino para desarrollarse y ofrecer productos que compitan en calidad, originalidad y audiencia. La producción de ficción exclusiva para los nuevos canales es un ejemplo, y va desde ‘Impares’ a la próxima producción de los chicos de ‘Muchachada Nui’. Y ni siquiera la TDT de pago está lo suficientemente desarrollada.

En el campo político, la TDT se está haciendo más plural ideológicamente hablando, y eso se agradece después de la merma ya nombrada en las cadenas generalistas por culpa de las fusiones. A pesar de todo esto, todavía hay que potenciar mucho más los contenidos de creación propia (no sólo de baratos debates vive el hombre) y la suculenta posibilidad de potenciar la interactividad entre usuarios. Y para ello hay que invertir dinero y esfuerzo ¿Será la TDT la oportunidad perdida de regenerar el audiovisual televisivo español?

Una Ley en proceso de fabricación

El último frente se dirime después de que el  Senado diera el visto bueno a la Ley Audiovisual: sólo falta que el Congreso la ratifique, algo que sucederá esta misma semana. Como ya contamos, la Ley pretende, entre otras muchas cosas, suprimir la violencia y la pornografía en horario infantil o crear un Consejo Estatal de Medios Audiovisuales como organismo regulador de la televisión española cuyas decisiones no serían vinculantes. Ahora, una de las enmiendas añade que, para proteger a la infancia, sólo se podrán emitir programas de esoterismo fuera el horario protegido (de diez de la noche a siete de la mañana).

En los últimos días han surgido voces críticas contra el proyecto legislativo. El Partido Popular presentó en el Senado cincuenta enmiendas contra algunos aspectos de la Ley, y desde el Gobierno de La Rioja se ha criticado la limitación de la publicidad de bebidas alcohólicas en horario infantil, prohibición que afectaría al sector vinícola, tan importante en la región.

Varias preguntas se plantean sobre la Ley Audiovisual: ¿Tendrá éxito su implantación? ¿Los niños estarán realmente protegidos de los contenidos perjudiciales para su edad o las cadenas obviarán las multas, como han hecho hasta ahora? Y en cuanto al Consejo Estatal de Medios Audiovisuales, ¿conseguirá ser una institución verdaderamente independiente del poder político?

Y mientras crítica y audiencia se rendían ante una nueva programación con más calado social y cine sin cortes, los trabajadores comenzaban a protestar por su situación laboral y por lo que no se publicitaba sobre los bastidores de Prado del Rey. ¿Qué está pasando en TVE?

Oliart, ese hombre

Una mañana de noviembre, tras numerosos e intensos rumores, el presidente de la Corporación RTVE, Luis Fernández, presenta su dimisión. Su sustituto es Alberto Oliart, un octogenario abogado que fue ministro de Sanidad e Industria con Adolfo Suárez y que creía que las parrillas eran sólo “donde se asaban las costillas”.

Su elección, controvertida por no ser el ex ministro un hombre curtido en las labores audiovisuales, ha estado seguida de numerosas polémicas: cuando a comienzos de enero eligió a los nuevos directores de RNE y TVE y el Consejo de Administración no aceptó los cambios por ser estos precipitados (de hecho, no todos los consejeros votaron a favor de dichos nombramientos), amenazó con dimitir; tras pedir disculpas por su comportamiento, propuso la renovación de varios consejeros, pero no se le hizo caso; hace unos días, se marchó de repente de una de las reuniones para un encuentro con el ministro de Trabajo, Celestino Corbacho, sin dar explicaciones. Para rematar la faena, Oliart fichó a su sobrina, Silvia Delgado, como miembro de su gabinete y planea fusionar La 2 y Cultural.es en medio de una política de ahorro por la que también pretende suprimir el motociclismo y el tenis.

Sin embargo, y por destacar otros asuntos más favorables a la imagen de Oliart, el veterano presidente de la Corporación expresó que TVE Catalunya (donde se encuentra, por ejemplo el centro operativo de los programas infantiles de la casa, con ‘Los Lunnis‘ como emblema) aumentaría su nivel de producción para aprovechar el “talento y creatividad” de sus trabajadores.

2010: Una nueva programación sin publicidad

La Ley de Financiación de TVE, aprobada el pasado verano, contemplaba la supresión de los espacios publicitarios en las cadenas del Ente público, algo que ya se estaba viendo en Radio Nacional: en adelante sólo se emitirían campañas institucionales y de interés general o autopromociones de sus programas.

Con este nuevo marco legal, TVE se financiará exclusivamente con fondos del Estado y un porcentaje de los ingresos de las televisiones privadas y las compañías de telecomunicaciones obtenido a través de un nuevo impuesto. La alegría por el nuevo método de  financiación ha durado poco: la Comisión Europea ha decidido paralizarlo para su estudio y hasta que no se pronuncien, el Estado no podrá usar ese dinero para financiar TVE.

A consecuencia de la nueva Ley, la programación de los dos principales canales estatales, La 1 y La 2, sufrió varios cambios, ya visibles desde finales de agosto con ‘La mañana de La 1‘, el nuevo contenedor de entretenimiento e información para las mañanas del primer canal. La programación de La 2 se ha redefinido en dos grandes contenedores informativos de gran calado social para el mediodía y las últimas horas de la tarde.

Entre los cambios más llamativos están la prolongación de los informativos, el aumento de la emisión de cine y de programas informativos (algunos de ellos salidos del canal informativo 24 Horas) o la supresión de las series norteamericanas de la parrilla diaria.

Las novedades no están sólo presentes en los contenidos, sino también en los aspectos técnicos, pues desde finales de enero varios programas se emiten en el formato de Alta Definición 16:9 (el utilizado en el cine), tales como ‘Crónicas‘ o ‘En portada‘. La audiencia ha respaldado todos estos cambios desde los primeros días de emisión: en díez días, TVE ganó 2,9 puntos de share. Ahora la pregunta es: ¿Podrá vivir TVE sin publicidad o tendrá que volver al anterior sistema de financiación?

La externalización de los servicios

Durante las últimas semanas, los sindicatos y trabajadores de TVE han criticado duramente la externalización de ciertos servicios que se está llevando a cabo, como el montaje de algunos programas informativos de La 2 o la producción de series como ‘Águila Roja‘ o ‘La señora‘, labores en las que no se cuenta con trabajadores de la casa. Del mismo modo, en un texto publicado en el blog de Sonia Blanco se criticaba también la adjudicación de las retransmisiones de la Lotería Nacional y los eventos deportivos a Mediapro mientras 25 unidades móviles y sus trabajadores están parados en Prado del Rey.

Por razones como éstas, los sindicatos convocaron varios actos para los meses de febrero y marzo: el pasado 14 de febrero, más de 300 trabajadores protestaron ante los invitados a la gala de los Premios Goya; a partir del día 17 se realizarían paros puntuales que afectaban a la grabación de programas como ‘59 segundos‘ o ‘La mañana de La 1‘; para el día 20 había prevista una manifestación y este mismo miércoles hubo una huelga general durante todo el día.

¿Cómo terminará el año?

En este ambiente de crispación laboral y dudas económicas se está gestando Televisión Española durante una nueva etapa de su historia. Sólo el tiempo dirá si finalmente podrá vivir sin la financiación de la publicidad, con los roces entre Oliart y los directivos y trabajadores de la casa o sin menos producción externa. El tiempo lo dirá.

Entre las apuestas de ambos canales de cara a la parrilla de la próxima temporada nos encontramos reencuentros con viejos conocidos, los primeros pasos de un auténtico mito del periodismo digital en el mundo de las series y varias adaptaciones literarias interesantes. ¿No pica un poco la curiosidad?

El ABC para la próxima temporada de la ‘ABC’

Pendientes de lo que vaya a suceder con ‘FlashForward’ y el remake de ‘V’, a las que tanto audiencia como crítica no han respondido todo lo bien que se esperaba, la cadena de Disney cuenta con varias ficciones interesantes que podrían suplir sus puestos en la parrilla de la próxima temporada. Pero no todo han sido incertidumbres para la ABC en lo que va de año. El éxito de varias de sus comedias – especialmente ‘Modern family’, pero también en menor medida ‘Cougar town’ y ‘The middle’ – ha sido un aliciente para que la cadena decida seguir invirtiendo en carcajadas. Y algunas de ellas van a sonar bien alto.

• ‘Mr. Sunshine’ (Matthew Perry, Alex Barnow, Mark Firek): el esperado regreso de Mathew Perry (’Friends’) a la pequeña pantalla viene acompañado de una original propuesta argumental: el gerente de un estadio de fútbol de San Diego cumple 40 años y comprende que no puede continuar con el estilo de vida despreocupado y juerguista que ha llevado hasta entonces. Lo que viene a ser una crisis de los 40 de toda la vida, reemplazando los disgustos por risas (sin enlatar). Por si no fuera suficiente, el aderezo lo pondrá un reparto a la altura del protagonista: Allison Janney, conocida por su papel de secretaria de prensa en ‘The west wing’; y Andrea Anders, que pasó sin pena ni gloria por ‘Joey’ (el bochornoso spin-off de ‘Friends’) y se resarció con un personaje maravilloso en la infravalorada ‘Better off Ted’.
• ‘Awkward situations for Men’ (Jeff Filgo & Jackie Filgo): esta adaptación del libro homónimo e inédito del comediante británico Danny Wallace, narra el aterrizaje de éste en los Estados Unidos y su integración en la cultura y valores de la primera potencia mundial. Para salvaguardar el parecido, el propio Wallace será uno de los productores ejecutivos de la serie.
• ‘Freshmen’ (Greg Malins, Arianna Huffington): si se entusiasmaron con la noticia de que HBO producirá una serie sobre bloggers, les gustará saber también que el interés entre la web 2.0 y la ficción televisiva se ha probado mutuo. No hay más que ver quién se encuentra detrás de esta prometedora sitcom multicámara sobre la experiencia de ser un freshmen (“novato”) en el Congreso de los Estados Unidos. Se trata de la ateniense Arianna Stassinopoulos, nacionalizada estadounidense, y más conocida en la tierra de las oportunidades por su apellido de casada y el medio digital al que da nombre: Huffington. Si la serie, que será protagonizada por Sarah Chalke (’Scrubs’), cosecha tansolo la mitad del éxito que alcanzó su innovadora red de bitácoras periodísticas, los ejecutivos de la ABC podrán darse con un canto en los dientes.
• ‘Women are crazy, men are stupid’ (Howard Morris y Jenny Lee): bajo este provocador título se esconde otra adaptación de una obra literaria, en este caso con un guión firmado por los propios autores de la novela. Se centrará en una pareja de divorciados que tratarán de resarcirse juntos de sus malas experiencias pasadas… si llega a rodarse, ustedes serán los que no tendrán la posibilidad de resarcirse de este tipo de historias repetidas hasta la saciedad, pero no se preocupen: teniendo en cuenta el nivel de la competencia es muy probable que no ocurra.
• ‘Matadors’ (Jack Orman): dejando de lado las comedias, se trata del proyecto de ficción dramática de ABC que más ha dado que hablar en la blogosfera. ¿Será por su línea argumental, que algunos comparan con la historia de Romeo y Julieta? ¿O será por los actores implicados en el proyecto? Probablemente ninguna de las dos. En realidad, lo que se esconde bajo el confuso título es una serie de abogados en la que dos familias (las pueden apodar Montesco y Capuleto) se baten sin cuartel por el control del gremio. Los protagonistas serán Jonathan Scarfe (’Raising the bar’), que hará las veces del Romeo de turno, y Michelle Borth (’The forgotten’), que emulará a Julieta en su versión picapleitos.
• ‘187 Detroit’ (Jason Richman): interesante replanteamiento del manido drama criminal, rodado a modo de mockumentary (falso documental) y con pinceladas cómicas para aliviar la tensión. El hecho de que la ABC no sea la cadena más curtida en este tipo de ficción se puede interpretar tanto como algo negativo -sobre todo de cara al tirón comercial- o positivo -si aceptamos que un nuevo punto de vista es justo lo que el género necesitaba-.
• ‘Cutthroat’ (Michele Fazekas, Tara Butters): lo que aparece si sitúas el argumento de ‘Weeds’ tras un espejo de visión aumentada. Una dramedia sobre una madre soltera que dirige un cártel internacional de droga desde Beverly Hills. Como sucede con los susodichos espejos, para algunos la deformación resultará curiosa y para otros grotesca.

Estos proyectos de ABC compartirán quinielas con otros, en principio menos atractivos, como ‘Body of evidence’ (Chris Murphey), ‘Edgar Floats‘ (Rand Ravich), ‘Generation Y’ (Noah Hawley), ‘No ordinary family’ (Jon Feldman, Greg Berlanti), ‘Off the map’ (Jenna Bans, Shonda Rhimes, Betsy Beers), ‘The whole truth’ (Tom Donaghy, Jerry Bruckheimer, Jonathan Littman), ‘True blue’ (Jon Feldman and Chris Brancato), ‘Funny in farsi’ (Nastaran Dibai, Jeffrey B. Hodes), ‘How to be a better american’ (Steven Cragg and Brian Bradley), ‘It takes a village’ (Casey Johnson, David Windsor) y ‘Who gets the parents?’ (Joe Port, Joe Wiseman). También están en el tintero proyectos sin bautizar de Richard Hatem, David Caspe, Shana Goldberg-Meehan y Dana Gould.

La ‘Fox’ no es sólo Simpsons y Seth MacFarlane

Como no podía ser de otra forma, también la cadena del ex-australiano Rupert Murdoch ha empezado a desempolvar las biblias de proyectos de serie interesantes y a encargar nuevas creaciones a mentes ya reconocidas en el gremio, como las de Shawn Ryan (’The shield’), Greg García (’My name is Earl’) o los dúos Matt Olmstead y Nick Santora (’Prison break’) y David Kohan y Max Mutchnik (’Will & Grace’). Todo esto (y algunos ases en la manga más) debería ser suficiente para enmendar” varapalos como el de la fallida comedia ‘Brothers’ y suplir en lo posible la pérdida (aún no confirmada, pero muy temida) de uno de los buques insignias de la cadena: ‘24′.

• ‘Ridealong’ (Shawn Ryan): algunos no se cansan de tocar siempre los mismos palos. Hablábamos ayer de la obsesión de David E. Kelley por la series de abogados, pero su caso no es ni mucho menos excepcional. Shawn Ryan, creador de la ya mítica ‘The shield’, continuará narrando las aventuras de la pasma estadounidense, esta vez por medio de las peripecias de un policía veterano y su compañero de patrulla, un recién llegado a las calles de Chicago que busca cumplir con el legado familiar. ¿Por qué eligió esa ciudad y no otra? Según sus propias palabras, porque Chicago “se ha convertido en el centro del universo: es el lugar donde nació Barack Obama, es candidata a celebrar los juegos olímpicos y es donde Oprah difunde su sabiduría”.
• ‘Breakout kings’ (Matt Olmstead, Nick Santora): un procedimental sobre marshals que trabajan codo con codo con ex convictos para atrapar criminales. Si la NBC da luz verde a ‘The Chase’ asistiremos a una lucha de titanes entre dos ficciones muy parecidas y ambas avaladas por grandes profesionales. En este caso hablamos de Matt Olmstead y Nick Santora, dos de los hombres que estuvieron detrás del éxito de la primera temporada de ‘Prison break’, una de las más brillantes obras de televisión de los últimos años. Lamentablemente, también fueron parcialmente culpables de las posteriores hornadas de episodios, y por lo tanto del declive creativo que tanto disgustó a la audiencia. Ese factor podría pesar en Fox en el momento de tomar la decisión.
• ‘Keep hope alive’ (Greg García): en esta nueva ficción del padre de ‘My name is Earl’ un veinteañero simplón tratará de criar a su hija con la ayuda de su cómica y estrafalaria familia. El reparto, ya confirmado, estará compuesto por Garret Dillahunt (’Sarah Connor’s chronicles’) en el papel protagonista, Kate Micucci, Lucas Neff, Martha Plimpton y Olesya Rulin.
• ‘Strange brew’ (David Kohan, Max Mutchnik): los creadores de la primera serie con un acercamiento complejo al tema de la homosexualidad, ‘Will & Grace’, vuelven a la carga con una comedia multicámara especialmente recomendada para los amantes de la cerveza. La historia girará, entre caña y caña, alrededor de los dueños y empleados de una destilería familiar.
• ‘Nevermind Nirvana’ (Jay Saghal): la experiencia nos indica que cuando una comedia se adentra en la jungla de la identidad étnica y cultural pueden suceder dos cosas: que acabe ofendiendo a mucha gente o que se convierta en una obra maestra. En esta ocasión, la tradición retratada será la hindú, a la que pertenecen los padres del creador de la serie y los dos personajes principales, dos hermanos que protagonizarán un catódico choque de culturas: mientras que uno de ellos descubre el amor pagano en una mujer blanca, el otro aceptará un matrimonio de conveniencia organizado por sus padres. Dos curiosidades más: antes de probar suerte en Fox, ‘Nevermind Nirvana’ se quedó en el corte de la NBC en 2003, y David Schwimmer (Ross en ‘Friends’) formará parte de los equipos de producción y realización..
• ‘Bob’s burguer’ (Jim Dauterive, Loren Bouchard): comedia de animación de la que Fox ya ha encargado trece episodios para la próxima temporada. Será la única que ya no tenga que enfrentarse al corte y, una vez en antena, se unirá a la corriente alternativa a las franquicias de MacFarlane y Groening, cuyo reclutamiento más reciente fue el espía Sterling Archer. Uno de sus creadores, Dauterive, ya formó parte de la resistencia cuando trabajaba en ‘King of the hill’ y regresa ahora para hacernos reír con la historia de Bob, el dueño de una modesta hamburguesería en una playa de la Costa Este que lidiará junto a su tensa esposa con unos hijos un tanto desagradables. Como anécdota, la idea inicial de la serie tenía lugar en un restaurante regentado por una familia de caníbales. El elemento antropófago fue eliminado para hacer la serie un poco más apta para niños.

Como las parrillas tienen el espacio limitado y la cantidad de series es muy grande, no todas llegarán a filmarse, y menos aún a emitirse. Las ya mencionadas cuentan con muchas posibilidades, pero tendrán que enfrentarse a la competencia de proyectos aparentemente menores que podrían dar la campanada, como por ejemplo ‘Midland’ (Kyle Killen), ‘Pleading guilty’ (Jason Tracey), ‘Worthy’ (Davey Holmes), ‘Most likely to succeed’ (Dave Walpert), ‘Traffic light’ (Bob Fisher), ‘The station’ (Kevin Napier) y un par de proyectos de comedia salidos de los ingenios de Brent Forrester y Adam Golberg.

• Viene de… Más carbón para la parrilla (I)

Los cajones de los altos cargos de las diferentes networks estadounidenses están llenos de propuestas, unas aparentemente innovadoras y otras más convencionales, pero cargadas de tirón comercial. Unas permanecen allí por un largo tiempo, otras acaban siendo desechadas por completo y un tercer grupo, las más afortunadas, reciben luz verde para hacerse realidad. En estos momentos, entre los proyectos con mayor número de papeletas para salir del cajón de las principales cadenas americanas están los siguientes:

Los ases en la manga de la ‘NBC’

En los más recónditos rincones del mobiliario del Edificio GE del Rockefeller Center se esconden algunas joyas audiovisuales que, con suerte, llegarán algún día a nuestras pantallas. De hecho, puede que la espera no sea demasiado larga ahora que, reubicado Jay Leno en el late night, la cadena tiene gran cantidad de espacio libre a las diez de la noche. Y, además, para regocijo de la audiencia, entre los encargados de rellenar el vacío dejado por ‘Tonight show’ se encuentran profesionales de la talla del desconcertante J.J. Abrams (’Lost’, ‘Fringe’), el rey de las series de abogados, David E. Kelley (’Ally McBeal’, ‘The practice’, ‘L.A. Law’, ‘Boston legal’), y el amo y señor de los procedimentales, Jerry Bruckheimer (’CSI’, ‘Without a trace’, ‘Cold case’).

De todos modos, no se espera que el anuncio definitivo de los pilotos que se convertirán en serie se haga antes del mes de mayo, momento en el que la cadena presentará los cambios en su parrilla a los anunciantes de cara a la próxima temporada. De cara a esa fecha, graben en su mente los siguientes nombres:

• ‘The event’ (Nick Wauters): las vidas de un grupo de personas altamente dispares quedan entrelazadas como consecuencia de un extraordinario evento. Los personajes que desencadenarán la trama serán Sean Walker, un joven inteligente y declaradamente geek que diseña videojuegos y es campeón de natación, y su guapa novia Leia (sin duda el nombre más apropiado para la chica de un friki), que trabaja para una compañía farmacéutica. El evento: la princesa desaparece en medio del crucero en el que el príncipe planeaba proponerle matrimonio, y todo apunta a una conspiración a gran escala. De esta premisa surgirán el resto de personajes, de entre los que destacan Simon, el típico agente del gobierno que bascula en la fina línea entre el bien y el mal, Mark, el padre de la novia, que tratará de asesinar al Presidente de los Estados Unidos (un joven e inexperto hispano de nombre Elías Martínez), y Paula, la ineludible reportera de la MSNBC.

• ‘The chase’ (Jennifer Johnson, Jerry Bruckheimer y Jonathan Littman): ya tiene confirmados actores como Amaury Nolasco (Sucre en ‘Prison Break’), Jesse Metcalfe (John Rowland en ‘Desperate housewives’), Cole Hauser y Rose Rollins. La serie seguirá a una unidad de marshals encargada de perseguir a fugitivos peligrosos. Para Nolasco será un auténtico cambio de chaqueta: de presa a cazador.

• ‘Undercovers’ (J.J. Abrams, Josh Reims): se centrará en un matrimonio de agentes de la CIA que son reclutados, tras varios años de retiro, para llevar a cabo una misión encubierta. La pareja de actores que les darán vida, Boris Kodjoe y Gugu Mbatha-Raw, tendrá que soportar la odiosa comparación con sus homólogos de la película ‘Mr. & Mrs. Smith‘, los archiconocidos Brad Pitt y Angelina Jolie. No obstante, la reputación de Abrams invita a pensar que las similitudes no irán más allá de la definición general del argumento.

• ‘Kindreds’ (David E. Kelley): enésima serie de abogados del señor Kelley, en la que un picapleitos con muy mala leche y sus asociados practicarán “un tipo de derecho poco convencional”. Poco más se sabe por el momento de este proyecto, pero sí conocemos las credenciales de su autor: calidad y monotema.

• ‘Friends with benefits’ (Scott Neustadtler, Michael H. Weber): esta comedia, considerada por algunos la sucesora de ‘Friends‘, se adentrará a lo largo de su metraje en un estudio sociológico del amor en nuestro tiempo, del romance de la postmodernidad. Pero, eso sí, con muchas risas, porque si por algo se definen las relaciones de pareja en el siglo XXI es precisamente por eso: por pasarlo en grande con tus ‘amigos con derecho a roce’.

• ‘Perfect couples’ (Scott Silveri, Jon Pollack): lo que primero llama la atención son sus guionistas, curtidos en ‘Friends’ y ‘30 Rock’ respectivamente. De ahí ya puede salir algo interesante. Pero es que, además, la serie pega una vuelta de tuerca al género de parejas, tan explotado en España por ‘Escenas de matrimonio’, con la que comparte el número de camas: tres. Pero los ocupantes de estos lechos no se dedicarán ingeniosos insultos como Pepa y Avelino, ni mucho menos. Nos internaremos en el momento más dulce de sus vidas, cuando el amor todavía permite pensar que la propia es la relación perfecta.

• ‘Nathan vs. Nurture’ (David Guarascio, Moses Port): recomendada para fans de Jay Harrington, actor que da vida al personaje protagonista de ‘Better off Ted’. La mala noticia es que el fichaje se debe a que la comedia de los inventos increíbles no será renovada para la temporada que viene. Por si acaso, vayan haciéndose a la idea de un Harrington con bata de cirujano que descubre a sus padres biológicos 35 años después de ser dado en adopción.

Otras series que la NBC guarda en la chistera son: ‘Love bites’ (Cindy Chupack), ‘Rockford files’ (David Shore), ‘Prime suspect’ (Hank Steinberg), ‘The cape’ (Tom Wheeler), ‘Outsourced’ (Robert Borden, Ken Kwapis), ‘The strip’ (Tom Lennon, Ben Garant), ‘The little piggy’ (Stephen Cragg, Brian Bradley), ‘The pink house’ (Rick Wiener, Kenny Schwartz), ‘Beach lane’ (Paul Simms), ‘Assisted living’ (Jamie Tarses, Jay Tarses, Matt Tarses) y los proyectos todavía sin nombre de John Eisendrath y Adam Carolla.

Posibles novedades de la ‘CBS’

Entre los proyectos a los que la cadena conocida como The Eye (por su logo) les tiene echado el ojo se encuentran varias piezas interesantes, y eso que a pesar de haber desarrollado dos de las series más exitosas de la presente temporada (’NCIS: LA’ y ‘The good wife’) parece que de la CBS se espera un poco menos que de las otras networks en lo que respecta a la nueva temporada. No obstante, recordemos que estamos hablando de la madre de ‘How I met your mother’ y ‘The Big Bang theory’, así que hay que darle un voto de confianza a las ideas que tienen en mente:

• ‘Hawaii Five-O’ (Peter Lenkov, Roberto Orci, Alex Kurtzman): la más esperada de las series que se perfilan en el futuro de la CBS, especialmente tras la confirmación de Daniel Dae Kim (Jin en ‘Lost’) en el papel del detective Chin Ho Kelly, será un remake de una conocida ficción de los ‘70 de la que al menos les sonará la música del theme. La nueva versión será producida por Chris McGarret, hijo del productor original, y contará para el papel protagonista con Alex O’Loughlin, que arrastra el glamour de su participación en el fenómeno teen del año: ‘Twilight’ (Crepúsculo).

• ‘Chaos’ (Tom Spezialy, Brett Ratner): puede parecer que otra serie sobre agentes de la CIA no merece reseña alguna, pero ¿y si la protagoniza un viejo conocido? Freedy Rodríguez está grabado en el imaginario colectivo de los amantes de las series como el artista que devolvía el perfil bueno a la procesión de cadáveres de ‘Six feet under’. Otros lo recordarán de ‘Planet terror’, una de las dos partes de la terrorífica ‘Grindhouse’, que Quentin Tarantino y Robert Rodríguez rodaron a cuatro manos.

• ‘Mike and Molly’ (Mark Roberts, Chuck Lorre): la confianza que se puede depositar en esta serie es la que se puede depositar en uno de sus creadores, Chuck Lorre, responsable de controvertidas comedias como ‘Two and a half man’ y ‘The Big Bang theory’. ¿Cuál es la controversia? Ambas son series de éxito, que han cautivado a grandes legiones de seguidores y han demostrado su capacidad recaudadora con creces. Sin embargo, no han alcanzado (de momento) gran presencia en premios (a pesar de que el protagonista de la primera, Charlie Sheen, es el eterno candidato en varios de ellos) ni el reconocimiento unánime de la crítica. Lo mismo podría sucederle a Mike y Molly, la pareja de comilones redomados que, de llegar a emitirse, se nos dará a conocer en la nueva ficción de la CBS.

• ‘Hitched’ (Josh Schwartz, Matt Miller): el argumento de esta comedia suena irremediablemente a más de lo mismo, o incluso peor: una pareja de recién casados que van aprendiendo poco a poco cosas nuevas el uno del otro, en compañía de familia y amigos. Entonces, ¿cuál es el hipotético atractivo? El padre del novio, que ya va por el cuarto divorcio y está interpretado por el divertidísimo Eugene Levy (el padre de ‘American pie’). Eso ya va sonando mejor, pero tampoco pongan muchas esperanzas en este proyecto: es bien sabido que el fuerte de la CBS no son las comedias.

Como ya han visto, tampoco es que en los cajones de la cadena rebosen los proyectos interesantes. De hecho, pocos más (que produzcan ciertas esperanzas) se puede añadir a los ya comentados. Tal vez el spin-off de ‘Criminal minds’ salve la papeleta desde el punto de vista comercial, pero poco cabe esperar en cuanto a originalidad del subproducto de un procedimental.

La lista se completa con ficciones del montón como ‘ATF’ (Michael Dinner), ‘Defenders’ (Carol Mendelsohn, Niels Mueller, Kevin Kennedy), ‘I witness’ (Trey Calloway, Pam Veasey), ‘The quinn-tuplets’ (Mike Kelley), ‘The odds’ (Jeff Wadlow, Joel Silver), ‘Livin’ on a prayer’ (Carter Bays, Craig Thomas, Kourtney Kang, Joe Kelly), ‘Open books’ (Gail Lerner), ‘Team spitz’ (Bill Martin, Mike Schiff), ‘True love’ (Matt Tarses) y varios proyectos sin nombre: una serie de policias con Mitchell Burgess y Robin Green a la cabeza, una de ambulancias de Hannah Shakespeare y John Wells, una de detectives de Ed Redlich y John Belluci y una comedia de Ant Hines.

• Sigue en: Más carbón para la parrilla (II)

El éxito literario que salta a la gran pantalla es un fenómeno que continúa en auge este año. Las revelaciones de Robert Langdon sobre las religiones, el romance entre la mortal Bella y el vampiro Edward, las aventuras del -ya no tan niño- Harry Potter y las investigaciones de Mikael Blomkvist y Lisbeth Salander se pueden seguir tanto en el metro como en los cines.

• ‘Up’ (Recaudación: 23.957.873,72 €): con un título de lo más premonitorio, esta aventura animada ha escalado hasta el primer puesto. Con un gran trasfondo romántico, Carl Fredricksen decide cumplir el sueño de su mujer ya fallecida y viajar hasta la bellos paisajes de Sudamérica, sin saber que le acompaña un niño (algo irritante) que acabará siendo el mejor compañero de aventuras con el que nunca soñó.
• ‘Ice Age 3: El origen de los dinosaurios’ (21.127.885,62 €): quien dijo que segundas partes nunca fueron buenas, no contaba con el tirón taquillero que iba a tener esta saga que ha hecho la delicia de pequeños y mayores.
• ‘Ágora’ (18.532.499,35 €): a diferencia del año pasado que no encontrábamos una película española hasta el onceavo puesto, esta vez  gracias a Alejandro Aménabar se ha dado en la diana. No sólo se ha convertido en una de las máximas galardonas de los premios Goya, sino que también ha conseguido que una gran masa de espectadores se interesen por el asesinato de la matemática y filósofa Hipatia de Alejandría que fue asesinada en el año 415 d. C. Una apuesta arriesgada rodada otra vez en inglés que ha logrado la aceptación de público y crítica.
• ‘Ángeles y demonios’ (15.518.327,25 € ): Tom Hanks se vuelve a meter en la piel de Robert Langdon, las verdades de la religión y la Iglesia Católica.
• ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’ (13.633.803,02 €): el niño mago y sus amigos son uno de los éxitos más importantes de los últimos años con un público fiel de todas las edades. A quien le guste las aventuras de Hogwarts le va a entretener.
• ‘Gran Torino’ (12.747.330,37 €): cuando una gran figura firma una cinta ya tiene mucho ganado, pero es que la nueva entrega de Clint Eastwood merece un gran reconocimiento.
• ‘La Saga Crepúsculo: Luna Nueva’ (12.646.586,31 € ): Aunque parecen más unas novelas rosas que un retrato del mundo de los vampiros, la saga ‘Crepúsculo’ ha conseguido grandes adeptos.
• ‘El curioso caso de Benjamin Button’ (12.168.447,25 € ): extensa, pero con una dirección fotográfica excelente. No llega a ser demasiado buena aunque siempre te quedas con algo.
• ‘Slumdog Millonaire ¿Quién quiere ser millonario?’ (10.569.127,35 €): con ocho Oscars en su haber, el drama de Danny Boyle emplea una investigación policial como recurso para presentar una realidad india poco conocida.
• ‘Malditos bastardos’ (10.416.821,05 €): Quentin Tarantino vuelve en una película excelente que, a su manera, recrea la ocupación de la Alemania Nazi en Francia. Con la violencia justa, algunas escenas son magistrales y te mantiene el suspense hasta el final.
• ‘2012′ (10.216.609,63 €): muy pasable aunque con unos buenos efectos especiales.
• ‘Siete almas’ (9.903.560,31 €): En esta producción buena pero poco creíble, Will Smith encarna a Ben Thomas, quien decide de forma altruista ayudar a siete personas tras provocar un accidente de tráfico. Peca de sentimental.
• ‘Monstruos contra alienígenas’ (9.850.716,48 €): una nueva película de animación que cuenta en su versión original actores como Hugh Laurie, Reese Whiterspoon, Paul Rudd o Kiefer Sutherland.
• ‘Millenium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (9.029.789,51 € ): uno de los tantos best-sellers que han saltado a la gran pantalla protagonizado por un periodista y una hacker muy inteligente.
• ‘X-Men Orígenes: Lobezno’ (8.269.217,33 €): la película lo tenía todo para triunfar. Buenos efectos, mucha acción y una temática que interesa a un amplio público que leía esos cómics. Quizás lo que le faltaba era un argumento algo más sustancioso.

Fan de Michael Haneke –el gran vencedor de los últimos premios del Cine Europeo-, le hubiese gustado escribir desde sus films ‘La pianista y Código desconocido’ –cinta que tampoco le hubiese desagradado rodar- hasta ‘Sexo, mentiras y cintas de vídeo’, de Steven Soderbergh. Miembro del colectivo “Cineastas contra la Orden“, Ana Díez nos habla sobre dirección, guión y cine español en el tiempo que tardan en consumirse cuatro cigarrillos.

Usted se licenció en Medicina y se marchó a México a realizar el doctorado. Sin embargo, allí aparcó esos estudios para hacer Dirección Cinematográfica. ¿Cómo se dio cuenta de que lo suyo no era la medicina y sí el cine?

El cine siempre ha estado en mi vida. Crecí en una ciudad lluviosa y fría como es Pamplona, en pleno franquismo. Pamplona era una ciudad con muchos cineclubs –los sigue teniendo- donde a los trece años me convertí en espectadora solitaria. Ahí encontré el gusto a ser espectadora de cine, con Dreyer, Bergman, Passolini… Pero no me había planteado estudiar cine; también es verdad que no podía hacerlo en Pamplona ni me planteaba viajar a Madrid para ello. Sin embargo, cuando llegué a México con el fin de hacer el doctorado me di cuenta de que allí sí podía. Me olvidé de la medicina y me atrapó el cine.

¿No se ha arrepentido de colgar la bata?

¡Continuamente! En ocasiones pienso en hacer un curso de reciclaje. Ahora los están ofertando en Pamplona, porque necesitan médicos. Así que, ¡quién sabe si vuelvo!

Guionista, directora… y además mujer. ¿Le cuesta más obtener financiación para sus películas?

A veces me he sentido discriminada por motivos muy diversos: por no lograr convencer del tono que planteo en mis películas, por no obtener determinados medios de producción… Otras, me considero una privilegiada. En la producción de películas de los últimos años del cine español sólo el siete por ciento está realizado por mujeres. Es una situación muy preocupante dado que en las facultades y escuelas donde se estudia cine hay mayoría de mujeres. Por tanto, es necesario analizar la situación y poner los medios para que esto no ocurra.

¿Qué le diría a cualquier persona que quiera dedicarse a la escritura de guiones o a la dirección para que no se desilusione?

Que explote al máximo la primera idea que tuvo. Cuando algo te persigue tienes que darle tiempo y desarrollarlo. Los guiones siempre se reescriben y hay que dejarlos madurar y tener paciencia para que la historia crezca. Una vez que estés realmente convencido con lo que quieres contar es más sencillo contagiarlo.

Pasamos a hablar del cine español: ¿Cree que es un problema del pasado el tópico de que el cine nacional es malo?

Creo que es una estupidez. España tiene una producción cinematográfica muy potente. En la cosecha de cada año hay de todo, buenas, regulares y malas, exactamente igual que el resto de cinematografías mundiales. Hay mucha cultura audiovisual en este país y hay que potenciarla.

¿Cómo cree que se podría erradicar ese tópico?

Habría que hacer campañas mediáticas: “El cine español habla de ti”.  De tu historia, de tus deseos, de tus contradicciones, de tus miedos… ¿Por qué necesitas ver una película sobre vampiros? El lanzamiento publicitario ha sido tan fuerte que se convierte en imprescindible opinar con tus amigos de esa historia. Para el cine español se necesita crear unas campañas de promoción tremendas; que el público conozca que existen otras historias que le son más cercanas y que le ayudan más a reinterpretarse. Recuerdo unas declaraciones de George Clooney cuando hizo ‘Buenas noches, y buena suerte‘, en las que decía que el gasto en publicidad dobla con mucho al del rodaje. Esto en el cine español no existe, así que puede que parte de las ayudas que se dan a la cinematografía tuvieran que estar vinculadas a la promoción de las películas.

Si no se respeta esa diversidad cultural, se harán menos películas, tan sólo aquellas que tienen gran presupuesto…

Trueba decía que no entendía por qué desde el Gobierno se querían hacer menos películas, y dentro de esas las producciones más grandes. Y hay que tener en cuenta que hay un sector que vive de esto: maquilladores, vestuaristas, montadores, atrecistas… La nueva Ley del Cine está bien, lo que está mal es la Orden para repartir subvenciones, ya que no respeta el espíritu de la Ley.

¿Qué más le molesta de la Orden, además del menor reparto de subvenciones?

Es curioso que se dé ayuda al 3D, a un formato. ¿A santo de qué? Hay que dar ayuda a la creación, el formato es lo de menos. En ese sentido creo que la disminución de las ayudas a la escritura de guiones es también un error.

¿Qué opina de que al frente del Ministerio de Cultura esté una cineasta,Ángeles González-Sinde?

El cine es parte de la cultura, así que yo creo que está muy bien que una cineasta se encuentre al cargo del ministerio. Se da la paradoja de que con ‘la ministra del cine’, el Gobierno quiere disminuir la producción cinematográfica. Hay mucha imaginación, mucho esfuerzo, muchas horas y mucho presupuesto invertido en España para preparar a técnicos del audiovisual en todas las áreas, cine y televisión. Los dos sectores se retroalimentan de equipos artísticos y técnicos. Si se hace disminuir considerablemente uno de ellos se producirán solo historias que irán fomentadas por los índices de audiencia de las televisiones privadas. De hecho, la estrategia de que parte de las ayudas a la cinematografía del Gobierno se canalicen por las miniseries de las televisiones privadas me parece muy cuestionable.

Una ley que considere el mercado como único criterio puede asfixiar caminos creativos y no conducir a ninguna parte, porque hay que tener en cuenta que la cultura y la educación alimentan de manera distinta que los bocadillos de queso. ¿Qué quiere ver el espectador español? ¿Un biopic sobre Belén Esteban o ‘Celda 211‘?

Pero es extraño que una profesional del cine apoye el que se hagan menos películas…

Le ha tocado estar en tiempos revueltos en cuanto a la ordenación del audiovisual se refiere. Puedo imaginar que en algunas de las situaciones estará en un dilema.

¿Y por qué cree que se pensó en ella?

Puedo imaginar unas condiciones previas: una ley del audiovisual pendiente y con problemas; un Ministerio dirigido por alguien implicado, muy implicado, como guionista, directora y presidenta de la Academia; y la posibilidad de un matrimonio, al menos de conveniencia, entre la virtud y la necesidad.

Pasando a otras cuestiones, ¿cuál cree que es la mejor solución para el problema de la piratería y de las descargas ilegales?

No sé la solución pertinente, pero quizá es cuestión de educar a la gente antes de castigarla, para que así no se descargue películas. Estamos en una sociedad muy judicializada, donde todo se castiga, y yo prefiero la educación antes que la sanción.

Y ya para terminar, ¿qué le queda por rodar?

¡Todo! Es que las oportunidades para rodar son muy complicadas, y para estrenar ya ni te cuento.  Hace poco tomábamos un café tres directores, con una carrera dilatada en el tiempo, y uno de ellos planteó que habría que crear ayudas también para las tres últimas películas.  Podría ser, ¿no? Hay que reírse de uno mismo.

Como anécdota, ‘Los abrazos rotos’, de Pedro Almodóvar, y ‘Mapa de los sonidos de Tokio’, de Isabel Coixet, han obtenido cinco y una posibilidades, respectivamente, de alzarse con uno de los cabezones que representan la figura del pintor aragonés. Así, éste es el año de las producciones modestas, con menores resultados en taquilla, frente a las que tienen un presupuesto mayor o son obra de directores más conocidos. ¿Quiénes serán los protagonistas de la gala del próximo 14 de febrero?

Actores con nombre propio

Hay que tener en cuentra tres nombres en las categorías a Mejor Actor. En primer lugar, el del intérprete argentino Ricardo Darín, que podría llevarse a casa dos estatuillas, una a la mejor interpretación masculina protagonista por ‘El secreto de sus ojos‘ y otra a la mejor de reparto por ‘El baile de la victoria‘. Y atención, porque puede hacerse con al menos una de ellas.

El siguiente nombre es el de Pablo Pineda, el protagonista de ‘Yo, también‘. Este joven malagueño, que ya se alzó con la Concha de Plata al Mejor Actor en el Festival de Cine de San Sebastián, tiene también todas las papeletas para hacerse con el Goya al Mejor Actor Revelación. Pineda se convertiría así en el segundo actor con discapacidad (padece síndrome de Down) en obtener un premio en esta categoría, tras las dos estatuillas con las que el año pasado se hizo Juan Manuel Montilla ‘El Langui‘.

Y para finalizar, no un actor, sino todo un reparto: el de los cuatro chicos nominados por ‘Celda 211‘: Luis Tosar (el favorito para llevarse el galardón a la mejor interpretación masculina), Carlos Bardem, Antonio Resines (mejor interpretación masculina de reparto) y Alberto Ammann (mejor actor revelación).

Actrices en potencia

Quizá la categoría de mejor interpretación femenina protagonista sea la más reñida en esta edición, donde tenemos un perfecto póker de ases: Penélope Cruz por ‘Los abrazos rotos‘, Rachel Weisz por ‘Ágora‘, Maribel Verdú por ‘Tetro‘ (cuarta nominación consecutiva), y Lola Dueñas por ‘Yo, también‘. Y ninguna es la favorita. ¿Cuál es la vuestra?

Nominaciones destacables

Como hay dos premios para los guiones, original y adaptado, en esta categoría han conseguido colarse las historias de ‘After‘ o ‘Gordos‘. Por cierto, que esta última, dirigida por Daniel Sánchez Arévalo (’Azuloscurocasinegro‘) tiene otras seis nominaciones para sus actores: Antonio de la Torre (actor), Raúl Arévalo (actor de reparto), Verónica Sánchez, Pilar Castro (actriz de reparto), Fernando Albizu (actor revelación) y Leticia Herrero (actriz revelación). Podría ser la noche de Sánchez Arévalo si se alzara con algunos de los premios de interpretación.

Y entre las curiosidades, ‘Slumdog Millionaire‘ está nominada a Mejor Película Europea, y la exitosa película de animación ‘Planet 51‘ puede hacerse con dos estatuillas: Mejor Película de Animación y Mejor Canción.

Hagamos quinielas, entonces: ¿Será ‘Ágora‘ la gran derrotada de la noche? ¿Triunfará los actores de ‘Gordos‘ y la sencillez exitosa de ‘Celda 211‘? Todo comentario es bien recibido.

Desde aquel día, son muchas las series que han surgido de la factoría americana que gozan de un gran prestigio en todo el mundo. La gente no espera a que se emitan en su país y se las descargan de internet horas después de su emisión. Mientras tanto, han florecido muchos blogs donde se publica la actualidad sobre los nuevos episodios, personajes o actores de nuestras ficciones favoritas. Y aquí es donde entran en juego los spoilers, un no tan nuevo concepto televisivo que va camino de convertirse en asignatura de las facultades de Periodismo para informar adecuadamente de ellos.

¿Qué es un ’spoiler’?

La palabra spoiler viene del inglés, y literalmente significaría algo así como ‘el que estropea’, ‘el que arruina’ algo. O sea, un aguafiestas, como dice Wikipedia. En el campo audiovisual, un spoiler es, como bien define Anomalario, “una información relevante que arruina (…) la sorpresa sobre algo que va a ocurrir en algún tipo de narración, bien sea cine (o) televisión”.

¿Cuál es el problema de los ’spoilers’?

Los spoilers aparecen cada día y sobre cualquier serie. No hay que confundirlos con los ‘sneak peeks‘, esas escenas que las cadenas emiten como promoción del nuevo capítulo semanal. Suelen ser detalles más que trascendentales: muertes, nuevos amores… Sorprenden al espectador y lo perturban. Por eso mucha gente los detesta, porque prefiere “llevarse la sorpresa” cuando ven el capítulo correspondiente. Y de ahí muchos comentarios de lectores en los que se recrimina a los redactores de los posts por no avisar cuando publican un spoiler. Así que, como dice Becky Santoyo en TVlia, ¿quién debe preocuparse por los spoilers, los lectores o los redactores?

Pues todos. Los redactores deben discernir muy bien qué es spoiler y qué no, y avisar adecuadamente de que se va a hablar sobre ellos. Lo más usual y a lo que más acostumbrados estamos es a leer un pequeño aviso al comienzo de cada una de las entradas donde se incluyen. A partir de aquí, que cada lector cargue con las consecuencias.

Los ’spoilers’, manual de estilo

Ante todo, no se deben poner los spoilers en los titulares de las entradas, ya que esta es la mínima información que aportan los lectores RSS y, aunque obviemos el artículo, ya habremos leído la información más trascendental y habremos comenzado a insultar a un pobre redactor.Por ejemplo, si sabemos que algunos actores vuelven para la sexta temporada de Lost, ¿informamos o spoileamos?).

Podemos ver un ejemplo reciente con la serie española ‘Hospital central‘. Hace poco se anunció que uno de sus actores se marcharía al finalizar la decimonovena temporada, que se emite en la actualidad. Pues bien, unos jugaron con el misterio en su titular y otros fueron más directos. Los primeros fueron más “éticos” y no estropearon el final a nadie; además, así incluso invitaban al lector a seguir leyendo y a pasar más tiempo en su página (lo que en términos de publicidad se traduce en mayores ingresos). Los segundos enfadarían a más de un fan y eliminaron el factor sorpresa del final de temporada: ¿cómo harán desaparecer al personaje: asesinato, despedida, lo dejarían en suspenso cual cliffhanger…?

Así, el primer paso es no utilizar potenciales spoilers en los titulares ni aun por intereses de negocio; es mejor redactar frases como “Un personaje importante regresa a ‘Lost’” o “Jugosos spoilers sobre el regreso de ‘Dollhouse‘ “. Atraer a nuestro blog y a la lectura de nuestros artículos, sí, pero de otra manera.

Lo siguiente es colocar una frase de aviso acerca de los spoilers de los que se va a hablar el post y destacarla de algún modo (utilizando la negrita, escribiendo algunas de las palabras en mayúscula…). Y para finalizar, tampoco hemos de colocar esta información trascendental en el primer párrafo o en las primeras líneas, porque volvemos de nuevo al problema de los lectores RSS: hay algunos que, además del título, incluye las primeras líneas de la entrada.

España, ‘spoilers‘ de negocio

Hemos dicho antes brevemente que escupir un spoiler elimina el factor sorpresa de un final de temporada o de episodio. Pero hemos de comentar también que, por desgracia, muchas veces las cadenas hacen esto como una manera de atraer audiencia a su canal . Y los medios de comunicación los siguen. ¿Hay intereses conjuntos?

En España ya estamos acostumbrados a eso. El caso más reconocido fue el de la salida de la actriz Belén Rueda de la serie ‘Los Serrano‘. Hacía tiempo que sabíamos que la iba a abandonar, pero todavía no sabíamos cómo iba a desaparecer su personaje. Pues no se preocupen, que Telecinco nos lo ‘destripó’ unas semanas antes: matándola. No nos dijeron cómo, pero ya sabíamos que su salida era irremediable, que no se le dejaba una puerta abierta.

Sigamos en España. Hace unos meses, la intérprete Amparo Baró anunciaba en un programa de radio que uno de los personajes principales de la serie ‘El internado‘, que ella protagoniza,  fallecía en el primer capítulo de la sexta temporada, a la que le faltaban unos días para que se estrenara. Y dio nombre y apellidos, sólo le faltó decir cómo moría. Y muchos medios la siguieron. ¿La mujer cometió un descuido o estaba promocionando descaradamente la serie para darle más audiencia en su vuelta a la pantalla? Antena 3, la cadena que emite ‘El internado‘, ya lo hizo con ‘Los hombres de Paco‘.

El último ejemplo es de hace apenas unos días. La adaptación española de la serie colombiana ‘Sin tetas no hay paraíso‘ disfrutará de una cuarta temporada a pesar de las bajas audiencias de la tercera, que hicieron replantearse su continuación. ¿Quieren saber el final de ésta? Mejor que no cliquen aquí. De nuevo, como dice Anomalario, con internet ya no hay espacio para las sorpresas. Y tampoco formas de promocionar un producto.

¿Qué hacemos?

Así, las preguntas se quedan en el aire: ¿Hasta cuándo algo se considera spoiler? ¿Hasta el momento de emisión del capítulo, hasta que ha pasado una semana para que todo el mundo hubiera visto el episodio? ¿Es lícito utilizar los spoilers como promoción? ¿Spoiler o antispoiler?

Tenía ocho novelas que de alguna manera habían sido y son importantes para mí; iba a mencionarlas mientras mi amigo encendía su cigarrillo y trataba de olvidarme del ruido que causaba una canción que está de moda acá en Lima, algo que tiene que ver con cumbias o tecnocumbias y otras yerbas. Mi amigo, un tanto más enfático se desdijo y volvió a preguntarme: ¿qué novelas que consideras de amor te marcaron?

Novelas de amor o desamor

Dos títulos tengo en la mente para ello, dos títulos, que no sé exactamente si me marcaron, ‘El amor en los tiempos del cólera’, de Gabriel García Márquez, novela que leí cuando tenía 18 años mientras trataba de ingresar en la universidad, tratando de resolver problemas de razonamiento matemático y recordar algún que otro hecho histórico para los exámenes de admisión de la Universidad San Marcos.

Fue una casualidad, por un amigo que me comentó emocionado lo que a su parecer era la historia de un amor verdadero y romántico, pero que a su vez no era ese tipo de romanticismo melcocha al que el común denominador suele referirse cuando habla de amor. En la novela en cuestión podías tener la certeza de que ese sentimiento sobrevivía al tiempo, sin que el celibato o el casto romanticismo pudiera mellarlo.

Florentino Ariza (personaje principal de la novela) es a mi parecer el héroe que, por amor, decide esperar lo que sea o como fuera que su musa, Fermina Daza, pueda estar con él. En esa espera no hay reparos, un sin número de mujeres (622) pasan por su vida, a las que es posible que recuerde, pero que terminan extraviadas en el limbo de recuerdos sin rostro sin mucho que contar, sin llegar al nivel del parnaso en el que se encontraba Fermina Daza, su gran amor.

En ‘La insoportable levedad del ser‘, de Milan Kundera, Teresa y Tomás son una pareja que se ama, que se engaña, que se cela, que tratan de encontrarse dentro de sus miedos. Tomás conoce de casualidad a Teresa y en una segunda cita se acuesta con ella, siendo él un hombre que se niega al amor, observa a Teresa en la cama con fiebre y piensa que desearía morir con ella, porque no podría contener su muerte a solas.

También están Sabina y Franz, la primera amante de Tomás, cuya búsqueda del sentido del amor y la vida en medio de un sistema de gobierno opresor son una forma de escapar de esa cosificación en la que  sentimientos como el amor están condenados. Tal como explica la crítica: “Esta exploración de relaciones humanas en una situación política de falta de libertad fluctúa entre la elección condicionada de la ligereza y superficialidad de existir, o la asunción de responsabilidades y compromiso que asiente la fortaleza y el peso de la existencia”.

La memoria poética

El amor tiene muchas interpretaciones, no es algo que se pueda sostener por mucho tiempo. Si no tienes la capacidad de afrontarlo, el amor no es como lo pintan, el amor es terrible y doloroso, pero también es felicidad, que no es lo mismo que el enamoramiento, un estado pasajero y de estrechez mental, tal como lo afirma Ortega y Gassett en su libro ‘Estudios sobre el amor‘.

Florentino no duda que el amor que siente por Fermina sobrepasa su razonamiento, Tomás no está seguro que es posible amar en una segunda cita, pero concluye que si hay algo que se parece al amor, debe ser ese sentimiento que no ha sentido por nadie.

Ambas novelas son distintas pero muy parecidas. Milan Kundera abarca la idea del amor a partir de una posición existencialista, la idea de memoria poética por ejemplo, en la que Tomás trata de encontrar la razón del por qué no recordaba haber tenido sexo con una amante durante una tormenta, un momento que ella había puesto en un recuadro para verlo cada vez que pudiera; un momento que era una nulidad para Tomás, pero que  siempre recordaba a Teresa, tal como menciona: “Parece como si existiera en el cerebro una región totalmente específica, que podría denominarse memoria poética y que registrara aquello que nos ha conmovido, encantado, que ha hecho hermosa nuestra vida. Desde que conoció a Teresa ninguna mujer tenía derecho a imprimir en esa parte del cerebro ni la más fugaz de las huellas”.

Por su parte, Florentino Ariza guarda el momento especial en su memoria poética, ese momento que pertenece exclusivamente a Fermina Daza, que fue su primer amor de juventud, en el barco que los lleva de un lugar a otro. Son un par de viejos conociéndose después de tanta penurias. Existe la desolación de romper el encanto en el que se encuentran, la realidad que significa desembarcar de ese buque que simula llevar la peste del cólera, para que ambos pasajeros estén a sus anchas compartiendo ese amor dejado de lado por tantos años. La frase final es una de las grandes frases que he de recordar y que resume finalmente toda la obra, esa espera involuntaria entre amores de paso y de última hora, la memoria poética se encuentra aquí:

El capitán miró a Fermina Daza y vio en sus pestañas los primeros destellos de una escarcha invernal. Luego miró a Florentino Ariza, su dominio invencible, su amor impávido (…)

¿Y hasta cuando cree usted que podamos seguir en este ir y venir del carajo? –le preguntó. Florentino Ariza tenía la respuesta preparada desde hacía cincuenta y tres años, siete meses y once días con sus noches.

-Toda la vida –dijo.

El cine

Ambos libros fueron llevados al cine, uno de éstos con cierta pomposidad, aunque sin mucha puntería, si bien el lenguaje del cine y del libros son distintos. En ‘El amor en los tiempos del cólera’ lo que debió primar son las sensaciones de los personajes, que son el tallo y las ramas que dan estructura y sentido a la gran novela del escritor colombiano. En una crítica encontrada en la blogosfera sobre películas nominadas al Oscar en distintas categorías mencionan lo siguiente:

Durante dos horas asistimos a una conjugación de sentimientos que no encuentran reciprocidad, que se pierden en las escenas y que acaban siendo bonitas frases sin sentido: el pecado mayor que se le puede hacer a una novela de García Márquez.

La película fue dirigida por Mike Newell quien encargó el guión a Ronald Harwood que ya había adaptado otra novela como ‘El pianista’.

‘La insoportable levedad del ser‘ fue dirigida por Philip Kaufman, el mismo director de ‘Henry y June‘, y cumple con representar aquella búsqueda desesperada de los personajes de la novela, en la que la certeza de la existencia es la única manera de ser alguien.

Colofón

No sé si mi amigo quedó satisfecho con lo que le dije aquella vez, porque el amor es algo que no se puede determinar ni explicar, porque es algo que llega desde cualquier parte, que se puede adivinar en una mirada de casualidad o de reojo, en el temor que sientes ante la proximidad de alguien que no conoces o de alguien a quien conoces y no sabes como pasó.

Estas novelas a mí me dijeron algo más, algo que desde un punto de vista formal no se puede abarcar. Es la suerte de la literatura: contar aquello que no podemos decir a voz en pecho pero que trasladamos desde la conciencia misma a la página en blanco o la pantalla de una computadora de manera sobrecogedora y pura.

El bar cerró tarde esa noche, nos despedimos hasta otra noche, otra conversación. Al llegar a casa me puse recordar por qué esas novelas me marcaron tanto.

Dirigió ‘La lengua de las mariposas’, basada en los tres cuentos de Manuel Rivas. ¿Qué tiene la Guerra Civil que tanto llama a los cineastas españoles?

La Guerra Civil es una época muy importante de la historia de España, y por eso tiene un lugar tan importante en el cine. En otros países pasa exactamente lo mismo; no entiendo por qué nos critican a los directores españoles.

Hablando de cine histórico, ¿qué le parece Ágora?

Es una de las cinco mejores películas históricas de la historia del cine. Se trata muy bien el tema y a los actores. Es una película muy buena, y encima dirigida por un director español.

¿Qué le pasa al cine español, que últimamente tiene más detractores que nunca?

Pues no lo sé, porque no entiendo a qué vienen tantas críticas al cine español, que siempre vienen desde los medios de comunicación, que tienen sus propios intereses. A mí me hacen mucha gracia todas estas críticas, ya que las desmonto fácilmente con estadísticas: en España se hacen al año 150 películas; en Estados Unidos, 1.500. Por tanto, si en España hacemos una película buena, los americanos tendrían que hacer 15 películas buenas para estar al mismo nivel. Os reto a todos a que me digáis 15 películas buenas americanas de este año. El cine americano es peor que el español.

Además, es que muchas estadísticas de los medios están manipuladas. Se habla de lo que recaudan las películas o del número de espectadores, pero de nada más. Habría que hablar también del número de salas que exhiben las películas o del número de cintas y de proyecciones que se ponen en circulación.

¿Le gustan las películas que están nominadas a los Goya de este año?

Sí, este año hay muy buenas películas, como todos. Estamos en un momento muy bueno.

¿Tiene alguna predilección?

No, la verdad es que no. Pero bueno, si la tuviera, tampoco os la iba a decir [leve sonrisa].

En ‘Así en el cielo como en la tierra’ habla de los distintos cielos. ¿Qué tiene de malo el cielo español?

No es que tenga nada de malo, simplemente es distinto al de otros países. Como Francia, por ejemplo. Cada país tiene su propio cielo, lo cierto es que eso contribuye un poco también al patriotismo.

¿Tiene ahora mismo algún proyecto en mente?

Sí, tengo tres exactamente. Tengo una película y una pequeña serie, y también voy a producir a un director novel. Pero bueno, no me gusta mucho hablar de mis proyectos futuros, no sea que luego no salgan.

Cuando la Comisión Calificatoria del Ministerio de Cultura relegó hace unos días la nueva entrega de ‘Saw’ a los cines X -sólo hay 8 en España- por su “apología a la violencia”, el debate se encendió rápidamente en la calle: ¿por qué no sólo colgar la etiqueta de no se autoriza a menores de 18 años y dejar que sean los ciudadanos los que decidan? Ahora, a la espera de que el director de Instituto Nacional de de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICCA) diga la última palabra, la productora Disney-Buenavista ha decidido recurrir. Que no se preocupen, no han podido soñar mejor campaña publicitaria que ésta.

El ejemplo de Estados Unidos

Pero nuestro país no es el único que persigue y reprende el exceso de violencia. Según apunta un informe de Parents Television Council (organización sin ánimo de lucro cuya principal intención es “promover y restaurar la responsabilidad a la industria del entretenimiento”), la violencia hacía las mujeres se ha incrementado un 120% en la televisión norteamericana desde el año 2004 y, además, existe un aumento en un 400% de la representación de los adolescentes como víctimas de actos violentos. Las cifras son escalofriantes.

Las críticas van desde series como ‘Dexter’ o ‘CSI’, cuyas cuotas de audiencia están por las nubes, pero sus dosis de asesinatos y actos delictivos también. Hasta en dibujos para adultos como ‘Padre de familia’ o ‘Padre made in USA’. Y es que las escenas agresivas abarcan tanto las vísceras y la sangre como el respeto que se muestra ante las mujeres y demás colectivos.

Sobre la violencia de género habló Nicole Kidman el pasado 22 de octubre en el Congreso de los Estados Unidos en calidad de embajadora de Naciones Unidas del Fondo de Desarrollo para la Mujer (UNIFEM). En su discurso no se olvidó de morder la mano que le da de comer al afirmar que Hollywood probablemente ha contribuido a incrementar la violencia contra las mujeres presentándolas como objetos sexuales débiles en algunas de sus películas.

Cuando se trata de los niños sí hay que poner límites

La nueva Ley Audiovisual, aprobada el pasado 16 de octubre por el Consejo de Ministros del Gobierno de España, hace hincapié en la protección de los más pequeños y los contenidos que se emiten en horario protegido. Mucho se ha hablado de la relación entre violencia y menores. Se dice que no pasa nada porque los niños vean algo de agresividad en la televisión, pero los niños aprenden por imitación. Si en su entorno, en su casa y en la pequeña pantalla ven respeto, ellos aprenderán eso… pero ¿y si ven violencia?

Evidentemente, el esfuerzo ha de venir tanto por los padres (ellos tienen el poder del mando, ellos deciden qué ven sus hijos) como desde los poderes estatales. El Gobierno y las Comunidades no sólo deben determinar un horario protegido, sino también -y lo más díficil- hacerlo cumplir. 17h. Si alguien pone la televisión a esa hora, puede constatar que las normas no siempre se cumplen.

¿Coto necesario o censura?

Con respecto a los niños, la respuesta está clara -la práctica ya es otra cosa- pero cuando uno es mayor de edad “teóricamente” el Gobierno no debería decidir por ti en ciertas materias. Así, en los foros de internet en los que se discute sobre el tema de ‘Saw’, la censura es la palabra más utilizada: si no se han prohibido las cinco entregas anteriores ni centenares de películas con exceso de violencia, ¿por qué ésta sí?

Los espectadores que querían ver el film han afirmado incluso que la situación parece “una vuelta al franquismo”, mientras que otros están a favor de que se pongan ciertos límites -también en los videojuegos- porque creen que tanta violencia insensibilizan a los individuos.

Esta es la opinión de algunos entendidos del tema de la violencia en el sector audiovisual:

• “No se autorizará ningún filme que pueda rebajar el nivel moral del público. Nunca se conducirá al espectador a tomar partido por el crimen, el mal y el pecado” (…)
  

  “La técnica del asesinato deberá presentarse de manera que no suscite la imitación. La venganza no será justificada, y la utilización de armas será reducida al mínimo estricto” .
  

  (Código Hays creado por la asociación de productores cinematográficos -MPAA- bajo el mandato de Frankin D. Roosevelt. Aplicado desde 1934 al 1967. Se describiía lo que era “moralmente aceptable” en los temas de violencia, sexo, religión y la institución del matrimonio.




• “Hoy ['Bonnie and Clyde'] no se considera violenta, pero entonces la tacharon de excesivamente dura. Dijeron que me ensañé con fines comerciales. Hay un hecho ineludible: el hombre es violento, la agresividad está latente. El cine solo es un espejo de la vida” (Arthur Penn, director de cine).




• “Los estudios demuestran que la violencia, en sus formas crudas y gratuitas, se tolera cada vez más. Todo contribuye a banalizarla. Es aceptada como algo natural y, en consecuencia, al público le cuesta reaccionar en contra, mantener una actitud crítica (…) “Entran en juego muchas variables. Pero positivo no es, sobre todo para los menores”.
  

  (Victòria Camps, catedrática de Filosofía moral y política y antigua vicepresidenta del Consell Audiovisual de Catalunya).




• “Es de sentido común que las películas violentas no favorecen a la buena convivencia. Estos filmes acostumbran al espectador a la rutina ante comportamientos agresivos” (Juan Vallejo, catedrático de Psiquiatría).

Aunque es imposible generalizar, pues hay una amalgama de culturas y creencias bien diferentes, en el cine asiático hay un denominador común: en gran parte de sus países sufren o han sufrido una importante censura por parte de los dirigentes. Este rechazo no sólo afecta a la producción local -sobre todo aquella más crítica con los líderes de turno- sino también a la que viene de fuera, así como su posicionamiento en el mercado extranjero. Este escaso feedback es un factor perjudicial en el desarrollo de la cultura.

Un rompecabezas complejo

• Desde su nacimiento, el cine en la China continental siempre ha estado influenciado/reprimido por las ideas comunistas. A partir de la década de los ‘30 se estrenaron las primeras películas importantes con una temática que versaba sobre la lucha de clases, la amenaza japonesa y los problemas de la gente común. Pero también, y por influencia de Hollywood, el nacimiento del Star System. En 1949, el Partido Comunista Chino censuró o prohibió muchas películas de temática política y utilizó el cine como un arma de propaganda. A partir de los ‘80 el cine chino se popularizó fuera del país cuando empezó a ser premiado en los Festivales más importantes de Europa como Berlín, Cannes o Venecia. Tanto, que incluso parte de sus directores han sido acusados por la crítica de su país de trabajar sólo para occidentales. El punto de inflexión lo pone las represalias de Tian’anmen con lo que la nueva generación de directores han tenido que exiliarse a Estados Unidos y Australia. La facción más crítica del cine chino tienen dos objetos de reprobación: el periodo comunista anterior (”drama de cicatrices”) y la nueva incorporación del país al mundo capitalista.
• En Japón, la introducción del sonido fue tardío y durante la década de los ‘30 aún se hacían filmes mudos, aunque esto no era inconveniente para que se convirtiera en el pasatiempos preferido de la isla. Los silencios y las alegorías son elementos utilizados habitualmente y pronto empezaron a ganar premios en el extranjero. En 1955 Hiroshi Inagaki ganó el Oscar a la mejor película extranjera por la primera parte de su trilogía sobre la vida de Miyamoto Musashi, ‘Samurái I’ y Akira Kurosawa, el más célebre director japonés en Occidente, ganó el honorífico en 1990. Fue en 1945 cuando presentó la gran épica ‘Los siete samuráis’, su gran éxito y de una gran influencia en Estados Unidos y Europa.
• En Rusia, el cine siempre ha sido el arma propagandística utilizada por los regímenes totalitarios con lo que ello comporta: el ensalzamiento del líder, de su causa y la censura del resto. A partir de la muerte de Stalin, los temas se diversificaron y empezó una ola crítica con el régimen anterior. En 1980, un filme de origen ruso recibió el Oscar a la mejor Película Extranjera, ‘Moscú no cree en las lágrimas’ de Vladimir Valentovich Menshow. Con las caída de la URSS, los cineastas quisieron ser testigos de los momentos claves de la época.
• El caso de la India es insólito. Mientras que medio mundo se siente invadido por películas provenientes del gran coloso estadounidense, el país indio tiene la mayor producción cinematográfica a nivel mundial. A consecuencia de las numerosas lenguas oficiales y dialectos de la India, el cine occidental casi no tuvo presencia, con lo que se pudo desarrollar una industria propia con unos códigos muy marcados: los números musicales en mitad de una escena, las historias de amor imposible y los vivos colores. Pero aunque es una de las industrias cinematográficas más desarrolladas del mundo, el boom Bollywood en Occidente ha sido más bien tardío.
• Por su parte, Irán inicia su etapa de películas más comerciales a mediados de siglo. En ellas, al igual que en la India,  se integran números musicales. También, han tenido su dicotomia entre un género más festivo y superficial (farsi) y su respuesta menos comercial y más reflexiva (motefavet). Con la revolución iraní y la instauración de la República islámica en 1980, la censura se endureció pero a finales de la década de los ‘80, la crítica extranjera empezó a interesarse. En la etapa post-revolucionaria, se han querido plasmar los problemas de la sociedad, en muchas ocasiones sin pretender un análisis o critica política. Pese a que algunos títulos han conseguido cierta fama en Occidente, esta actividad cultural parece que aún no ha atrapado a los espectadores del propio país. Por fortuna, parece que las mujeres se van visibilizando más con el paso del tiempo, empiezan a ser protagonistas de las producciones y a dirigir algunos títulos.

Una mirada occidentalizada sobre Asia

En los últimos años, varios directores han elegido la ciudad de Tokio para ambientar sus historias. ‘Lost in Translation’ de Sofía Copppola, era una coproducción japo-estadounidense protagonizada por Bill Murray y una joven Scarlett Johansson. Ambos sienten un abandono y una soledad extremos, y la incapacidad de incomunicarse en ese país  sólo hace que incrementar más esa soledad. Estos dos losers se conocen en el hotel, lugar que se convierte en una isla de salvación entre tanto desconcierto.

El otro ejemplo, más actual y cercano, es “El mapa de los sonidos de Tokio” de Isabel Coixet. Un drama romántico más rápido y aparentemente más intenso que el filme de Coppala. También parece introducirse más en las entrañas del país, porque mientras que en ‘Lost in Translation’ hay una separación abismal entre los personajes y el país, en ésta, el único protagonista occidental (Sergi López) vive en la ciudad, aunque no ha llegado a integrarse. Y es que la confusión del choque entre dos civilizaciones no es la sensación principal que se quiere destacar. Incluso, Coixet trata de manera algo fraudulenta la cuestión del idioma pues en Japón el inglés es un idioma muy poco utilizado y la comprensión entre Sergi López y Rinko Kikuchi (la protagonista femenina) sería casi imposible, sólo pudiendo conocerse a partir de miradas y gestos.

Pero estas aproximaciones al mundo oriental sólo se quedan en eso, aproximaciones puesto que versan sobre él su mirada occidentalizada y no se da una imagen real de la ciudad y de su población. En lo referente al ritmo, quien más se aproxima al asiático, es la obra de Coppola. Las palabras sobran, el desarrollo es neutral y no hay grandes movimientos de cámara ni giros dramáticos. Esta sobriedad tan marcada consigue que el espectador sea el protagonista pues él deberá hacer progresar cada parte de la historia.

La gratuidad es lo que más puede atraer a nuevos receptores. De este modo, Twitter es un factor de marketing para ganar audiencia, ya que permite que, sin pagar, hombres y mujeres den su opinión en directo e interactúen con su serie o programa favoritos. Esto generaría un sentimiento de pertenencia a la emisión para así mantener la audiencia.

¿Cómo utiliza Twitter la televisión? ¿Veremos un uso generalizado en el futuro?

Kakoe: la pura interactividad entre usuarios

En este contexto aparece Kakoe, una nueva herramienta que permite comentar programas en directo mientras los estamos viendo, como si estuviéramos en Twitter. Para ello, necesitamos tener un perfil en Facebook, aunque también se puede participar de forma anónima.

No sólo es interactividad con otros usuarios, sino también personalización, puesto que podemos elegir con quiénes queremos comentar la situación y obviar a aquellos cuyo contenido no nos interese. Kakoe cuenta con varios canales de mensajería, uno por cada cadena nacional, autonómica o local.

Las ventajas frente a Twitter, la herramienta que hasta ahora algunos utilizaban para comentar la televisión en el mundo 2.0, son que se elimina mucho ruido, ya que sólo hablamos con las personas que queremos de forma que ningún otro mensaje “nos invada”. Además, podemos conocer nueva gente a la que le interesen nuestros temas de conversación. Como dice Chica de la Tele, los ejecutivos de las cadenas podrían así averiguar qué es lo que funciona y lo que no de sus programas y realizar los cambios apropiados para mantener una parte de la audiencia.

Twitter en España: La experiencia de ‘ETB-3′ y ‘Nick dut Nik’

En España, la experiencia pionera con Twitter vino el pasado verano desde la televisión autonómica vasca ETB-3 y su programa sobre internet Nick dut Nik. Así, en este programa se emitieron en tiempo real los mensajes de sus seguidores permitiendo que se establecieran conversaciones entre ellos no sólo durante la emisión, sino después de ésta. Y cómo no, a coste cero.

La experiencia fue un éxito, según El blog de una tele: 160 usuarios llegaron a mandar 300 tuiteos bajo el hashtag #nickdutnik, y un 30% se pudieron visionar en el programa. La integración de Twitter de ‘Nick dut Nik‘ fue pionera no sólo en España, sino también en Europa, y muy pocas veces se ha llevado a cabo en el resto del mundo.

La televisión estadounidense y Twitter

Los americanos han empezado a jugar con el pájaro y la ballena en su pantalla pequeña. Las iniciativas se empezaron a conocer en mayo, cuando las productoras Reveille (que se encarga de la versión estadounidense de The office) y Brillstein Entertainment Partners (encargada de Los Soprano) firmaron un acuerdo para desarrollar un programa en el que los usuarios de Twitter darían noticia de las andanzas de los famosos. Así, se aprovecharía la inmediatez de la herramienta para ofrecer un producto fresco y continuamente renovado.

A ello se suma su utilización en series de ficción. La experiencia pionera en este caso fue entre los equipos técnico y artístico de ‘Fringe‘ y ‘Glee‘, que se comunicaron en el estreno de las respectivas temporadas. Esta iniciativa presenta un problema: En el futuro, si se sigue con la idea, ¿cómo podremos eliminar los comentarios si no nos interesa leerlos? ¿Invadirán mucho la pantalla o sólo una pequeña barra para poder contemplar el programa sin problemas?

Los televisivos en Twitter

Y para finalizar, como curiosidad, Slashfilm publicó una lista con actores, directores y guionistas que poseían una cuenta en Twitter, para dar cuenta de cómo los profesionales del audiovisual también se han rendido a esta herramienta. En lo que respecta a la televisión, podemos seguir las subidas de Diablo Cody (guionista de ‘United States of Tara‘), Christina Applegate (protagonista de ‘Samantha Who?‘), Nathan Fillion (’Mujeres desesperadas‘), Michelle Rodriguez (’Perdidos‘) o Frankie Muniz (’Malcom in the middle‘).

En España también tenemos fans de Twitter, como Andreu Buenafuente, Berto Romero o la productora El Terrat. Además, con la intención de acercarse a los usuarios internautas, muchas cadenas de televisión cuentan con su propio perfil en la red social. En este ámbito, TVE es la que se lleva la palma con una cuenta por cada uno de sus canales; además, programas como ‘Plutón BRBnero‘ y ‘59 segundos‘ tuitean sus novedades. La Sexta y Telecinco también informan de sus novedades en Twitter.

¿Tendrá éxito Twitter?

Visto lo visto, la gran pregunta que deberíamos hacernos es si Twitter tendrá éxito y se asentará en el nuevo paradigma televisivo. Se le ha visto como un excelente sustituto de los SMS opinativos con los que varios programas cuentan. Sin embargo, tiene el problema de que es muy difícil que los canales renuncien a una fuente de ingresos tan fácil.

Además, habrá que saber controlar el flujo de los tuiteos, que será inmenso gracias al coste cero de su envío. Con Twitter, ¿conseguiría la televisión atraer a aquellos espectadores que migraron a internet?  Quizá sea un buen momento para que se empiece a investigar.

Con la actual fiebre de adaptaciones en Hollywood, llegué a imaginarme una película de ‘Half-Life‘, un auténtico reto gracias a la simbiosis entre la historia y la jugabilidad. En mi imaginación, esta película se desarrollaba en primera persona y era una versión larga e hiperbólica de los últimos minutos de la película ‘Doom‘… pero ahora tengo la certeza de que sería un fracaso porque se hizo algo parecido hace sesenta y dos años. Y de paso, encontré una interesante reflexión.

Una nueva (y fallida) perspectiva

Para los espectadores de la época, ‘La dama del lago‘ (Robert Montgomery, 1947) supuso un fracaso a nivel artístico. Montgomery no es que fuera un excelente actor, pero su intención de trasladar una novela de serie negra al cine dio a luz a una película rara y bastante agotadora en su planteamiento. Y eso fue así porque Montgomery pensó que, si quería trasladar de la forma más fidedigna posible una novela negra del género hard-boiled (caracterizado por la narración en primera persona), debía hacerlo constantemente desde los ojos del detective, con ocasionales planos del protagonista hablando a cámara. Añado a modo de anécdota que semejante veleidad, es obvio, la tendría que protagonizar él.

Una excentricidad de ese tipo, y más en los años ‘40 (la Edad de Oro del cine clásico norteamericano), terminó con la película convertida en una rareza, más que en objeto de veneración. El motivo es que si la intención del cine clásico era contar una historia de la forma más cristalina posible, el método empleado por Montgomery distraía la atención del público y provocaba un abotargamiento general a medida que pasan los minutos.

Para el espectador de la época, la cosa debió oscilar entre la sorpresa (hay un puñetazo bien dado que remite directamente al cine 3D tan de moda hoy día, fijaos cuánto hemos avanzado) y el bostezo, pero para un espectador posmoderno la película es un videojuego sin interfaz. Y a este punto había que llegar.

Sin interfaz, no hay trato

Esta semana toca otra perogrullada por mi parte, del tipo que deberíamos reclamar a los desarrolladores pero que nos callamos en cuanto nos sale el arma en el lado derecho de la pantalla: un videojuego no es una película. Es un videojuego y, como tal, depende de la jugabilidad, no de la historia (aunque algo ayuda a tragar el juego, no hay duda).

Volvamos a ‘La dama del lago‘. Un crítico contra los videojuegos, de esos que en realidad no tienen ni idea, podría venir y decirnos que nos tragamos prácticamente lo mismo durante ocho horas. Pero no. Si en ‘La dama del lago‘ hubiera un bonito interfaz y la posibilidad de ser nosotros mismos los que manejáramos al detective, aplaudiríamos con las orejas – o no, depende de si nos gusta Raymond Chandler-.

Hace sesenta y dos años, Robert Montgomery se adelantó a su tiempo de forma involuntaria para advertirnos de que la traslación literal de un videojuego a la pantalla es un ejercicio fútil y molesto. ¿Por qué, entonces, las desarrolladoras se empeñan en hacer el camino inverso y convertir los videojuegos en películas, si la sensación conseguida es la misma? Y sí, Kojima, esto va por ti.

Nació en Estambul, aunque a la edad de cuatro años emigró a Estados Unidos. Su padre hizo una rápida fortuna vendiendo alfombras aunque el crack bursátil de 1929 les devolvió a la pobreza. Eso no fue impedimento para que al año siguiente, el joven Kazan empezara a estudiar interpretación en Yale. Primero empezó triunfando en el teatro con adapataciónes de ‘Un tranvía llamado deseo’, ‘La gata sobre el tejado de zinc’ o ‘Muerte de un viajante’.

En 1945, Hollywood le llamó y dos años después fundó el Actor’s Studios, mítica escuela de interpretación que logró un gran renombre bajo la dirección de Lee Strasberg. Siguiendo el método Stanislasvki, jóvenes promesas como Marlon Brando, Marilyn Monroe, James Dean, Jack Nicholson o Al Pacino aprendieron una nueva forma de actuar: para que la interpretación resultase natural, el actor tenía que “vivir” el personaje desde el interior de sus emociones, dejando de ser esclavos del guión.

De genio a delator

Joseph McCarthy y su caza de brujas ensombrecieron la cultura estadounidense en la primera mitad de la década de los ‘50, en plena Guerra Fría. Fue otro capítulo, por parte del gobierno, de estigmatizar  todo lo que sonase, pareciese o recordase al comunismo.

Se puede decir que había tres clases de perseguidos. Aquellos que no tuvieron más remedio que exiliarse a Europa, como el dramaturgo y poeta alemán Bertolt Brecht; aquellos que se quedaron en el país y formaron cierta resisitencia (Lauren Bacall, Humphrey Bogart o el dramaturgo Arthur Miller) y los delatores que pronunciaron el nombre de sus colegas. A pesar de que Walt Disney también se encuentra en este último grupo, fue sobre todo Kazan el que sufrió que le colgasen, para el resto de su vida, la etiqueta de chivato.

‘La ley del silencio’: una controvertida alegoria

Arthur Miller contra Elia Kazan. ‘Las brujas de Salem’ contra ‘La ley del silencio’. Ambos escritores eran grandes amigos, compartían su condición de extranjeros, su amor por el teatro e incluso las mismas mujeres. Un día Kazan presentó al dramaturgo a su novia de entonces, lo que nadie sabía es que ella acabaría convirtiéndose en la mujer de Miller durante 5 años. Esa chica era Marilyn Monroe.

En ‘Las brujas de Salem’ (o ‘El Crisol’) , Arthur Miller se sirve de un episodio ocurrido en 1692 para críticar la realidad persecutoria anticomunista. La obra gira en torno a dos personajes: Abigail, la niña que acusa a sus amigas de practicar la brujería, y el granjero John Proctor, que quiere salvar a su esposa de la ruin joven.  Proctor es acusado (y abusado) por el poder establecido, pero él no delata a nadie porque tiene un alto concepto del honor y la dignidad. No hace falta decir en quienes estaba pensando Miller cuando  concebió a Abigail y a John Proctor.

Por su parte, con ‘América, América’ (1963), Kazan intentó justificar su actuación (aunque nunca se arrepintió de ella). El sueño américano, el Dorado, el lugar donde uno puede formarse, ejercer y vivir con libertad, enriquecerse rápidamente. ¿No se le debe todo -o casi todo- a aquel país que ha cambiado la vida de alguien?

Pero seguramente fue ‘La ley del silencio’ (1954) su obra más cuestionada. Ganadora de 8 Oscars y protagonizada por un  sublime Marlon Brando y  una maravillosa Eva Marie Saint, la película explica la historia de cómo la mafia de la época se hacía cargo de diferentes negocios con el único propósito de ganar dinero (prostitución, bebidas alcoholicas, construcción, juegos de azar…)

En este caso, el protagonista es un obrero portuario de Nueva York que es testigo del asesinato de otro trabajador tras haberse rebelado contra el síndicato que lleva los negocios de los muelles. Y cuando Terry Malloy conoce a la hermana del asesinado (Eva Marie Saint) decide denunciar para terminar con la corrupción de los muelles. Malloy no es un chivato, sino alguien que hace lo que debe hacer, lo que su conciencia, ética y moral le dictan.

Sin embargo, a pesar de que es una maravillosa película en blanco y negro, hay que ser conscientes de las libertades que se toma Kazan. Para justificar su delación compara el acoso anticomunista con el mundo del hampa y su violencia.  Las causas y razonamientos que pueden llevar a un delator a hablar pueden ser numerosas, pero el enemigo que se tiene enfrente también es diferente.

Un Oscar polémico

Recibió tres Oscars: en 1947 y 1955 el de Mejor película por ‘La Barrera invisible’ y ‘La ley del silencio’ respectivamente y en 1.999 el Oscar honorífico. Éste es, seguramente, su premio más controvertido pues cuando subió al escenario la mitad de los asistentes le ovacionaron y el resto se sentaron sobre sus manos en señal de protesta.

El director y guionista, Abraham Polonsky, también perseguido por el McCarthysmo, afirmó que a Kazan “se le respeta como artista, no como persona“. ¿Hasta que punto se puede/se debe separar la persona del artista? ¿Los artistas, igual que los políticos, deben tener unas normas de conducta?

Para muchos, Kazan deshonró a su persona en el momento en que pronunció los nombres de sus compañeros pero ¿dónde queda ‘La ley del silencio‘ y ‘America a America‘; la puesta en escena de ‘Un tranvía llamado Deseo’ o ‘Muerte de un viajante’; su incuestionable influencia en la cultura y en el cine?

A pesar de su inteligencia, sufre una especie de “ceguera emocional”. Además, tiene unos patrones de interés y conducta inusuales y restrictivos. El síndrome de Asperger -mucho más amplio de lo que aquí se ha descrito- se relaciona con el trastorno autístico y comparte ciertos rasgos con el TOC antes citado.

Visibilizando el colectivo

Entre 1995 y 1999 se emitió una de las series que ha hecho historia en la ficción televisiva de nuestro país, ‘Médico de familia‘, cuyo éxito radicó en la capacidad de representar la mayoría de clases sociales y edades. De esta forma, todos los espectadores podían sentirse identificados. Sin embargo, a muchos sorprendió cuando se introdujo el personaje de Ernesto, un celador del centro de salud que sufría Síndrome de Down. Fue el primer actor con esta enfermedad en interpretar un papel fijo en una serie española.

A partir de ahí, se han ido introduciendo personajes que representaban otros tipos de enfermedades mentales o psíquicas, aunque no siempre el actor las padecía. Este es el caso de Narcís Crespo, uno de los personajes secundarios de la telenovela catalana ‘El cor de la ciutat‘, quien tiene una visible discapacidad. Ha trabajado en varios negocios de algunos vecinos del barrio, se ha enamorado de una chica que también sufre otra discapacidad, es sexualmente activo y puede llevar una vida relativamente normal.

En el año 2004, el actor Ferran Carvajal -que da vida a Narcís- asistió a un seminario que impartía la Universidad de Cantabria en Santander y así explicaba su experiencia: “En la serie se cuida mucho todo el entorno de mi personaje, hasta el punto de que cada vez que se aborda un tema, bien sea sobre su sexualidad o su acceso al mercado laboral, se mantienen contactos previos con familiares, asociaciones o centros para darle el mayor realismo posible y no caer en el drama o la comedia fácil”.

Más tarde llegó ‘Sin tetas no hay paraíso‘. De sobras conocida y de la que ya hemos hablado antes, esta serie mezcla el lujo, la intriga, el drama y las tramas románticas, aunque también deja un hueco para mostrar cómo es el día a día de una persona que sufre un TOC. El inspector Diego Torres, que durante las dos primeras temporadas intentó acabar con las actividades ilícitas que llevaban a cabo las distintas bandas mafiosas, sufría distintas obsesiones y compulsiones difíciles de controlar, unas alteraciones que solían repercutir en su trabajo y en sus relaciones personales.

En resumen, hay numerosos ejemplos de series -en España y en el extranjero- que tratan este tema, aunque es importante destacar una comedia estadounidense creada por Diablo Cody -ganadora de un Oscar por el guión de ‘Juno‘- y que ya ha llegado a nuestro país de la mano del canal de pago Paramount Comedy.

Estamos hablamos de ‘United States of Tara‘, que en clave de humor relata la vida de una ama de casa y madre de dos hijos con un desorden disociativo de personalidad. Lo que le hace diferente, es que su enfermedad y como la familia la sobrelleva, es el eje central de la serie. Al dejar Tara la medicación, emerjen continuamente sus cuatro personalidades alternativas:  Alice, una ama de casa perfecta y anticuada; Buick, su personalidad masculina ruda y agresiva;  T, una adolescente indisciplinada y Gimme, que adopta un comportamiento animal y sólo se manifiesta por la noche.

La función social de la televisión

Los medios de comunicación constituyen un importante instrumento educativo y de difusión y conocimiento de unos valores, como pueden ser el respeto o la solidaridad. La televisión, al ser el medio más difundido y utilizado por cualquier clase social y nivel de educación, tiene un papel aún más relevante. Por eso, se han formulado distintos acuerdos multilaterales entre el Estado (o comunidades autónomas), los medios de comunicación y diferentes asociaciones para mejorar la la vida de los discapacitados y su interacción en la sociedad.

Este es el ejemplo del convenio de colaboración que se firmó en el año 2004 en Andalucía entre las Consejerías de Salud, Educación para la Igualdad y Bienestar Social, Radio y Televisión Andaluza, la Fundación Andaluza para la Integración Social del Enfermo Mental (FAISEM) y la Federación Andaluza de Familiares de Personas con Enfermedad Mental (FAFES). Su objetivo: llevar a cabo una sensibilización social sobre las personas con trastornos mentales graves.

En la actualidad existen varios códigos deontológicos –como el que ha creado FAFES- que pretenden, con ayuda de los medios de comunicación, acabar con la estigmatización del colectivo de enfermos mentales. A pesar de que por ahora estos códigos sólo se refieren a los programas informativos, la creación e introducción de personajes en una serie de ficción pertenecientes a este colectivo se puede contribuir a:

• Acabar con la invisibilidad y el rechazo que durante décadas ha padecido este colectivo.
• Eliminar la discriminación y el estigma que padecen estas personas con enfermedad mental o psíquica.
• Eliminar los vínculos entre violencia y enfermedad mental o psíquica y demás estereotipos.
• Sensibilizar a la sociedad para favorecer el conocimiento y la aceptación de estas personas.

Para conseguir estos objetivos es necesario:

• Ofrecer una información lo más objetiva y rigurosa posible.
• No mofarse de las personas que sufren este tipo de enfermedades ni hacer bromas fáciles -y en muchas ocasiones de mal gusto-.
• No caer, tampoco, en actitudes paternalistas.
• Continuar visibilizando al colectivo, siempre desde el respecto y el rigor.

¿Qué es el WeekendTrek?

Es una convención, o encuentro si lo prefieres, de aficionados a la saga de ‘Star Trek‘ en particular y al género de la ciencia ficción en general. Yo lo defino siempre como un fin de semana en el que poder disfrutar de tu afición y conocer a otra gente que la comparte.

¿Desde cuándo se celebra?

Como WeekendTrek ésta es la segunda edición, pero las asociaciones y grupos de ‘Star Trek‘ llevamos organizando convenciones desde hace más de diez años con otros nombres.

¿Cómo surgió?

En general para alguien a quien le gusta ‘Star Trek‘ en España, o una serie similar (excepto ‘Star Wars‘, que es algo más conocido), no le resulta fácil tener gente en su entorno con quien poder hablar de ello. Supongo que es por eso que muchos sentimos la necesidad de buscar a otros aficionados, a otros trekkies en este caso, con los que poder compartir esta “pasión”.

A partir de ahí una cosa va llevando a la otra: se hacen quedadas, se forman clubs o grupos más o menos estables… y finalmente se montan convenciones. Esto de las convenciones es algo que viene del mundo anglosajón, donde tienen un tamaño increíble, y claro nosotros no íbamos a ser menos aquí, así que también las montamos, pero con nuestro propio estilo.

¿Cómo se elige el lugar en el que se hará la próxima convención?

Los grupos de aficionados locales (los hay por muchos lugares de España) presentan su candidatura para organizarlo en su ciudad al resto. Y si hay varias opciones elegimos entre todos cuál nos parece mejor. Es decir, que es algo parecido a lo de los Juegos Olímpicos, pero a pequeña escala.

Es la convención nacional de ‘Star Trek’ y ciencia ficción. En el programa vemos que hay actividades en torno a ‘Star Wars’ ¿los fans pueden encontrar referencias a otras sagas? ¿Son estas dos las que más fans tienen?

Sí, y no solo hay actividades de ‘Star Wars‘, también de otras series como ‘Stargate‘ o ‘Battlestar Galactica‘. Este año además de WeekendTrek, la convención es también CifiMad, es decir, está abierta a todo tipo de ciencia ficción. Aunque la verdad es que siempre lo ha estado, solo que este año hemos invitado también a aficionados a otras sagas a participar por igual.

Y, sí, es cierto que ‘Star Wars‘ y ‘Star Trek‘ son seguramente las dos sagas que más aficionados arrastran… pero antes de que lo preguntes, no hay ningún tipo de pique entre nosotros, de hecho yo mismo, y muchos otros, somos aficionados a las dos. No se por qué la gente siempre se empeña en esto que, por lo menos aquí, no es verdad.

¿Es apta para todos los públicos o sólo para verdaderos aficionados?

La WeekendTrek-CifiMad la exprimirás al 100% si eres aficionado, claro. Pero aunque solamente hayas visto algo de ciencia ficción de vez en cuando o si simplemente tienes curiosidad, puedes disfrutarla también. Es por eso que hemos creado una entrada basic, barata, pensada especialmente para el que tenga curiosidad por pasar una tarde haciendo algo distinto a la oferta de ocio habitual o traer a los niños para que se entretengan, por ejemplo. Con ella podrás acceder a las exposiciones, la zona de stands de venta y algunas de las actividades más accesibles, como talleres o proyecciones.

¿Y cuál es la diferencia con la entrada ‘premium’?

La basic es donde estarán los stands de venta, las exposiciones y las actividades más sencillas. En la zona premium es donde se desarrollarán las actividades con más “chicha”, como el encuentro con los actores o los concursos, por ejemplo. Como ya hemos comentado, cada una tiene una entrada distinta. La basic son 2 euros al día, mientras que la premium costará 8 euros el viernes, 18 el sábado y 5 el domingo.

¿Qué van a encontrar los visitantes?

Un poco de todo. Hay conferencias, juegos, concursos, exposiciones, talleres, visionados… pero sobre todo, si hay algo que tratamos es que las actividades que hacemos sean entretenidas y participativas, que no vengas solo a sentarte y escuchar, si no que puedas involucrarte si así quieres.

Además contaremos con la presencia de dos actores de ‘Star Trek‘, J.G.Hertzler y Robert O’Reilly, que interpretan a los personajes klingon Martok y Gowron, respectivamente. Ellos nos contarán sus experiencias en la serie, firmarán autógrafos, se sacarán fotos con los asistentes…

¿Cuántos visitantes esperáis?

Calculamos que entre 150 y 200 personas de entrada premium y varios cientos más que accederán a la zona basic.

¿Sois como una gran familia, es decir, os conocéis la mayoría o todos los años se une gente nueva?

Hay un núcleo de gente que nos conocemos desde hace años. Para nosotros la convención es algo especial en sí, ya solo por el hecho de poder ver a la gente a la que aprecias y que normalmente no ves el resto del año. Pero cada edición viene gente nueva que se una a esta “gran familia”, como dices, y nosotros estamos encantados. Si hay algo que caracteriza a los que acudimos a las convenciones es que somos gente sociable y que recibimos con los brazos abiertos a todo aquel que se quiera unir a nosotros…

Uy, esto a sonado un poco a secta, pero no van por ahí los tiros…

De las distintas actividades, nos ha llamado la atención el concierto de música ‘trekkie’ ¿qué es la música ‘trekkie’?

Son las bandas sonoras de las distintas series, música sinfónica normalmente. Sonaba a algo más raro, ¿verdad?

Asiste gente de toda España, pero ¿hay alguna ciudad que se vuelque más que las demás?

Sí, hay gente de toda España, e incluso de Portugal, pero los sitios de donde viene más gente es de los alrededores de donde tenemos los clubs más activos: Madrid, Sevilla y Barcelona.

¿Alguna cosa más que te gustaría añadir?

Daros las gracias por interesaros por nosotros e invitar a todo el mundo que sienta algo de curiosidad sobre la convención a que se pase y vea lo que montamos. Lo hacemos con mucha ilusión, pues detrás de esto estamos aficionados, no hay ninguna empresa ni nadie que se reparta beneficios.

Más información:

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Así que el próximo domingo, 20 de septiembre, el Nokia Theatre de Los Ángeles se llenará de caras conocidas de la pequeña pantalla para una ceremonia que, aunque atrae a propios y extraños por su glamour, no logra desprenderse de las críticas que acusan a su jurado de parcialidad y favoritismo. En cualquier caso, la diversión y el espectáculo están asegurados, ya que el encargado de conducir la gala será Neil Patrick Harrison, curtido en la presentación de los Tony (el equivalente en el ámbito teatral) y aclamado por la audiencia gracias a su brillante interpretación del rompecorazones Barney Stinson en ‘How I meet your mother‘.

La cadena de cable premium HBO lidera la lista de candidaturas, con 99 nominaciones, seguida no tan de cerca por las grandes networks: NBC (67 nominaciones), ABC (55), CBS (49) y FOX (42). Pero no hay que dejarse llevar por estas cifras, pues la experiencia dicta que a la hora de la verdad el reparto de premios tiende a privilegiar a unos pocos afortunados.

No obstante, en la presente edición, la expansión del número de nominados en las categorías más importantes (que han pasado de 5 a 6 ó 7 en el caso de empates) ha permitido que se cuelen en las quinielas algunos rostros nuevos que podrían dar la campanada. ¿Quieres saber quiénes son los favoritos a alzarse con la codiciada estatuilla?

Mejor drama

Nominadas: ‘Mad men‘, ‘Damages‘, ‘House‘, ‘Lost‘, ‘Big love‘, ‘Breaking bad‘ y ‘Dexter‘.

Sin duda, gran parte de las papeletas las tiene ‘Mad men‘, que repetiría su victoria del pasado año y lograría cristalizar la más destacada de sus 16 nominaciones en la presente edición. No obstante, el tirón entre la audiencia y la excelente factura de la quinta temporada de ‘Lost‘ (que ya se hizo con el galardón en 2005 y fue candidata en 2008) podría arrebatar la corona a esta serie de publicistas en los años ‘60.

‘Breaking bad‘ está llamada a ser la tercera en discordia, sobre todo por la mejoría que han experimentado sus tramas durante la segunda temporada.

La mayor sorpresa se ha producido por la inclusión de ‘Big love‘ ya que, a pesar de ser una nominación merecida, parece innegable que infinidad de candidatas están más cualificadas para ocupar su lugar entre las aspirantes a mejor drama. En cualquier caso, la nómina de posibles premiados hace patente la buena racha de la televisión por cable, que ha obtenido cinco nominaciones frente a las solo dos de la televisión en abierto (’House‘ y ‘Lost‘).

Grandes olvidadas: sin duda esta categoría genera más comentarios por las series que se quedan fuera que por las nominadas. Y es que se han quedado en el tintero producciones como ‘Battlestar galactica‘ (una vez más, la ciencia ficción condenada al ostracismo), ‘The shield‘ (tras un final de temporada deslumbrante), ‘Friday night lights‘ (cuya sistemática e injutsa exclusión lleva años en boca de los críticos), ‘True Blood‘ (el primer gran éxito de HBO tras ‘The Sopranos‘), ‘In treatment‘, ‘24‘ o ‘Fringe‘.

Mejor comedia

Nominadas: ‘The office‘, ‘30 Rock‘, ‘Family guy‘, ‘Entourage‘, ‘Weeds‘, ‘How I meet your mother‘ y ‘Flight of the conchords‘.

Sorprenden la incorporación de la comedia musical ‘Flight of the conchords‘, así como la presencia de ‘Family guy‘ (primera serie de animación nominada a esta categoría desde que ‘The Flinstons‘ lo fuera en 1961), que hace inevitable pensar en que ‘The Simpsons‘, de haberse animado a presentarse, habría sido una seria aspirante al premio. Pero la ficción de Seth McFarlane lo va a tener difícil, ya que se enfrenta a pesos tan pesados como ‘The office‘ y ‘30 Rock‘ por un galardón que tampoco ‘How I meet your mother‘ desmerece.

No obstante, todo apunta a que Ted y sus colegas tendrán que esperar al próximo año, cuando la esperada relación de Barney y Robin por fin se desarrolle, para tener verdaderas posibilidades de entrar en la pugna. Lo mismo sucede con ‘Entourage‘, cuya última temporada, marcada por el fracaso de Vince y Eric y el éxito de Drama y Turtle (el mundo al revés), ha dilapidado gran parte del atractivo habitual de la serie.

Así las cosas, y descartando una improbable campanada de ‘Weeds‘, sobre el ring quedan sólo dos aspirantes con verdaderas posibilidades de victoria: ‘The office‘ y ‘30 Rock‘. Lo más probable es que la segunda revalide el título de las dos ediciones anteriores, pero no cabe duda de que los empleados de Dunder Mifflin (que ya tumbaron a sus oponentes en 2006) también merecen llevarse la estatuilla a Scranton.

Grandes olvidados: Tanto ‘Two and a half men‘ (que se queda fuera a pesar de poder presumir de la mayor audiencia) como ‘Chuck‘, ‘The big bang theory‘ o ‘Desperate housewives‘ (parece que esta serie no existe para el jurado de los Emmy) hubieran merecido estar incluidas en la lista en lugar de ‘Entourage‘, que ha facturado una temporada francamente mala. ‘Better off Ted‘, ‘Eastbound & down‘, ‘It’s always sunny in Philadelphia‘ y ‘The new adventures of the old Christine‘ también se encuentran entre las más añoradas por el público.

Mejor actor de drama

Nominados: Simon Baker (’The mentalist‘), Gabriel Byrne (’In treatment‘), Bryan Cranston (’Breaking bad‘), Michael C. Hall (’Dexter‘), Jon Hamm (’Mad men’) y Hugh Laurie (‘House‘)

Todos son viejos conocidos de los Emmy, a excepción de Simon Baker, que se cuela inesperadamente en la lista por su papel en la serie más vista de la temporada (’The mentalist‘), adorada por el público y prácticamente ignorada por la crítica. Pese a que Cranston, defendiendo el triunfo del pasado año, y Hamm, como representante de la serie dramática con más nominaciones, no les van a poner las cosas fáciles, puede que por fin este sea el año de Laurie o Hall, que llevan 4 y 3 ediciones respectivamente marchándose a casa con las manos vacías.

En realidad, no hay un candidato que destaque claramente sobre los demás en esta categoría y cualquiera podría llevarse el premio, pero Byrne por lo complicado de su personaje y Laurie por su excepcional trayectoria y su capacidad única para dar vida al ácido doctor House son los más justos merecedores.

Grandes olvidados: Tal vez las más dolorosas sean las omisiones de Michael Chicklis, que ha bordado el final de temporada de ‘The shield‘, y Josh Holloway, cuya interpretación en la quinta temporada de ‘Lost‘ (en la que Sawyer ha cobrado protagonismo frente a Jack o Locke) ha demostrado con creces sus dotes para dar credibilidad al viraje de su personaje de “chico malo” a líder responsable y sensato. Además, su romance con Juliet nos ha brindado varias de las escenas más románticas y sobrecogedoras de la serie y algunos de los gags más divertidos (”no olvides comprar Microsoft si viajas al pasado”). También se echan de menos en la lista actores como Kyle Chandler (’Friday night lights‘) o William Petersen (’CSI‘).

Mejor actriz de drama

Nominadas: Glenn Close (’Damages‘), Sally Field (’Brothers & sisters‘), Mariska Hargitay (’Law & order: SVU‘), Holly Hunter (’Saving grace‘), Elisabeth Moss (’Mad men‘) y Kyra Sedgwick (’The Closer‘)

La mayoría de las quinielas apuestan a que, un año más, Glenn Close se alzará sin demasiadas complicaciones con la estatuilla frente a otras cuatro candidatas, que también repiten nominación junto a una sola incorporación nueva: Elisabeth Moss, como representante de ‘Mad men‘. Las únicas con probabilidades de arrebatarle el éxito a Close son Field y Hergitay, que ya lo han obtenido en anteriores ocasiones (2007 y 2006, respectivamente), aunque la escasa evolución de sus interpretaciones durante la última temporada presagian que no sucederá.

Grandes olvidadas: Anna Paquin (’True Blood‘), Evangeline Lilly (’Lost‘), Mary McDonnell’s (’Battlestar galactica‘), Patricia Arquette (’Medium‘), Jeanne Tripplehorn (’Big love‘), Anna Torv (’Fringe‘) y Emily Deschanel (’Bones‘).

Mejor actor de comedia

Nominados: Steve Carrell (’The office‘), Tony Shalhoub (’Monk‘), Alec Baldwin (’30 Rock‘), Charlie Sheen (’Two and a half men‘), Jim Parsons (’The big bang theory‘) y Jermaine Clement (’Flight of the conchords‘)

No sería de extrañar (ni especialmente injusto) que se reprodujese aquí la misma contienda que en la categoría de mejor comedia, entre los representantes de ‘The office‘ y ‘30 Rock‘. El primero de ellos, Steve Carrell, ha pilotado con éxito el giro de su personaje tras ser abandonado por su alma gemela, Holly, y renunciar a su cómodo puesto de director regional en Dunder Mifflin.

Sin duda, ha sido una auténtica delicia presenciar el nacimiento de la nueva empresa de Michael Scott y su posterior negociación con el todopoderoso David Wallace para forzar una compra que le permitiera recuperar su estatus (y el de sus empleados) en su antigua empresa. Y, desde luego, nadie como Steve Carrell para dar vida a ese eterno niño pequeño en el cuerpo de un hombre de negocios que es Michael.

El segundo, Alec Baldwin, ha protagonizado, en su papel de Jack Donaghy, algunos de los momentos más entrañables de la tercera temporada de ‘30 Rock‘. Mientras su relación con Lemon sigue dando tumbos entre la profesionalidad, la amistad y una latente tensión sexual, el elitista Jack se ha enfrentado esta temporada a los fantasmas de su niñez, encarnados por una madre fría y cruel y un padre biológico desaparecido con el que vive un reencuentro peculiar en la season finale.

Sólo por su actuación en dicho episodio ya merece el galardón, pero tampoco podemos olvidar las hilarantes escenas que han ido dibujando la relación con su apasionada y fervientemente religiosa novia Elisa, interpretada por una imponente Salma Hayek. Sólo un maestro de la interpretación puede afrontar con la naturalidad que lo hizo Baldwin el desdoblamiento de su personaje en el capítulo ‘Generalissimo‘, donde además de al magnate de la NBC, daba vida a un actor hispano de telenovelas.

Esbozadas las razones por las que el premio debe recaer en uno de estos dos brillantes profesionales del humor, no se puede pasar por alto las inesperadas nominaciones de Jim Parson (creíble e inspirado en su rol del nerd Sheldon Cooper en ‘The big bang theory‘) y Jarmaine Clement, cuyo nombre pocos se hubieran atrevido a aventurar en sus predicciones. Por lo demás, un par de sospechosos habituales: Charlie Sheen, el actor de comedia mejor pagado de la tele, y Tony Shalhoub, que se enfrenta a su última oportunidad de obtener el Emmy por su papel de ‘Monk‘.

Grandes olvidados: Zachary Levi (’Chuck‘), David Duchovny (’Californication‘), Jay Harrington (’Better off Ted‘), Lee Pace (’Pushing daises‘), Kyle Bornheimer (’Worst week‘), Nathan Fillon (’Castle‘) y James Roday (’Psych‘).

Mejor actriz de comedia

Nominadas: Tina Fey (’30 Rock‘), Julia Louis-Dreyfus (’The new adventures of old Christine‘), Christina Applegate (’Samanta who?‘), Sarah Silverman (’The Sarah Silverman program‘), Toni Collete (’United States of Tara‘) y Mary Louise-Parker (’Weeds‘).

Si Toni Collete no hubiera estado presente en esta lista la decepción hubiera sido mayúscula. Su papel en ‘United States of Tara‘ (la serie de Diablo Cody, guionista de ‘Juno‘) es uno de las más complicados que una actriz puede encarar, ya que confluyen en él cinco personajes distintos (los alter egos de la protagonista), cada cual con distintos registros que adoptar.

De este modo, Collete da vida al mismo tiempo a una madre marcada por sus problemas de desdoblamiento de personalidad (Tara), a un ex militar maleducado convencido de haber perdido el pene en el campo de batalla (Buck), a la perfecta ama de casa conservadora y religiosa (Alice), a una adolescente incontrolable y desnortada (T) y a una especie de híbrido entre humano y animal que sólo se manifiesta por las noches y resulta realmente peligroso (Gimme). Y todo esto sin que el contraste resulte chocante o alguno de los caracteres poco creíble. Si esto no la hace merecedora del Emmy…

… Será porque tiene a Tina Fey enfrente. Y porque, con el permiso de Collete, la protagonista y creadora de ‘30 Rock‘ es la favorita para alcanzar un año más el beneplácito del jurado y revalidar su título de 2008. Sólo dos razones: es la estrella televisiva del momento en Estados Unidos y su personaje, Liz Lemon, conecta con el espectador de tal manera que hace inmediata la identificación y el encariñamiento.

Con rivales como éstas pocas son las oportunidades de las demás candidatas, a pesar de que todas ellas han hecho méritos suficientes para merecer el reconocimiento. Silverman por hacer justicia al éxito de su “I’m fucking Matt Damon“, Dreyfus por haber sabido reciclarse tras su inolvidable papel de Elaine en ‘Seinfeld‘ y Mary Lousie-Parker por mantener fresco el humor de ‘Weeds‘ mientras el argumento de la serie no ha variado un ápice desde el principio.

Grandes olvidadas: Kaley Cuoco (que entraba en las predicciones de muchos y seguramente aparecerá en próximas ediciones por su papel en ‘The big bang theory‘), Eva Longoria (o cualquier otra de las ‘Desperate Housewives‘), Yvonne Strahovski (’Chuck‘), Portia de Rossi (’Better off Ted‘) y Kaitlin Olson (’It’s always sunny in Philadelphia‘).

Enlaces de interés:

• Lista completa de nominaciones (HTML, PDF y DOC)
• Número de nominaciones obtenidas por cada serie (PDF y DOC)
• Datos y estadísticas de los Emmy 2009 y pasadas ediciones (PDF y DOC)
• Información suplementaria sobre los Emmy y las series candidatas (PDF y DOC)
• Base de datos histórica de nominados y ganadores de los Emmy
• Los Emmy 2009 en IMDB

Julia Ormond afirma que el cine, sobre todo el hollywodiense, se hace para una franja de espectadores jóvenes -de 13 a 17 años- y que por esa razón se ruedan películas cuyos protagonistas son siempre adolescentes. Quizás Ormond (inolvidable en ‘Leyendas de pasión‘ o ‘Sabrina‘ -aunque no sea Audrey Hepburn-) acota demasiado esta franja de edad, pero sí es cierto que en una comedia romántica se espera ver encontrando el amor a una pareja joven, o por lo menos a una jovencita en brazos de un seductor hombre con canas al más estilo ‘Pretty woman‘. Porque eso es lo normal ¿no?

La mujer atípica

¿Quién no recuerda al tímido Benjamin -encarnado por un jovencísimo Dustin Hoffman- siendo seducido por la señora Robinson en ‘El graduado‘? Años después también coprotagonizaría un film donde la mujer coge un rol cuánto menos atípico: en ‘Nunca es tarde para enamorarse‘ (2009) Hoffman conoce a Emma Thompson en un aeropuerto y acaban encontrando en el otro una persona que les comprende, les hace sonreír y con quien pueden deshinibirse.

Y es que, aunque no se pueda generalizar, cuando la mujer cumple una cierta edad se la relega a papeles secundarios, los típicos de madre o de abuela. Y además, y esto es importante, los personajes suelen ser asexuales. ¿Verdad que Richard Gere, Sean Connery o Harrison Ford no tienen problemas para conseguir papeles y encima llevarse a la más guapa? ¿O es que una mujer de 50 años no puede sentirse atractiva, disfrutar del sexo y atraer a los hombres?

Puede parecer exagerado, sobre todo porque  siempre saldrán nombres de actrices que no padecen este problema (Annette Bening, Jodi Foster, Susan Sarandon, Sigourney Weaver, Meryl Streep…) pero según el estudio de ‘Edad, Género y Empleo en Interpretación en Europa ‘ de la Federación Internacional de Actores (FIA) realizada en base a 2.000 encuestas hechas a actores se puede concluir que:

• La vida profesional de las mujeres en promedio es más corta que la de los hombres (las carreras de las mujeres duran entre 12 y 15 años y la de los hombres entre 16 y 20).
• Las mujeres están más concentradas en la categoría de jóvenes y los hombres están repartidos de manera más uniforme a lo largo de todas las categorías por edades.
• Una mayor proporción de mujeres está concentrada en las categorías de menores ingresos y una pequeña proporción en la de ingresos más altos.
• Las mujeres, como grupo, no ganan tanto ni de manera tan continuada como los hombres a través de todas las categorías por edad.
• El 26% de los hombres ven la edad como una ventaja contra el 9% que la ve como una desventaja. Sin embargo, sólo el 3% de las mujeres ven la edad como una ventaja en contraposición al 49% que la ve como una desventaja.

¿Qué salidas tienen?

Siempre se ha considerado a la televisión como el género menor si se compara con el cine o el teatro. Una actriz era verdaderamente actriz si daba el salto a la gran pantalla. Sorprendentemente, en la actualidad es en ese ámbito donde las mujeres a partir de los 40 consiguen papeles más atractivos, complejos e interesantes.

Así, tenemos el caso de Mary Louise Parker, que encarna en ‘Weeds‘ a una madre cuanto menos original que paga sus facturas y cría a sus hijos con lo que saca vendiendo marihuana. Glen Cloose, a sus 62 años, ha ganado un Emmy y un Globo de Oro por la series ‘Damages‘. Y, cómo no, las mujeres desesperadas más conocidas del mundo: en el año 2005 esta serie, donde las mujeres son el núcleo principal de la producción, fue la más vista a nivel mundial.

También, como es el caso de Kim Basinger, algunas profesionales prefieren actuar en Europa, donde por una parte encuentran más apoyo a las actrices maduras y, por otra, existen más películas de temática social. Y si no, evidentemente, siempre hay trabajo sobre las tablas: es el lugar donde la madurez, la trayectoria profesional y la fuerza interpretativa cuentan más que la belleza explosiva o ser la ’sexy vecinita de al lado’

Y en nuestro país…

En España también encontramos estas trabas machistas. Gemma Cuervo afirma que en toda la industria quieren actrices jóvenes. “Algunas nos salvamos por la televisión, que ha abierto las puertas”. Por su parte, Elvira Mínguez, al recibir el Goya a la mejor actriz de reparto por ‘Tapas‘, aseguró que las mujeres de 40 “no existimos, y añadió: “Queremos papeles para nosotras“.

Ésta es una cuestión que se ha de tratar más profundamente y donde confluyen intereses económicos de oferta-demanda y el desarrollo de la sociedad. La industria no oferta más títulos donde la actriz madura lleva el peso interpretativo porque no interesa y, por tanto, no vende. Pero si no se estrenan, los espectadores nunca podrán llegar a interesarse.

Por otra parte, parece que aún están demasiado anclados -y oxiadados- los típicos clichés que también se han cristalizado en el celuloide: un hombre con canas continúa siendo atractivo y puede disfrutar del sexo hasta que el cuerpo aguante, pero aún extraña ver a un jovencito junto a una fémina más mayor: normalmente las mujeres maduras suelen coger el rol maternal o el de trabajadora arisca e insociable -como Meryl Streep en ‘El diablo viste de Prada‘-. Todos ellos roles que ya fueron tratados en los cuentos infantiles, antes del siglo XVIII.

En Tinta Digital nos hacemos eco del interés general y hemos elaborado un calendario completo y una serie de recomendaciones para que todo el mundo entre con buen pie en el nuevo curso audiovisual. ¿Quieres saber cuáles son los estrenos y regresos más esperados? Pues pincha en el banner

‘The Office’ y ‘30 Rock’

Tampoco puede faltar el circulito rojo en el calendario alrededor del 17 de septiembre y el 15 de octubre, porque sin duda los regresos de las candidatas más firmes al Emmy a la mejor comedia son las dos fechas más esperadas por los amantes del humor made in USA. Un solo pero aplicable a ambas: sus gags no son universales y no hacen gracia por igual a todo el mundo, especialmente si no se es fan de las cabezas de reparto (Steve Carrell en la alocada oficina de Scranton; Tina Fey y Alec Baldwin en los estudios de de la Rockefeller Plaza).

‘Glee’

El 6 de septiembre se estrena esta comedia musical de Fox, de la que ya tuvimos oportunidad de ver el episodio piloto. Nada más allá de una ficción correcta que promete dosis moderadas de entretenimiento a quien la sepa encarar sin grandes expectativas. Lo mejor: las historias de integración en el seno de un instituto poblado a partes iguales por atletas y nerds.

‘Fringe’

De proseguir por los senderos abiertos en la memorable season finale de la primera temporada, este producto de la factoría J.J. Abrams (creador de ‘Perdidos‘) nos deparará grandes momentos de emoción y asombro en su segunda entrega, que arranca el 17 de septiembre. Una realidad alternativa en la que no han tenido lugar los atentados del 11 de septiembre y unos protagonistas con un pasado oscuro que desvelar son las grandes bazas de la serie que, cuando nadie daba un duro por ella, nos deleitó con la progresión ascendente más notoria del pasado curso televisivo.

‘How I meet your mother’, ‘The big bang theory’ y ‘Two and a half men’

La serie que muchos han bautizado como legítima sucesora de ‘Friends‘ nos trae de vuelta el 21 de septiembre las andanzas de Ted y sus colegas en una temporada que promete ser… Awesome! Al fin ha llegado la hora de que Barney, el soltero de oro con más chispa de la tele, siente un poco la cabeza al lado de la explosiva Robin. Una relación que promete toneladas de comedia a costa de estos dos analfabetos sentimentales, con más gancho para el ligue de una noche que tablas en el terreno de los intercambios amorosos duraderos. ¡Ah! Y puede que lleguemos a conocer a la misteriosa madre de los niños, pero, seamos sinceros, ¿a quién le importa a estas alturas?

Y la cosa no se acaba aquí. De hecho, es probable que el 21 de septiembre (22 si se cuenta la espera hasta que salgan los subtítulos) sea recordado como el día en que los hospitales del mundo entero se vieron colapsados por una avalancha de ataques de risa y sobredosis de carcajadas. Y la causa es que en dicha fecha, además de ‘How I meet your mother‘, vuelven la sitcom freak por excelencia, ‘The big bang theory‘, y la comedia con la mayor audiencia y el actor mejor pagado de los States, ‘Two and a half men‘. El cientificismo llevado al extremo de Sheldon y compañía tendrá que competir por el trono de la comedia con la masculinidad de contrastes de la familia Harper. Eso sí, con el permiso del ya citado Ted Mosby, ese Ross Geller reconvertido en arquitecto, igual de soso y desafortunado en el amor que su predecesor y con un destino idéntico, escrito ya desde el piloto de la serie: vivir felices y comer perdices con la mujer amada, llámese Rachel o… “la chica del paraguas amarillo”.

‘House M.D.’

Si todavía te quedan ganas de televisión después de atiborrarte de comedia, el mismo día 21 dará comienzo la sexta temporada del procedimental médico por excelencia y uno de los formatos más copiados (u homenajeados, reproducidos, o como se prefiera) de la actualidad. Sólo que después de la sublime finale de la pasada temporada han cambiado tanto las cosas que podríamos estar hablando de una serie completamente nueva. Una en la que Hugh Laurie se enfrentará a la difícil labor de hacer creíble la metamorfosis de su personaje, en un viraje desde la arrogancia del médico más respetado a la beligerancia del paciente más subversivo.

‘Cougar town’ y ‘Flash forward’

Dos estrenos que, avalados por una protagonista de excepción en el caso del primero y una acertada estrategia publicitaria en el caso del segundo, merecen al menos una oportunidad. Aunque sólo sea por ver cómo se desenvuelve Courteney Cox (Mónica en ‘Friends‘) más allá de los sillones del ‘Central perk‘ y los apartamentos de la Gran Manzana o por descubrir si el apocalíptico escenario de ‘Flash forward‘ tiene en común con ‘Lost‘ algo más que un puñado de actores. Si quieres descubrirlo, tienes una cita con la tele (o la pantalla de tu ordenador) los días 23 y 24 de septiembre.

‘Dollhouse‘

Contra todo pronóstico, a Josh Whedon le ha sido concedida una segunda oportunidad para destapar el potencial oculto, que no es poco, de esta original serie de ciencia-ficción. Tras la revelación de ‘Epitaph‘, ese episodio número 13 que quedó descolgado entre dos temporadas para servir de extra de lujo a la edición en DVD, las expectativas han subido al máximo en la blogosfera y hasta los críticos más despiadados del programa se han mostrado dispuestos a confiar una vez más en el genio creador del Buffyverso.

Aunque también se puede interpretar que, en el fondo, ni el más duro corazón bloguero se puede resistir a una historia llena de tensiones amorosas (y sexuales) no resueltas, que para más inri se desarrolla en el seno de una organización secreta dedicada a labores cuya moralidad pende de un hilo y cuyas consecuencias basculan, de manera constante, entre los dominios de un bien sólo accesible a los bolsillos más pudientes, y un mal con tintes apocalípticos de carácter universal.

¿Suena bien? Pues que nadie se quede con las ganas, porque a partir del día 25 de septiembre seremos testigos de los encuentros y desencuentros sobre la cuerda floja de Paul y Echo, Víctor y Sierra y… Bueno, ¿por qué no? Topher y De Witt.

‘Dexter’

Y hemos dejado para el final ese arma de doble filo que son las aventuras de Dexter Morgan, el único asesino en serie capaz de cosechar el cariño del público al tiempo que ejecuta con modélica profesionalidad y sangre fría a su siguiente víctima. Mientras que algunos no dudan en calificarla de la mejor serie de la actualidad, otros se conforman con asistir con decreciente grado de disfrute al atardecer de su originalidad, una vez agotado el argumento psicológico y moral tan bien explotado a lo largo de la primera temporada.

¿Servirá esta cuarta entrega para reconciliar a los fans con el experto en sangre más sanguinario de Miami? Todo parece indicar que sí, pues la filtración (interesada o no) del primer episodio ha traído consigo un refrescante giro de la trama.

En pleno siglo XXI ya sabemos lo complicado que es compatibilizar la vida privada y la laboral, pero ¿y si además de un absorbente trabajo para la policía y una doble vida como verdugo justiciero Dexter tuviera que hacerse cargo de un hijo? ¿Dedicaría las noches a calentar biberones y cambiar pañales, o a investigar delincuentes y limpiar sus fechorías de las calurosas playas de Florida? El misterio empezará a desvelarse a partir del 27 de septiembre.

La planificación estratégica se adueñará en breve de los departamentos de marketing de los anunciantes, pero este año con una dificultad añadida en televisión: los interrogantes sobre la llegada de la TDT .

Anunciantes regionales

Si en general los anunciantes se encuentran un poco perdidos ante el “inminente” apagón analógico, la desorientación es mayor para los planners que trabajan para anunciantes regionales. Estos anunciantes, que centran su inversión en las desconexiones territoriales de las grandes cadenas y en las televisiones públicas, verán muy limitadas sus posibilidades de cara al año que viene.

La normativa de la TDT sólo permite hacer desconexiones territoriales a las cadenas públicas (TVE, La2 y las televisiones autonómicas), por lo que desconexiones territoriales de otras cadenas nacionales quedan descartadas en la nueva televisión digital y en la próxima planificación de medios. Pero el abanico de posibilidades publicitarias en televisión se cierra aún más con la retirada de la publicidad en TVE. Según la Asociación Española de Anunciantes, unas 1.000 empresas utilizaron en el año 2008 las desconexiones territoriales de TVE, invirtiendo en ello unos 36 millones de euros.

De este modo, las opciones se reducen a las televisiones autonómicas y locales, en el caso de que la comunidad autónoma en cuestión disponga de ellas. Pero el share de las televisiones autonómicas no es el mismo que el de TVE, y el perfil de la audiencia también es muy diferente, ambos (cuota de pantalla y target), dos de los pilares básicos a la hora de planificar.

Consecuencias

Una campaña que quiera tener una amplia cobertura en una determinada comunidad autónoma no va a cumplir objetivos únicamente planificando en la televisión autonómica. Será necesario dar el salto al territorio nacional, pero… es de suponer que el coste por impacto se elevará bastante, y mucho más si se trata de una campaña concreta, destinada a un área determinada del territorio.

Además, desde varias asociaciones de anunciantes se acusa al nuevo modelo de televisión de vulnerar la Ley de Defensa de la Competencia, poniendo de manifiesto la desigualdad de oportunidades a la hora de acceder a los canales nacionales de los anunciantes regionales frente a los nacionales.

El problema no afecta sólo a empresas privadas, también será un rompecabezas para los anunciantes institucionales. Un spot de la Xunta de Galicia dirigido a jóvenes gallegos antes se podía emitir en una pausa publicitaria de la serie ‘Los hombres de Paco‘, con la desconexión territorial de Antena 3. El año que viene, para anunciarse en la misma franja horaria, la Xunta de Galicia tendrá que invertir mucho más dinero; también llegará a un público mucho más amplio (todo el país), pero para esa campaña sólo le interesarán los jóvenes gallegos. ¿Cuál será el coste por impacto?

Los filmes de robos y atracos encuentran su precedente en 1903. Ese año se estrenó ‘El gran robo del tren’, dirigida por Edwin S. Porter, un antiguo cameraman de Thomas A. Edison. Inspirada en un suceso real ocurrido en 1900, fue la primera película narrativa, usó numerosas técnicas innovadoras y es considerada la precursora de los clásicos westerns.

Desde ese momento y hasta nuestros días, la ficción y la realidad se confunden para dar al espectador una buena dosis de intriga, acción, ingenio y adrenalina. ¿Quién no ha querido nunca cometer el robo del siglo?

Delincuentes ingeniosos vs peligrosos

Delincuentes contra policías. Ésta es una de las claves del género, porque detrás de cualquier malhechor siempre está el típico agente que descuida su vida y su matrimonio con la única idea de cerrar, por fin, el caso que tanto le perturba y detener al ladrón que lleva tiempo persiguiendo. Aunque no siempre se cumple la pauta de los buenos contra los malos y gran parte de estos delincuentes cinematográficos se convierten en auténticos Robin Hood.

Es el caso de películas como ‘Ocean’s Eleven’ (2001) o el original ‘La cuadrilla de los once’ (1960) donde 11 amigos, entre los que se encontraban Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr. o Peter Lawford, planean robar los cinco casinos más importantes de Las Vegas. Aquí es más importante el ingenio que la violencia y el interés de la cinta recae en observar cómo consiguen su propósito en base a un estudio muy exhaustivo de todas las variables. Ya lo decía Joaquín Sabina en ‘Al ladrón, al ladrón’: Me han dicho / que te revienta que los chavales / olviden que los buenos modales / son esenciales para robar; / tú sabes / que para hacer una buena caja / no necesitas usar la navaja, / un verdadero profesional.

Luego existen los tipos duros. Los indiscutibles thrillers de acción donde hay persecuciones, explosiones, muertos, tiroteos, coches volteados y los protagonistas van con cualquier clase de arma, cuanto más grande mejor. Quince años antes de producir ‘Enemigos públicos’, Michael Man ya había entrado en el género de policías y ladrones de la mano de ‘Heat’, donde pone frente a frente a Robert de Niro y Al Pacino. Pese a que cumple todas las características antes mencionadas, el director se preocupa también de llevar a cabo un cuidado tratamiento de los personajes, a los cuales define y les da fuerza.

La mejor inspiración: la vida real

Y es que aunque cambie la forma de perpetrar el robo o el objeto deseado -dinero, joyas, diamantes y coches suele ser lo más típico-, este tipo de películas suelen fascinar a los espectadores. Así, los directores y productores han encontrado un filón que explotar y a falta de ideas nada mejor que aproximarse a la prensa. Pues ya se sabe, que -en la mayoría de ocasiones- la realidad supera a la ficción.

John Dillinger; Bonnie y Clyde; Billy, el Niño; Frank Abagnale Jr. -Leonardo DiCaprio lo encarnó en ‘Atrápame si puedes’- o Jesse James – que en 2007, Brad Pitt llevó a la gran pantalla-. Todos estos ladrones existieron y sus peripecias fueron recogidas -y acrecentadas- por los diarios de la época.

Se hacieron famosos por su valentia y por la magnitud o brutalidad de los actos. Pero también por lo que significaron en la sociedad del momento. Bonnie Parker -quien junto a Clyde Barrow se convirtió en una de las forajidas más célebres- representaba la  sociedad desencantada de la Norteamérica de la Gran Depresión: gran pobreza y un alto índice de paro.